Bobo Stenson | Agosto 4, 1944

Bobo Stenson | Agosto 4, 1944

Bobo Stenson ::: Agosto 4, 1944

Nacido en 1944 (en Suecia) Bo Gustav Stenson, más conocido como Bobo Stenson, el bebé de la familia, recibe su primera inspiración musical de su familia. Su padre y su madre tocan, respectivamente, el piano y el violín. Sus dos hermanos y hermana (también respectivamente) practican la batería, el trombón y el violonchelo.
De niño, Stenson estudia piano clásico en la casa de Werner Wolf Glaser, (compositor, director de orquesta, pianista, profesor, crítico musical y poeta sueco nacido en Alemania (1910-2006), que se convierte en su maestro y mentor más importante durante 15 años.

Sin embargo, cuando su alumno se interesa por el jazz, el Sr. Glaser, que había tocado algo de jazz en su juventud, anima a Bobo. (Bobo siempre se mantendrá fiel a la música clásica. Todavía disfruta tocando música de piano, incluyendo a J.S. Bach, para perfeccionar sus habilidades técnicas).
En su adolescencia, Bobo entra en contacto con otros entusiastas afines en su ciudad natal de Västeras, donde toca mucho junto con el bajista Ivar Lindell y el trompetista Lars Färnlöf. Buscan lugares para atascar y transportar un piano en una carretilla de bicicleta, a veces subiéndolo por varios tramos de escaleras sólo para poder tocarlo.

Todavía en la escuela secundaria, conoce (y es visto por) el más grande saxofonista tenor de Escandinavia, Borje Fredriksson, quien durante su corta carrera (falleció en 1969 a la edad de 31 años) tiene una gran influencia en el desarrollo del jazz moderno en Suecia. Bobo acuerda unirse a la innovadora banda de Fredriksson junto con Palle Daniellson en el bajo y Frederik Norén en la batería. Esto implica visitas frecuentes a Estocolmo, y en poco tiempo se convierte en una cara familiar en el Gyllene Cirkeln (el famoso Círculo de Oro en el que Ornette Coleman hizo dos de sus mejores grabaciones).

Tras superar el examen de acceso a la universidad, Stenson parte hacia París, entonces la meca del jazz. En dos días y durante seis meses, Bobo, rodeado de músicos americanos y europeos, actúa día y noche en los legendarios clubes de jazz de antaño, como el Bluenote, Le Chat qui Pêche y el club dirigido por Altevia Edwards (más conocido como “Buttercup”), que afirmaba ser la esposa de Bud Powell.

Posteriormente, Bobo sale de gira con una compañía alemana centrada en la cantante Inge Brandenburg (1929-1999) con la que realiza su primera grabación en Berlín en 1965.

Alrededor del mismo período Stenson se traslada a Estocolmo. Allí toca con gigantes suecos locales, como el baterista Rune Carlsson y el saxofonista tenor Bernt Rosengren. Y la saga internacional continúa: cuando el bajista estadounidense Red Mitchell (1927-1992) se traslada a Suecia a finales de la década de 1960, forma un trío con Bobo, de 24 años, y el baterista Rune Carlsson. Hacen giras por Europa.

El álbum One Long String grabado durante una visita a París, (en el que Stenson es el co-guionista de Mitchell para el material original), está considerado como el primer álbum que hace justicia a las innovaciones aportadas por Red Mitchell a su adorado instrumento.

Otros músicos eminentes, como el saxofonista tenor Dexter Gordon (1923-1990) y la leyenda del jazz belga Toots Thielemans también invitan a Bobo a tocar con ellos.

A principios de 1970, Stenson realiza una gira por África con el saxofonista tenor estadounidense Stan Getz (1927-1991). Músicos como el saxofonista tenor Sonny Rollins, el vibrafonista Gary Burton, y la vocalista Sheila Jordan, también de paso por Escandinavia, están deseando que Bobo suba al escenario con ellos.

En 1971, Bobo participa en Sart, de Jan Garbarek, una de las primeras grabaciones del sello alemán ECM de Manfred Eicher.

Un mes más tarde, en su debut en ECM como líder Stenson graba su trío Underwear (con el bajista Arild Andersen y el baterista y percusionista de jazz noruego Jon Christensen).

Su implicación con la Orquesta de Jazz de la Radio Sueca, le permite a Bobo trabajar con varios nombres famosos, por nombrar uno, George Russell (pianista, director de orquesta, arreglista, 1923-2009). Este último invita a Stenson a participar en la grabación “en vivo” Listen to the Silence, encargada por el Fondo Cultural Noruego.
Años más tarde (en 1980) Russell invita a Bobo a ser el solista de un programa de radio en vivo titulado “Living Time with the RAI big band in Venice and Rome”.

Stenson viaja con el maestro americano de la trompeta Don Cherry (1936-1995), también conocido como uno de los pioneros de la música del mundo. Se asocian más estrechamente en muchos contextos durante el largo período de residencia del trompetista en Suecia, hasta la muerte de Cherry.

Con Jan Garbarek, Stenson también codirige el inmensamente popular cuarteto (con Palle Danielsson y Jon Christensen) que graba dos álbumes de ECM: Witchi-Tai-To (inicialmente pensado como el trío de Stenson) y Dansere. A pesar de sus éxitos comerciales, que equivalían a un éxito y que hoy en día cuentan como clásicos de la época, esta famosa colaboración desgraciadamente cesa.

En 1974, cuando el cuarteto americano de Keith Jarret está terminando, comienza otra fase de su desarrollo, formando un cuarteto con los mismos músicos: Garbarek, Danielsson y Jon Christensen. A pesar de ello, Danielsson y Christensen -que ya han tocado junto a Stenson en varias bandas desde mediados de los años sesenta- siguen compartiendo escenario y grabando con Bobo bajo diferentes auspicios. Stenson sigue concentrado en el desarrollo de sus proyectos suecos, en particular Rena Rama (con Lennart Aberg en saxos y flauta, inicialmente Palle Dannielsson en el bajo, y varios bateristas incluyendo al asombroso Leroy Lowe (1944-1999), que tanto amaba Estocolmo que también se instaló allí).

Rena Rama, que une música folklórica y jazz, reuniendo melodías de África y de Europa del Este, se convierte en uno de los grupos suecos más importantes, cuya discografía incluye el álbum de Japo Landscapes. Desde hace varios años Stenson está involucrado con Oriental Wind, el conjunto formado por el percusionista turco de formación clásica Okay Themiz, que tiene un gran interés en el jazz y que adoptó tanto Suecia como Finlandia como segunda residencia. Tocando música étnica y del mundo, este grupo crea una larga tradición de interacción con los fundadores Ramamani (voz) y su marido, el Sr. Mani, del Karnataka College of Percussion (KCP) de Bangalore, India.

A mediados de los años 80, Bobo empieza a centrarse en su trío, esta vez con el contrabajista sueco Anders Jormin y el baterista Rhune Carlsson. El álbum “The Very Early” grabado en 1986 y lanzado originalmente en Japón, es reeditado en 1997.

A finales de la década de 1980, el perfil de Stenson comienza a elevarse aún más debido a su asociación con el saxofonista de culto estadounidense Charles Lloyd, cuyo regreso a la música después de una ausencia autoimpuesta de 20 años es uno de los eventos de jazz más significativos de la década de 1990. Mientras viaja extensamente con Lloyd en los EE.UU. y Europa, Stenson aparece en los primeros cinco álbumes de ECM de Lloyd: Fish Out of Water (1990), Notes From Big Sur (1992), The Call (1993), All My Relations (1995) y Canto (1997).

Durante una de estas grabaciones, al enterarse de la colaboración con el trompetista polaco Tomasz Stanko, el productor M. Eicher convence a Bobo para que vuelva a poner a Stanko en contacto con ECM. Esto da lugar a tres extraordinarios álbumes de ECM de este trompetista: Matka Joanna (1995), Leosia (1997) y Litania (1997).

En el mismo periodo Stenson sigue liberando el concepto de trío con Anders Jormin en el bajo y Jon Christensen en la batería. Su grabación Reflections (1993, ECM 1516) es un éxito sin precedentes, ganando el Grammy Sueco y el Premio Disco de Oro, una primicia en el mundo de la música. Mindiatyr escrito por Stenson y también la pieza final de Reflections, pasa a formar parte del repertorio contemporáneo de Azimuth en su álbum How was it Then… Never again (ECM 1538).

Después de haber conservado las partituras de Borje Fredriksson durante más de 25 años, Stenson, junto con el bajista Palle Danielsson, el baterista Frederik Norén y el saxofonista Joakim Milder, formó el cuarteto Sister Maj’s Blouse, que edita varios álbumes para mantener vivas las composiciones de Borje Fredrikkson.

Las grabaciones de trío War Orphans (1998, ECM 1606) y el doble CD Serenity (2000, ECM) (con Anders Jormin al bajo y Jon Christensen a la batería y grabadas en un lugar extraordinario frente a HageGarden) sitúan a Stenson firmemente entre los mejores pianistas de jazz vivos. Las grabaciones, (incluyendo excelentes composiciones de Stenson), se convierten en álbumes del mes en publicaciones de todo el mundo.
Mientras tanto, en respuesta a un delicioso concierto en Amberes, se graba un segundo álbum en solitario.

En el lanzamiento del álbum de trío Goodbye (2005), (esta vez con Paul Motian en el asiento del baterista), Stenson gira por los Estados Unidos una vez más, tocando en siete ciudades en siete días. En 2005 recibe la medalla real sueca Litteris et Artibus, otorgada por importantes contribuciones a la cultura, especialmente a la música, el arte dramático y la literatura. Stenson ha sido referido como “el mejor pianista de jazz vivo nacido fuera de los Estados Unidos”. Es un poeta de primer orden. Los espontáneos descubrimientos melódicos y armónicos de Stenson, sus trayectorias y sus partidas lejanas, llegan a una ruptura con el lirismo que, una vez encontrado, suena como si siempre hubiera estado ahí” (JazzTimes, 2005, Thomas Conrad).

Un año más tarde Stenson gana el Premio Europeo de Jazz, Músico del Año.

En 2008 el trío lanza un nuevo CD Cantando: esta vez con Jon Falt a la batería y Anders Jormin al bajo. El álbum es elogiado por la prensa internacional, y en 2009 recibe el premio sueco a la mejor música de jazz. El trío recorre Europa y participa en los principales festivales de jazz.

El nuevo álbum de ECM Indicum (ECM) con el bajista habitual Anders Jormin y el batería Jon Fält – grabado en Lugano en diciembre de 2011 – explora un amplio arco de material. El amplio repertorio se ha convertido en un sello distintivo de los álbumes de Bobo Stenson.

Con “Indicum” el trío obtiene en 2013 -por tercera vez- el Premio Manifiesto, es nominado al Grammy y se convierte en el ganador del Disco de Oro de OJ (OrkesterJournalen).

Fuente: bobostenson.com

Nana Vasconcelos ::: Agosto 2, 1944

Nana Vasconcelos ::: Agosto 2, 1944

Nana Vasconcelos ::: Agosto 2, 1944

Falleció el 9 de marzo de 2016

El primer percusionista Nana Vasconcelos fue un innovador en la fusión de los ritmos brasileños y el jazz en los años 70. Nació en Recife, en la costa nordeste de Brasil y, después de toda una vida tocando por todo el mundo, sus raíces son evidentes en todo lo que toca.

Cuando Nana tenía 12 años empezó a tocar con su padre, un guitarrista, y en la banda de música de la ciudad. Impulsado por una intensa curiosidad y un oído inquisitivo que lo llevó desde la música del más grande compositor de Brasil, Villa Lobos, hasta Jimi Hendrix, Nana llegó a aprender todos los instrumentos de percusión brasileños y, a principios de los sesenta, se especializó en el berimbau. Ha llevado este instrumento mucho más allá de sus usos tradicionales y es reconocido como su principal intérprete.

Después de tocar en todos los contextos imaginables, desde orquestas sinfónicas hasta bandas callejeras en su ciudad natal, Nana se mudó a Río de Janeiro y comenzó a tocar con uno de los más grandes cantantes de Brasil, Milton Nascimento. En 1970 el tenorista argentino Gato Barbieri estuvo en Río e invitó a Nana a unirse a su banda. Tocaron en Nueva York y luego hicieron una gira por Europa, comenzando en el Festival de Jazz de Montreux donde Nana causó sensación. Cuando la gira terminó, Nana decidió quedarse en París. Durante su estancia en la ciudad hizo su primera grabación, “Africa Deus”. Nana regresó a Brasil y grabó su álbum, “Amazonas”, e inició una colaboración con el guitarrista Egberto Gismonti que duró ocho años y produjo tres álbumes de duetos. De vuelta en Nueva York formó Codona con Don Cherry y Collin Walcott, además de hacer giras y grabaciones con la banda de Pat Metheny. Desde 1975 Nana ha grabado con todo el mundo, desde B.B. King a Jean Luc Ponty y a los Talking Heads, pero nunca se ha permitido convertirse en un músico de estudio. Sus contribuciones a cada proyecto son especiales y van más allá del papel habitual asignado a un percusionista.

Mientras trabajaba con Gismonti, Nana grabó su tercer disco, “Saudades”, en 1979, en el que está acompañado por una orquesta sinfónica. En 1983 publicó “Zumbi”, un álbum en el que destacó su trabajo con voces y “percusión corporal”, utilizando los sonidos que sólo él puede hacer al dar bofetadas y provocar de otra manera su propio cuerpo.

En 1983 comenzó a trabajar con cajas de ritmos después de inspirarse en la escena de breakdance que le rodeaba. Hizo una gira por Europa con un grupo de bailarines de break del sur del Bronx. El uso muy original de la caja de ritmos de Nana se distingue por una afinación inusualmente cuidadosa que la hace sonar casi orgánica y por su habilidad para tocarla en vivo, tecleando poliritmos en lugar de programarlos capa por capa.

En 1986 Nana Vasconcelos regresó a Brasil por primera vez en seis años y su gira en solitario fue recibida con entusiasmo por enormes multitudes. Continuó ampliando el campo de sus colaboraciones, apareciendo en bandas sonoras de películas.

El trabajo de Nana demuestra la amplitud de sus talentos musicales. Ha sido miembro del cuarteto del saxofonista/compositor noruego Jan Garbarek, grabando y haciendo giras extensas. Ha seguido trabajando con sus antiguos colaboradores Don Cherry y Trilok Gurtu, así como forjando nuevas asociaciones, por ejemplo, con el bajista noruego Arild Anderson, con el saxofonista británico Andy Sheppard, y con el pianista francés Jean-Marie Machado. Entre muchos discos, aparece en el álbum “Rhythm of the Saints” de Paul Simon.

Sin embargo, sus propios proyectos siguen siendo su primera preocupación. Su grupo, Bushdance, grabó para las Antillas y trabajó extensamente en Europa: y actualmente está desarrollando una actuación en solitario única, una pieza teatral que explora toda la fascinante gama de sonidos y canciones que están en el corazón de su música, y que se basa en su singular relación con su público. Otra dimensión de su trabajo radica en su compromiso continuo con su trabajo con niños y personas con dificultades de aprendizaje, a través de residencias de taller en el Reino Unido e Italia.

 

 

Julio 30

Julio 30

Jimmy Heath

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Amigos…, como les va, un poquin de todo (a veces no sale tan así!!) a ver como me va hoy, ahí va… Arrancamos con el trompetista cubano Yuliesky Gonzalez desde Cubanero (One World Records | julio 3, 2020), el debut como líder de banda del trompetista radicado en Berlin, reuniendo una banda de paisanos latinos más el aporte de dos grandes musicos escandinavos. Bien polentón el arranque para bajar ahora (levantamos poco más allá de la mitad) con otra formación multi-nacional: De Jong/Rebane/Kantonen Trio desde Intercities (Self Produced | Nov 29, 2019). El trio liderado por el pianista de países Bajos Jetse de Jong debuta con este álbum más el bajista estonio Robert Rebane y el bata finlandés Roope Kantonen.

Otro álbum que había quedado a la espera (larga espera) y ahora lo ubicamos en este bloque, el guitarrista canadiense Bernard Epaud desde Réflexions (iM Bernard Epaud | Dic 21, 2018). Seguimos con el pianista británico Greg Foat desde Symphonie Pacifique (Strut Records | Julio 3, 2020), un agradable álbum con un ligero tono Smooth (pero del bueno!!) de uno de los principales animadores del movimiento en el Reino Unido.

El gran saxofonista Jimmy Heath falleció en enero último a los 93 años, una de las glorias del movimiento activo hasta horas antes de su muerte, nos ofrenda Love Letter (Verve | Julio 17, 2020) su obra póstuma concluida apenas semanas antes de su partida. Un disco fenomenal!!! Volvemos a Inglaterra para escuchar al jóven pianista, arreglador y director de orquesta Wayne Marshall con Born to play, Gershwin (Avi | Julio 17, 2020) al frente de la WDR Funkhausorchestra, siendo esta su última participación como director de la gran banda luego de diez años al frente de ella. El disco un homenaje a la musica de Gershwin (no es el único suyo hasta la fecha).

Un cuarteto de lujo: Redman+Mehldau+McBride+Blade desde RoundAgain (Nonesuch | Julio 10, 2020), vuelven al ruedo con composiciones originales luego de su primera grabación juntos en 1994. Discazo…

Los dos últimos: el guitarrista Kurt Rosenwinkel & The Heartcore Orchestra con Under It All (Heartcore | Junio 19, 2020) un simple desde donde el guitarrista recrea un viejo tema suyo con una orquesta enorme de 68 jovenes musicos de tres continentes. Lo recaudado de sus ventas irá a un fondo de ayuda, el Heartcore for the World, proyecto que aporta equipos y servicios esenciales de educación musical a niños necesitados.

Cerramos con Derrick Hodge desde Color of Noize (Blue Note | Junio 26, 2020), el tercer álbum del multi-instrumentista, compositor y productor desde donde se refleja un abanico de influencias desde el jazz, hip-hop, Soul, Gospel…

Nos vemos…

David Dorantes, Renaud Garcia-Fons – Paseo A Dos

David Dorantes, Renaud Garcia-Fons – Paseo A Dos

Paseo A Dos
David Dorantes, Renaud Garcia-Fons
E-Motive | Enero 8, 2016

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1 Molto Enrollado 5:18
2 Palabras De Ensueno 7:48
3 Entre Las Rosas 3:34
4 En El Cristol De La Noche 6:24
5 Mar Y Rayo 9:08
6 Como Sueno Infantil 4:43
7 El Rio Os Espera 9:15
8 La Promesa Del Alba 8:40
9 Amanecer 3:10

Dorantes: Piano
Renaud Garcia-Fons: Five strings double bass

Guest Artists:
Javi Ruibal: Drums and percussion
Ursula Lopez: Flamenca dance

Release October 16th, 2015

Un encuentro fascinante entre dos mundos irreconciliables para el profano, pero que por suerte para la musica y los amantes de ella, cualesquiera fueran sus gustos y preferencias, ha recorrido un largo camino consolidando una férrea amistad y empatía.

Uno de estos gratificantes ejemplos es el fruto de una larga amistad musical entre nuestros dos héroes protagónicos, el pianista gitano David Peña “Dorantes” y el contrabajista parisino Renaud García-Fons, quienes participaron con una obra a estrenar “Flamenco a cordes” en la XVIII edición de la Bienal de Sevilla 2014, en el Teatro Lope de Vega, donde se estrenaron otras 21 obras ineditas. Paso posterior fué formalizar la obra que dió lugar al álbum que hoy compartimos, Paseo A Dos, grabado en directo en los estudios del pianista.

A Dorantes se lo conoce como La joya del piano flamenco, y si bien su referencia hacia el género es lo suficientemente fuerte dado sus aportes al movimiento, es un músico que no se encasilla incursionando en la globalidad y universalidad de su arte sorteando fronteras musicales absurdas muchas veces. Multi-premiado a lo largo de sus no tan prolongada carrera, levantó sus manos de entre la multitud con la publicación de Orobroy (Chrysalis | 1998) logrando la atención y la pronta admiración de sus paisanos flamencos.

Renaud García-Fons también ha logrado tamaña celebridad, el Paganini del Contrabajo lo llaman en el ambiente. Nació en 1962 cerca de París de papás catalanes. Estudió contrabajo en el Conservatorio de Música de París, tocando en sus orquestas y también como miembro de Le Big Band Roger Guerin, actuando con algunos de los más renombrados de baterías de jazz, incluyendo a Kenny Clarke y Sam Woodyard. A los 21 años, Renaud fue galardonado con un diploma por el ministro de Cultura francés como profesor de contrabajo. Ahí comenzó el camino del éxito, ya artífice de su propio destino se sumerge en la improvisación y exploración extrema de su instrumento

Fué entonces cuando decide añadir una quinta cuerda a su bajo, permitiendo posibilidades mucho más allá de la idea del contrabajo como instrumento de acompañamiento y sobre todo la posibilidad de ser una de las voces de improvisación. La combinación de esta innovación con sus técnicas con arco y pizzicato alcanzó un nivel sin precedentes, el Paganini del contrabajo..., otros aventuraron a compararlo incluso con Astor Piazzolla o Jimi Hendrix, por su nivel de osadia y búsqueda.

CORTINA FINAL
Teardrop
Big Vicious
Avishai Cohen
ECM | Marzo 27, 2020

Joel Harrison ::: Julio 27, 1957

Joel Harrison ::: Julio 27, 1957

Joel Harrison ::: Julio 27, 1957

Joel Harrison es uno de los primeros artistas que ha establecido un puente entre el mundo del jazz, la música clásica, la música americana y las tradiciones de la India y África. Nacido en Washington D.C., el guitarrista, compositor, arreglista, letrista, vocalista y compositor comenzó su búsqueda de nuevos sonidos a principios de la década de 1980 con estancias en Boston y el Área de la Bahía. Nombrado Socio Guggenheim en 2010, Harrison ha sido reconocido desde hace tiempo como una persona que asume riesgos, alguien que nunca se queda quieto. Ha florecido de sus mentorías con Joan Tower, Ali Akbar Khan, W.A. Mathieu y Charlie Banacos hasta convertirse en uno de los artistas más respetados de su generación. El núcleo de sus múltiples proyectos es el corazón, el alma y la sorpresa. Lo que más le importa a este compositor es mover al oyente.

Harrison ha ganado dos veces el Concurso de Composición de la Alianza de Compositores de Jazz, y ha recibido apoyo y premios de Chamber Music America, Meet the Composer, the Flagler Cary Trust, NYSCA, New Music USA, y la Fundación Jerome. Ha publicado 17 cds desde 1995 como líder, y ha aparecido en los primeros lugares de la encuesta de la revista “Rising Star” Downbeat Magazine durante muchos años. Harrison también ha compuesto varias obras no improvisadas, ya sea para orquesta, cuarteto de cuerdas, violonchelo solo o percusión, incluyendo el galardonado solo de marimba Fear of Silence, de PASIC. Es el fundador y administrador de Alternative Guitar Summit, un festival anual dedicado a la música de guitarra nueva e inusual. Pat Metheny llamó a la Cumbre “uno de los foros más interesantes y distinguidos para la guitarra en el planeta”.

Entre los lanzamientos más destacados se encuentran Free Country feat. Norah Jones y David Binney, Infinite Possibility (orquesta de jazz), Coro de cuerdas – Música de Paul Motian, , y Search feat. Donny McCaslin. Los cds de Harrison incluyen algunos de los mejores músicos vivos, ya sea en cuerdas, fagot, saxofones, metales o percusión. El New York Times lo llamó “proteico” y “brillante”, mientras que el New Orleans Times Picayune dijo “Junto con Scofield, Metheny y Frisell Harrison ha creado un nuevo proyecto para el jazz”. El último lanzamiento, previsto para mayo en Whirlwind, es una impresionante colección de canciones y letras originales titulada The Other River. La banda incluye a Glenn Patscha (Roseanne Cash, Marc Cohen), y Byron Isaacs (The Lumineers). Los resultados fluyen a través de múltiples tradiciones americanas, a su vez hermosas, crudas, psicodélicas y azules, boyantes y divertidas, temperamentales y surrealistas.

Web: joelharrison.com