Thandi Ntuli ::: Blk Elijah & The Children of Meroë

Thandi Ntuli ::: Blk Elijah & The Children of Meroë

Blk Elijah & The Children of Meroë
Thandi Ntuli

Ndlela Music | Julio 8, 2022

Thandi Ntuli - Blk Elijah & The Children of Meroë
 

1 Izibongo 8:41
2 Cold Winds 7:18
3 Amazing Grace 7:06
4 Portal Into A New World 6:51
5 Go Gently As The Sower Reaps 4:29
6 Secret Keeper 5:36
7 No Wrong Turn 5:38
8 Inkululeko 7:40

 

Thandi Ntuli – piano and synth
Sphelelo Mazibuko – drums
Keenan Ahrends – guitar
Ndabo Zulu – trumpet
Mthunzi Mvubu – alto saxophone and flute
Shane Cooper – bass guitar
Nomphumelelo Nhlapo – percussion

En sus proyectos personales y de colaboración, Thandi Ntuli explora la plenitud de lo que es -de lo que somos- y negocia una amplia paleta de sonidos y géneros. Este enfoque es el resultado de haber crecido con la tradición familiar de una tía cantante clásica, de la que toma el nombre; un tío (Selby Ntuli) que fue miembro de la banda de afro-rock Harari; y un abuelo (Levi Godlib Ntuli) que -mientras vivía con su joven familia en el Sophiatown de los años 40, un centro cultural parecido al Harlem de los años 20 en Nueva York- fomentó entre sus hijos la tradición de componer, tocar y cantar música juntos. Esta tradición aún perdura.

A lo largo de sus 13 años de carrera, Thandi ha creado un espacio para sí misma y para otras personas que buscan su hogar, situándose así firmemente a sí misma y a la generación sudafricana contemporánea en el canon musical. Su mirada franca pero empática y vulnerable sobre sí misma, y sobre el mundo, ha dado lugar a una obra que nos facilita el acceso a nuestras historias, presentes y futuros, creando en la literatura musical la existencia de un lenguaje, unas experiencias y un espacio que nos hablan. Para los jóvenes sudafricanos y los creativos -y no en último lugar, para las mujeres- Thandi representa una vuelta a casa, a nosotros mismos, a los demás y a nuestras comunidades.

Se acerca a la música con seriedad, para escucharla y transmitir con toda la honestidad posible lo que ha venido a enseñarle. Al recibir las lecciones de la música sin vergüenza ni juicio, la práctica de Thandi le ha permitido verse y escucharse a sí misma de forma más significativa. Al compartir este don tan íntimamente como lo ha hecho, ha compartido el espacio con el resto de nosotros para darnos voz y presencia a nosotros mismos de manera más significativa. Al hacerlo, compartimos el mismo espacio con los demás. Al fin y al cabo, la música es comunidad. La música es atención comunitaria. El trabajo de Thandi es la apropiación y la celebración sin complejos de todo lo que somos.

 

thandintuli.com

 Incluso si crees que conoces Exiled, Live at Jazzwerkstatt aporta una nueva visión de la música de Ntuli: cómo se compone y qué dice. La seductora riqueza del sonido de la big band ofrece nuevas capas y texturas. También hay una nueva dimensión emocional y relevancia.

Gwen Ansell para New Frame

La pianista y vocalista Thandi Ntuli forma parte de una nueva generación de músicos sudafricanos que reflejan esta idea del jazz intercultural. Criada en Sudáfrica, Ntuli creció con una mezcla de jazz sudafricano y estadounidense, así como de música tradicional africana. Cuando se oyen sus dedos tocar los marfiles, las notas que fluyen provienen del río de la tradición que alberga a Chopin, Art Tatum y Nina Simone. Pero en sus composiciones y voces, se la oye canalizar los ritmos de la vida que informan la música de toda África.

Jackson Sinnenberg para NPR.org

Tyshawn Sorey ::: Mesmerism

Tyshawn Sorey ::: Mesmerism

Mesmerism
Tyshawn Sorey
Pi Recordings | Julio 8, 2022
Tyshawn Sorey - Mesmerism
 

1. Enchantment 7:22
2. Detour Ahead 14:17
3. Autumn Leaves 8:45
4. From Time To Time 5:44
5. Two Over One 7:14
6. REM Blues 4:27

Tyshawn Sorey – drum set
Aaron Diehl – piano
Matt Brewer – bass

Executive producer: Tyshawn Sorey
Producer: Michael Carvin

Recorded by Aaron Nevezie at Bunker Studio, Brooklyn, NY on May 26, 2021
Mixed and mastered by David Darlington at Bass Hit Studios, New York, NY

 

 

 

Mesmerism es una hermosa y oscilante reunión de trío liderada por el baterista Tyshawn Sorey que cuenta con dos músicos a los que ha considerado sus colegas más cercanos: el pianista Aaron Diehl y el bajista Matt Brewer. Sorey -becario MacArthur 2017, profesor de música en la Universidad de Pensilvania, colaborador de Vijay Iyer, Kris Davis, Roscoe Mitchell, Hafez Modirzadeh, Myra Melford, Marilyn Crispell y otras luminarias musicales- expone su visión de Mesmerism de la siguiente manera: «Mi intención era grabar este proyecto con sólo una o dos horas de ensayo y con un grupo de músicos que nunca habían actuado juntos en un escenario. Para ello, Mesmerism se aleja de las grabaciones que produje y que contenían música para trío de piano rigurosamente ensayada y anotada. Durante mucho tiempo, sentí un intenso deseo de grabar algunas de mis canciones favoritas del Great American Songbook, así como las de compositores cuya obra considero que también debería existir en este canon. La grabación de Mesmerism con estos dos maravillosos e inspiradores músicos se convirtió inevitablemente en la mejor ocasión para documentar mi conexión de toda la vida con el continuo ‘straight-ahead’ de esta música».

Diehl, conocido por su estrecha asociación con la ganadora del GRAMMY Cécile McLorin Salvant y su aclamado trabajo como líder de Mack Avenue, aporta un toque refinado y un sentido melódico al proyecto. «Aaron y yo conectamos por primera vez hace muchos años», recuerda Sorey, «y desde el principio se sintió como una conexión fraternal. Llevaba varios años queriendo hacer una grabación con Aaron después de conocerlo y escuchar sus brillantes interpretaciones de todo tipo de música de diferentes épocas. El nivel de escucha e interacción de Aaron en este entorno es inconfundiblemente individualista, muy sofisticado y lleno de intención, alma y profundidad. Su forma de tocar nunca deja de sorprenderme o asombrarme».

Brewer, director de banda y consumado intérprete del SFJAZZ Collective, Gonzalo Rubalcaba y muchos otros, es tan sólido como creativo y buscador, habiendo actuado junto a Sorey en proyectos dirigidos por Steve Lehman, Ambrose Akinmusire, Lage Lund, Steve Coleman y otros. «Además de su habilidad con el bajo en muchos estilos musicales», declara Sorey, «me sorprende constantemente la capacidad de Matt para tocar el swing y el groove con fuerza, para tocar de forma contrapuntística y para estar siempre plenamente presente en la música. Por ejemplo, a veces tiendo a tocar frases que se consideran extremadamente aventuradas sobre las formas de las canciones y Matt siempre está ahí conmigo. Es un músico que aporta un sentido de la aventura bien pensado, junto con unos oídos increíblemente abiertos y un sólido enfoque del ritmo».

La elección de las canciones para Mesmerism no se convirtió necesariamente en una excusa para hacer un álbum de reelaboraciones deconstruidas y muy ingeniosas. Dicho de otro modo, «quería mantener las cosas sencillas y dejar que la belleza de estas canciones permaneciera en nuestras interpretaciones al tiempo que incluía, en un pequeño grado, simples alteraciones de los materiales de las canciones», dice Sorey. Mientras que el enfoque directo se aplica a «Enchantment» de Horace Silver, «Two Over One» de Muhal Richard Abrams y (sólo en el CD y en el streaming) el final de «REM Blues» de Duke Ellington, tales alteraciones se hacen fácilmente evidentes en las selecciones restantes. En «Detour Ahead», por ejemplo, Sorey, que se describe a sí mismo como aficionado a Bill Evans, se quita el sombrero ante el difunto maestro con un arreglo que «se desvía constantemente de la tonalidad original que hemos establecido modulando armónicamente a otras tonalidades de la canción dentro de toda su estructura». Más tarde, en el tratamiento de Sorey de «From Time to Time» de Paul Motian, la canción es casi irreconocible, en el sentido de que «la melodía original está suspendida en el sentimiento y también es simultáneamente conjunta y disyunta sin referencia a un centro de clave particular hasta la declaración melódica de cierre de la canción interpretada por el trío».

Hacer un álbum de trío de piano de jazz como Mesmerism es algo que los admiradores de Sorey quizá no esperaban, pero su intención no era lanzar bolas curvas por hacerlo. El objetivo, explica, era «no reinventar la rueda ni demostrar nada, sino documentar el inquebrantable amor y aprecio que siento por estas canciones de la forma más honesta y sincera que puedo. Siempre he agradecido la oportunidad de tocar esta música y, después de haber sido encasillado como un supuesto «vanguardista» durante casi dos décadas, decidí que por fin había llegado el momento de llevar a cabo esta fecha de grabación yo mismo con músicos a los que respeto y admiro profundamente.»

Tyshawn Sorey ha sido elogiado por la revista Modern Drummer como un músico que «explora el interior y el exterior del jazz moderno y de la música contemporánea seria… [y] no importa lo lejos que viaje, sigue anclado en un firme sentido de la tradición». Aclamado por The New York Times como «un artista que está en el nexo de las preocupaciones artísticas y sociales de la industria musical», Sorey tiene en su haber numerosas obras de concierto ampliadas, como Monochromatic Light (Afterlife), For Roscoe Mitchell, Songs for Death y For George Lewis. También ha sido compositor y artista residente en la Ópera de Filadelfia, la Sinfónica de Seattle y la Universidad de Harvard. Entre sus recientes apariciones en disco como baterista se encuentran Uneasy (con Vijay Iyer y Linda May Han Oh), Tyshawn & King (con el DJ e innovador de Filadelfia King Britt) y On Common Ground (con Mike Sopko y Bill Laswell). El trío de Sorey con el pianista Cory Smythe y el bajista Chris Tordini ha recibido elogios de la crítica por sus lanzamientos Alloy y Verisimilitude. Sus variadas grabaciones en conjunto, The Inner Spectrum of Variables, Pillars y Unfiltered, han cimentado su reputación como «un talento extraordinario que puede ver todo el paisaje musical» (Alex Ross, The New Yorker).

 

tyshawnsorey.com

JULIO 7

JULIO 7

Tom Ollendorff
JULIO 07  :::  Tom Ollendorff
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om Ollendorff - A Song for You
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1. Susanna Risberg Trio – Utfall

2. George Grydkovets – Rise

3. The Jazz Vrio

4. Gastón de la Cruz Quinteto – Hamal

5. Tom Ollendorff – A Song for You

6. Matt Dwonszyk – A Year and a Day

7. Steve Tibbetts – Hellbound Train: An Anthology

 

 

CORTINAS Joe Zawinul - Julio7, 1932

CORTINAS
Joe Zawinul // Julio 07, 1932

Salute gente, como les va…, una programación especial hoy con visitas de músicos locales, unos amigos que presentan material de su próximo show local más un poquito de la mejor compañia musical acompañando a nuestros invitados.

En el arranque la guitarrista sueca Susanna Risberg al frente de un trio con Utfall (DISTROSONG | Nov 6, 2015), discazo de la célebre y muy premiada jóven guitarrista. Otra guitarra a cargo de George Grydkovets desde Rise (Shifting Paradigm Records | Marzo 25, 2022), el álbum debut del también muy jóven guitarrista ucraniano afincado en Nueva York.

En el mientras tanto charlaremos y escucharemos la música de The Jazz Vrio, el trio local liderado por el guitarrista Roberto Pridebailo, más el bata Juan Pablo Elbert y el bajo de Matías Otero.

Un sencillo de adelanto del próximo álbum del guitarrista argentino Gastón de la Cruz y su quinteto, Hamal (Discos ICM | Junio 11, 2022) del prometido álbum Constelaciones de pronto lanzamiento. Seguimos con el bajista estadounidense Matt Dwonszyk desde A Year and a Day (Dwonz | Julio 1, 2022), muy interesante segundo disco del contrabajista secundao por una gran formación.

El chico de tapa, el guitarrista británico Tom Ollendorff desde A Song For You (Fresh Sound New Talent | Mayo 3, 2021), álbum debut de otra de las relucientes nuevas estrellas colgadas del firmamento jazzero. Y cerramos con el consagradísimo guitarrista estadounidense Steve Tibbetts desde Hellbound Train / An Anthology (ECM | Julio 1, 2022), una compilación en dos discos seleccionadas por el propio guitarrista de sus 40 años de grabaciones en ECM.

 

Nos vemos…

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Rotem Sivan Trio ::: A New Dance

Rotem Sivan Trio ::: A New Dance

Rotem Sivan
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Rotem Sivan Trio
Fresh Sound New Talent | Sept 8, 2015
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Otro enorme músico surgido de la interminable cantera israelí, el jóven guitarrista cautivó desde su llegada a Nueva York a toda una muy exigente escena, donde para destacarse de su media predominante se requiere del talento y originalidad expuestos por Sivan quien rápidamente subyugó a profanos y expertos.

Que difícil se hará para algunos, trátese del género o actividad que sea, destacarse en un ambiente dónde lo que uno ofrece ya se produce a cantidades industriales y de la mejor calidad, con pocas posibilidades de ofrecer algo nuevo porque todo está ya probado y explorado…!! No para el joven guitarrista quien ha demostrado que el género todavía da para nuevas y gratificantes sorpresas, al punto que ha provocado la entusiasta reacción de consagrados colegas como el bata mexicano Antonio Sánchez o los guitarristas Peter Bernstein y el recientemente fallecido Pat Martino. La prensa local también se ha pronunciado con elogios congraciándose con la nueva estrella reluciente en el firmamento neoyorkino.

La delicadeza sutil de su estilo y la elegancia de sus interpretaciones despliegan la alfombra roja por dónde transita secundado por sus compañeros de grupo y todos sus nuevos seguidores. Una fusión «fatal» es el resultado de su visión musical que ha logrado extraerle nuevos sabores a viejas y conocidas recetas como lo demuestra con su tan poco convencional interpretación de clásicos como «Angel Eyes», «In Walked Bud» y «I Fall in Love Too Easily», los tres únicos standars entre el resto de temas propios.

«Siento que hay una conexión muy especial entre la música y el movimiento a muchos niveles.» dice Sivan. «Cuando estoy tocando con el trío, imagino que las vibraciones transforman las notas individuales, los acordes y las líneas en movimiento y gestos que crean una serie de reacciones expresivas de mis compañeros de banda y del público. Esas vibraciones son un poco como micromovimientos, como una danza de sonidos».

Dos invitados completan el trio, el cantante Daniel Wright y el saxofonista Oded Tzur otro paisano con un presente exitoso, reciente nueva estrella del sello ECM.

 

rotemsivan.com

 

CORTINA FINAL Shahar - Antidote - Rotem Sivan Trio
Rotem Sivan Trio – A New Dance

 

1 A New Dance 5:36
2 Sun & Stars 1:04
3 Angel Eyes 4:51
4 One For Aba 3:57
5 Yam 4:07
6 I Wish You Were Here 5:24
7 In Walked Bud 6:54
8 Almond Tree 2:16
9 Fingerprints 4:11
10 I Fall In Love Too Easily 7:18

Rotem Sivan – guitar
Haggai Cohen-Milo – bass
Colin Stranahan – drums

Guests:
Daniel Wright – vocals on #8
Oded Tzur – tenor sax on #10

All songs composed by Rotem Sivan, except ‘Angel Eyes’ by Earl Brent-Matt Dennis, ‘In Walked Bud’ by Thelonious Monk and ‘I Fall in Love Too Easily’ by Jule Styne-Sammy Cahn

Recorded at Atlantic Sound Studio, in Brooklyn, New York, January 29 & 30, 2015

Mixed by James A. Farber
Mastered by FSNT
Photography: B. Oscar Ouk
Album design by Guy Mizrachy

Produced by Rotem Sivan
Executive Producer: Jordi Pujol

 

 

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  • Pat Metheny Group – We Live Here
  • Bill Evans – You Must Beleve In Spring
  • Grégory Privat - Yonn
  • Rotem Sivan Trio – A New Dance
  • Nikki Yanofsky – Little Secret
Steve Tibbetts ::: Hellbound Train – An Anthology

Steve Tibbetts ::: Hellbound Train – An Anthology

Hellbound Train - An Anthology

Steve Tibbetts

ECM | Julio 1, 2022

Steve Tibbetts - Hellbound Train An Anthology

 

CD 1

1 Full Moon Dogs 09:15
2 Chandoha 05:57
3 Lochana 03:41
4 Black Temple 09:59
5 Burning Temple 03:59
6 Glass Everywhere 03:59
7 Roam And Spy 04:16
8 Hellbound Train 07:18
9 Nyemma 04:53
10 Your Cat 04:32
11 Vision 05:22

CD 2

1 Chandogra 04:28
2 Climbing 03:57
3 Black Mountain Side 02:55
4 Start 04:16
5 100 Moons 03:47
6 Mile 234 02:28
7 Wish 05:24
8 Ishvarana 00:53
9 Bloowork 01:34
10 Life Of Someone 02:31
11 Life Of Emily 02:14
12 The Big Wind 08:20
13 Aerial View 04:16
14 Night Again 06:59
15 My Last Chance 03:56
16 End Again 02:46
17 Threnody 02:15

Steve Tibbetts Guitars, Dobro, Kalimba, Piano, Percussion
Marc Anderson Congas, Percussion, Steeldrum, Gongs, Handpan
Jim Anton Bass
Eric Anderson Bass
Bob Hughes Bass
Mike Olson Synthesizer
Marcus Wise Table
Claudia Schmidt Voice
Rhea Valentine Voice
Michelle Kinney Cello, Drones
Tim Weinhold Vase, Bongos

 

 

Hellbound Train es una retrospectiva del doble álbum de Steve Tibbetts con música seleccionada por el guitarrista estadounidense de 40 años de grabaciones en ECM . Dividida cuidadosamente en capítulos eléctricos y acústicos, la antología yuxtapone piezas originalmente incluidas en los álbumes Northern Song, Safe Journey, Exploded View, Big Map Idea, The Fall Of Us All, A Man About A Horse, Natural Causes y Life Of. Con sus melodías y texturas líquidas y sus patrones y pulsaciones hipnóticas sutilmente influenciadas por la música de muchas culturas, es una introducción ideal a un cuerpo de trabajo único. En diferentes momentos, Tibbetts puede parecer más cercano al minimalismo, al rock alternativo o a la música ambiental, pero su firma artística es inconfundible.

Algunas preguntas para Steve Tibbetts

Hellbound Train es una antología de dos álbumes extraídos de su trabajo en ECM. ¿Cuál ha sido el criterio de inclusión? ¿Cómo seleccionó las piezas? ¿Es lo mejor de Steve Tibbetts?

No es exactamente un "Best of". Es "Lo mejor que Steve pudo hacer". Lo digo en el sentido más positivo. Hice muestras de los primeros y últimos 10 segundos de mis composiciones, las distribuí en las teclas de tres teclados e hice etiquetas con notas post-it y pegatinas. Las canciones que creía que iban a encajar perfectamente no lo hicieron. ¿Qué podría encajar? Toqué el final de cada canción con el principio de cada una de las demás hasta que empezó a revelarse una trama. Algunas de las composiciones no funcionan bien fuera del álbum en el que viven. Mi álbum Yr es algo propio. Lo mismo ocurre con la mayoría de Natural Causes y Life Of. Esas composiciones no prosperan bien fuera de su propio hábitat.

Los artistas pueden juntar imágenes o música y pensar: "Bueno, eso está muy bien. Eso funciona". Pero al día siguiente, cuando enciendes las luces, suele quedar claro que has realizado una taxidermia artística experimental. El artista tiene que ser capaz de escuchar esa pequeña campana, el sonido que un amigo mío llama "el anillo de la verdad". El artista tiene que ser consciente de cuándo la campanita está en silencio.

Hellbound Train se ha unido fácilmente; los bordes se han soldado solos. La secuenciación tiene sentido, tiene el timbre de la verdad, fomenta la narrativa y cumple con una estética inescrutable similar.

En términos de representación, hay mucha más música de Big Map Idea, The Fall of Us All y A Man About A Horse que de los álbumes anteriores o posteriores. La colección se centra en el período medio de Tibbetts. ¿Puede decir algo sobre su desarrollo musical/artístico en esta época? Parece coincidir más o menos con el periodo en el que viajaba para el Instituto Naropa.

Trabajar en nuevas culturas significaba que necesitaba una mente receptiva a otras formas de pensar. El dinero es un tema desafiante y muy cargado en cualquier cultura. Tuve que contratar a gente en Asia y cometí algunos errores torpes; las reglas de Minnesota no se traducían. Ser consciente de la posibilidad de la magia negra no es una preocupación cotidiana cuando se contrata mano de obra en St. Paul, pero Wayne Vitale dijo a nuestro grupo que en Indonesia era algo a tener en cuenta.

Un efecto secundario es que una mente amasada y gomosa puede preparar el terreno para nuevas formas de pensar en la música. No tuve que esforzarme; mi mente ya era maleable por tener que trabajar con visados, transporte, funcionarios del gobierno, comida, vestimenta adecuada y comportarse con cierta dignidad. Se me colaron nuevas formas de absorber la música y el sonido.

Usted es conocido como un guitarrista inventivo, que prueba nuevas afinaciones y técnicas para conseguir acordes, formas y sonidos antes desconocidos. ¿Cómo desarrolla lo que funciona para usted y sus piezas, o son las propias piezas a veces el resultado de nuevas afinaciones y descubrimientos de acordes/modales?

Hace unos 20 años decidí la afinación que utilizo para la guitarra eléctrica y acústica, bajando la cuerda de La a Sol y la de Mi grave a Do. En la guitarra acústica y eléctrica de 12 cuerdas utilizo esa misma afinación, pero bajando todo una nota entera más. Así consigo un bonito bordón en las cuerdas graves. También significa que todo tiende a estar en la misma tonalidad, pero eso no me preocupa tanto. Mucha de la música del mundo se mantiene en la misma tonalidad

¿Las composiciones eléctricas funcionan en acústico y viceversa? ¿Ha experimentado con esto?

La guitarra eléctrica y el amplificador que utilizo desde 1984 tienen una relación electrónica antagónica que depende de la electricidad. Si giro la guitarra hacia el amplificador, éste empieza a sobrecargarse y a emitir un sonido de desgarro espantoso, como el de una chapa que se hace pedazos. Las tormentas electrónicas como esa no viven en las guitarras acústicas.

La guitarra acústica de 12 cuerdas tiene su propio mundo. Ha construido una pequeña sala de conciertos en su interior tras 50 años de tocarla. Cuando la madera se calienta hay una resonancia, una voz extra que nunca he encontrado en otras guitarras.

¿Cuál es el origen de su interés por los drones?

"El mañana nunca se sabe". Cuando salió Revolver, los fieles estudiantes de los Beatles ponían el disco sin cesar. Ninguno de nosotros sabía qué era ese sonido que abría esa canción, pero sabíamos que era lo correcto. Cuando trabajé en Nepal y Bali me acostumbré a vivir en el mundo cotidiano de los drones rituales tibetanos y en el mundo cíclico de los Gong Kebyar balineses, que son drones a su manera. Los drones y los ciclos de gongs fueron algo nuevo en lo que instalarme cuando estaba lejos de mi estudio y de la creación musical.

Estar alejado de tu propia música durante unos meses cada año puede dar a tu mente un lienzo en blanco muy necesario, para bien o para mal. Tu mente abierta se empapará de los zumbidos y los ciclos.
El lienzo en blanco de la mente también puede albergar sonidos que preferirías no estar tarareando todo el día. Viví junto a un monasterio en Boudhanath que empezaba sus rituales matutinos a las 4 de la mañana, con los cuernos largos tocando las tres primeras notas de "Three Blind Mice". En Ubud vivía junto a un gallo que cantaba el tema de Morricone de "El bueno, el malo y el feo" al amanecer.

De sus socios musicales, sabemos mientras tanto algo de Marc Anderson, y mucho menos de los demás colaboradores. ¿Podría decir unas palabras sobre algunos de ellos y lo que han aportado a la música? ¿Y qué tipo de jarrón toca Tim Weinhold?

Michelle Kinney puede inclinar su violonchelo para que se funda con la música. Es capaz de sacar armónicos del violonchelo que hacen que aparezca y desaparezca con las 12 cuerdas. Está ahí y no está ahí. No conozco a nadie más que pueda hacer eso.

Marcus Wise es mi amigo y compadre. Cuando en los años 70 se me ocurrió aprender a tocar la tabla, le busqué y estudié durante unos meses. Años más tarde, Marcus me llamó a mi estudio y me propuso ir a lo que sería uno de los conciertos más importantes de mi vida.

Marcus me dijo que no debía perderme el concierto de los virtuosos de la tabla Alla Rakha y su hijo Zakir Hussain. Me impresionó la pirotecnia de la tabla de padre e hijo, pero lo que realmente pareció reordenar mi mente fue la forma de tocar del gran intérprete de sarangi Sultan Khan. Sultan Khan se sentó en el escenario y miró de forma abstracta alrededor del auditorio mientras extraía de su instrumento sonoridades profundas, casi como una voz. En sus manos, el sarangi parecía casi alucinógeno por su capacidad de evocar paisajes y emociones en el campo de la conciencia. Me sentí como si estuviera viendo un cuadro de la salida del sol sobre el Ganges superpuesto en el escenario del auditorio. Escuché una cinta del concierto una y otra vez. Empezó a deformar mi cerebro musical. Parecía que había una manera de decir más haciendo menos.

Tim Weinhold toca un jarrón que su mujer compró para poner flores. Tim, como es Tim, lo tocó antes de que viera las flores.

Los músicos con los que trabajo son personas en las que confío y que conozco casi exclusivamente a través de Marc. Es el músico de la ciudad que conoce a todo el mundo, y que sabe quién será el adecuado para lo que estoy trabajando.

La antología también marca 40 años de grabaciones para ECM. ¿Qué es lo siguiente en su viaje musical?

Ahora mismo estoy trabajando en un proyecto con Marc y otros. Está surgiendo una música grande, triste, extraña, que colisiona con los planetas. Marc está dándole a la batería muy fuerte, y yo estoy disfrutando del fuego entre la Stratocaster y el Marshall. La 12 cuerdas es feliz y resonante. Todo suena bien, y cuanto mejor suena, más despacio trabajamos.

Cuando ese proyecto esté terminado, trasladaré mi estudio del edificio en el que estoy desde hace 36 años a mi casa. Sin mis hijos, podré trasladar algunos instrumentos a la habitación de la infancia de las niñas y pasar un tiempo con las 12 cuerdas y el piano. Pasaré tiempo mirando por las ventanas. Vivimos al borde de un pequeño bosque. Los visitantes son coyotes, pavos, ciervos, zarigüeyas, mapaches y muchos pájaros.

ecmrecords.com