Dominic Miller ::: Marzo 21, 1960

Dominic Miller ::: Marzo 21, 1960

Dominic Miller
Dominic Miller ::: Marzo 21, 1960
 

Nacido en Argentina de padre estadounidense y madre irlandesa, Miller se crió en Estados Unidos a partir de los 10 años y luego se educó allí y en Inglaterra. La mentalidad internacional del guitarrista sólo se ha profundizado a través de décadas de giras por el mundo, trabajando con gente como Paul Simon, The Chieftains, Plácido Domingo y, más a menudo, Sting. Miller es conocido desde hace mucho tiempo como la mano derecha de este último en la guitarra – y co-escritor de «Shape of My Heart», entre otros. «He sido influenciado por el sentido lateral de armonía de Sting y cómo forma canciones», dice el guitarrista. «Trato de hacer lo mismo creando una narrativa con música instrumental, que trato y arreglo como canciones, con versos, coros, puentes. He absorbido mucho de él sobre el concepto y el arreglo, así como la concisión al contar una historia».

Miller escuchó el toque rítmico/colorístico de Katché en su oído durante décadas, mientras que Fiszman toca en el actual grupo en vivo del guitarrista. El simpatico juego de batería y bajo aquí se destaca por sus intercambios en «Ombu», un tema que lleva el nombre de un árbol de Argentina con vastas raíces. Miller descubrió recientemente a Arias, después de haberlo encontrado en Buenos Aires. «Estaba de gira por allí y salí una noche libre a ver un concierto con algunos de los mejores músicos locales. Todos estaban señalando a un joven bandoneonista. Al presenciar la obra de Santiago -esta música argentina, acústica, no tanguera y autóctona, mezclada con influencias europeas- sentí una chispa. Escribí la música de Absinthe con el timbre de su instrumento y su sentido del espacio en mente».

Con Absinthe, su segundo disco para ECM, el guitarrista Dominic Miller ha creado un álbum coloreado por una atmósfera distinta. «Lo primero que me vino antes de escribir cualquier canción fue el título», dice. «Viviendo en el sur de Francia, me fascina el Impresionismo. Los agudos errores de luz y de brujería, combinados con el alcohol fuerte y las resacas intensas deben haber llevado a algunos de estos artistas a la locura. Cielos verdes, caras azules, perspectiva distorsionada».

Mientras que el debut de Miller en ECM, Silent Light, enfatizaba la intimidad en solitario y en dúo, Absinthe encuentra al guitarrista al frente de un quinteto que lleva sus composiciones siempre líricas a la vida texturizada. Miller, que cambia entre guitarras acústicas de cuerdas de nylon y de acero, tiene un folio melódico armónico en el bandoneón de Santiago Arias. La presencia viva en la batería es Manu Katché, un veterano de ECM y durante años colega de Miller en la banda de Sting (a quien el guitarrista ha acompañado durante tres décadas).

Los tonos de teclado de Mike Lindup añaden un aire fantasmagórico a aspectos destacados como la pista del título, mientras que el bajista Nicholas Fiszman arraiga el sonido. En cuanto a Miller, JazzTimes lo describió como un guitarrista que «ordeña cada nota, prosperando con las pausas entre ellas y los susurrantes efectos de los dedos deslizándose a través de las cuerdas», mientras que Stereophile estuvo de acuerdo, declarando que «su habilidad para expresar emociones a través de la guitarra es increíble de escuchar».

Absinthe no sólo fue concebida en el sur de Francia, sino que fue allí donde Miller y su banda grabaron el disco, trabajando con Manfred Eicher en el estudio de La Buissonne, en Pernes-les-Fontaines. El ambiente era ideal, dice Miller: «Es un gran ambiente en el que trabajar. Y me encanta colaborar con Manfred, es un productor de verdad. Recuerdo la inspiradora autenticidad de los discos que hizo con Egberto Gismonti. Eran tan importantes para mí….

 «Para mis dos álbumes de ECM, y especialmente este nuevo, mi idea inicial de una melodía puede ser como una simple melodía propia», explica Miller. «Pero una vez que terminamos de trabajar juntos en ella, la pieza se convierte en un rico fotograma, con toda la luz y la sombra de la vida en ella. Manfred ayuda a sacar a relucir la esencia de la música, a menudo empujándonos fuera de nuestras zonas de confort en el proceso. Pero estoy dispuesto a hacerlo, hemos repensado, rediseñado y reinterpretado todos los temas del estudio. He hecho alrededor de 250 discos de pop y rock a lo largo de los años, y eso es a menudo un proceso para lograr la llamada perfección. Pero Manfred no está detrás de este tipo de perfección».
El bandoneón de Arias juega un papel vital a lo largo de todo el álbum, ya sea atmosféricamente en piezas como las sombrías «Ténèbres» o como voz solista en «Saint Vincent». El título de esta última canción no se refiere a Van Gogh, sino al guitarrista camerunés Vincent Nguini, un viejo colaborador de Paul Simon y una especie de mentor de Miller. «Vincent tuvo una sensación tan especial de’tiempo’, de la que a los bateristas les gusta hablar», dice. «Con la forma en que usaba el tiempo, se podía oír que era él por unas pocas notas.»

El tema del título de Absinthe comienza con las manos de Miller tocando las cuerdas de nylon de una guitarra de cuerpo pequeño con su característica «precisión artesanal», como dice el Irish Times. Después de dos minutos de desarrollo melódico con sólo guitarra y bandoneón, el ritmo de Katché llega con fuerza, impulsado por el bajo profundo de Fiszman. La pieza asume inmediatamente el dramatismo de una historia, con la línea sintetizadora de Lindup zumbando sutilmente a través del arreglo como un espectro, añadiendo algo de otro mundo a la narración. «Quería que el sintetizador agregara un elemento perturbador, como una debilidad inducida por la absenta», explica Miller. «Conozco a Mike desde hace años y confío implícitamente en lo que él puede aportar a mi música, ya sea un toque de sintetizador fuera de onda o de piano fluido, como en’Etude’ y’Verveine’. Esta última canción, por cierto, lleva el nombre de una especie de té de hierbas que tienen en Francia y que me gusta. Es supuestamente bueno para las resacas, así que supongo que los viejos pintores lo usaron como antídoto calmante después de las visiones de la absenta».

 

dominicmiller.com

 

 

 

Harold Mabern ::: Marzo 20, 1936

Harold Mabern ::: Marzo 20, 1936

Harold Mabern ::: Marzo 20, 1936
 

Mabern nació y se crió en Memphis, Tennessee, una ciudad que es la capital de la música americana del siglo XX. Al igual que sus compañeros de jazz de Memphis George Coleman, Booker Little y Frank Strozier, Mabern asistió a la Escuela Secundaria de Manassas y, tras un primer intento de tocar la batería, aprendió a tocar el piano él mismo y cayó bajo el hechizo del pianista Phineas Newborn Jr., una influencia que marcaría y perduraría con Mabern el resto de su vida.

Junto con otros músicos de Memphis, Mabern se trasladó a Chicago en 1954, donde pronto encontró trabajo apoyando a los saxofonistas tenores Johnny Griffin, Gene Ammons y Clifford Jordon. También obtuvo más influencia al estudiar con el pianista Ahmad Jamal y tocó en el grupo de hardbop MJT + 3, antes de irse a la ciudad de Nueva York en 1959. «Chicago me dio el material que necesitaba y la confianza», recordó en 1987. «Nueva York refinó mi material y todavía lo está haciendo».

Uno de sus primeros conciertos significativos fue una estancia de 18 meses con Art Farmer y el Jazztet de Benny Golson. Tras la disolución del Jazztet, Mabern trabajó con Jimmy Forrest, Lionel Hampton, Donald Byrd e hizo una breve estancia con Miles Davis en 1963. Trabajó con J.J. Johnson (1963-65), Lee Morgan (1965) y Hank Mobley, grabando el álbum Dippin’. Sonny Rollins, Freddie Hubbard, Joe Williams (1966-67) Mabern también tocó en un cuarteto con el guitarrista Wes Montgomery. Décadas más tarde, Mabern alabó la alegre calidad de la interpretación y la personalidad de Montgomery y se lo dijo a un entrevistador:

La música era un desafío. Acababa de empezar a tocar. Decía: «Mabern, toca esto conmigo». Ahora, si tenía algo específico que quería que tocara, como por ejemplo, si quería que tocara una figura con él al unísono, bien, y yo lo cogería directamente por el hecho de que soy autodidacta, siempre tenía que usar mis oídos de todos modos… Entonces habría momentos en los que diría, «Mabern, toca esto conmigo», y podría ser la parte de la armonía de lo que está tocando… de cualquier manera, siempre era un desafío. Siempre decía: «Mabern, eres un gato malo». Y yo decía, «Oh, sólo estoy tratando de seguirte el ritmo».

Entre 1968-70, Mabern dirigió cuatro álbumes para Prestige, el primero de los cuales fue A Few Miles From Memphis con una formación de dos saxofonistas, uno de ellos George Coleman, nativo de Memphis. A principios de los años 70, Harold Mabern se convirtió en un miembro clave del grupo de trabajo de Lee Morgan y apareció en varias grabaciones en directo y en estudio realizadas por el trompetista antes de su muerte en 1972.

En 1971, tocó en el álbum The Sugar Man de Stanley Turrentine y Don’t Mess With Mr. T. en 1973. En 1972 grabó con el coro de piano de Stanley Cowell.

En años más recientes, ha realizado giras y grabaciones extensas con su antiguo alumno de la Universidad William Paterson, el saxofonista tenor Eric Alexander. Hasta la fecha, Mabern y Alexander han aparecido en más de veinte CDs juntos. Miembro del profesorado de la Universidad William Paterson desde 1981, Mabern es también un frecuente instructor en el Stanford Jazz Workshop.

Harold Mabern ha grabado como líder para DIW/Columbia y Sackville y ha hecho giras con el Contemporary Piano Ensemble (1993-1995). Falleció el 19 de septiembre de 2019.

 

haroldmabern.jazzgiants.net

Eliane Elias ::: Marzo 19, 1960

Eliane Elias ::: Marzo 19, 1960

Eliane Elias ::: Marzo 19, 1960
 

A lo largo de una distinguida carrera que abarca casi 30 álbumes, el estilo musical distintivo de Eliane Elias, pianista/cantante/compositora ganadora de varios premios GRAMMY®, ha surgido como uno de los sonidos más únicos e inmediatamente reconocibles del jazz. Con más de 2,2 millones de álbumes vendidos hasta la fecha, Elias combina sus raíces brasileñas y su atractiva voz con sus virtuosas habilidades instrumentales de jazz, música clásica y composición, al tiempo que demuestra constantemente su maestría pianística y su capacidad para integrar los numerosos papeles artísticos que asume.

La grabación más reciente de Elias, Love Stories, es un álbum orquestal en inglés que se publicará el 30 de agosto de 2019 a través de Concord Jazz. «Estoy muy orgullosa de esta producción y siento que es uno de los conjuntos musicales más románticos que he producido», dice sobre el proyecto, que grabó en Brasil y en los estudios Abbey Road de Londres junto con los coproductores Marc Johnson y Steve Rodby.

Trae una alineación estelar de algunos de los músicos más solicitados de la sección rítmica de Brasil, incluyendo a Marcus Texiera en la guitarra y Edu Ribeiro, Rafael Barata, Paulo Braga y Celso Almeida en la batería, además de Marc Johnson, su compañero musical y co-lírico de muchos años, en el bajo. El orquestador Rob Mathes regresa para su cuarta grabación con Elías aquí, mientras que el compositor Roberto Menescal toca la guitarra en su propia canción, «O Barquinho/ Little Boat».

El nativo de São Paulo aprovechó un profundo pozo de emoción para este proyecto, que profundiza en varias expresiones de amor que van desde lo romántico y soñador hasta lo profundo y duradero. La fuerte conexión de Elías con la tradición de la bossa nova también se destaca aquí, brillando de manera fresca y moderna mientras interpreta varias obras clásicas hechas famosas por Frank Sinatra, Antonio Carlos Jobim y algunos de sus favoritos de todos los tiempos. Elias también extrae su propio corazón para inspirarse en tres impresionantes composiciones originales.

La naturaleza evocadora de la música refleja un reciente período emocionalmente desafiante en la vida de Elias durante el cual ella escribió y arregló el material. Justo cuatro meses antes de la muerte de su padre, sufrió un accidente, en el que se fracturó el hombro, obligándola a permanecer casi completamente quieta durante muchas semanas. Mientras se recuperaba en su casa de São Paulo, Elías convocó su espíritu creativo en respuesta a las difíciles circunstancias en las que su escritura y su voz se convirtieron, como dijo Johnson, en «sus puntos focales de expresión».

Como ganador del GRAMMY®, ganador del Latin GRAMMY®, cuatro veces ganador del Disco de Oro y tres veces ganador del Mejor Álbum Vocal en Japón entre muchos otros premios, Elias ha ocupado su lugar en el panteón de los gigantes de la música. Sus tres grabaciones más recientes alcanzaron la posición número uno en las listas de Billboard, iTunes, las listas de radio de jazz y las listas de best sellers de Amazon, por nombrar sólo algunos reconocimientos recientes.

Nacido en São Paulo, Brasil, el talento musical de Elias comenzó a mostrarse a una edad temprana. Empezó a estudiar piano a los siete años y a los 12 años transcribía solos de los grandes maestros del jazz. A los 15 años, enseñaba piano e improvisación en una de las escuelas de música más prestigiosas de Brasil, CLAM. Su carrera como intérprete comenzó en Brasil a los 17 años, trabajando con el cantante y compositor brasileño Toquinho y el gran poeta Vinicius de Moraes, que también fue co-escritor y lírico de Antonio Carlos Jobim. En 1981, se dirigió a Nueva York y en 1982 consiguió un puesto en el aclamado grupo Steps Ahead. Su primer álbum en solitario fue una colaboración con Randy Brecker en 1984, titulado Amanda. Poco después comenzó su carrera en solitario, que abarca 28 álbumes hasta la fecha con el lanzamiento de Love Stories. En su trabajo, Elias ha documentado docenas de sus propias composiciones, su excepcional interpretación en el piano y sus arreglos y bellas interpretaciones vocales. Comenzó a ganar encuestas en 1988 cuando fue votada como Mejor Nuevo Talento en la encuesta de la revista Jazziz.

Junto con Herbie Hancock, fue nominada al GRAMMY® en la categoría de Mejor Interpretación de Solos de Jazz por su lanzamiento en 1995, Solos y Dúos. Esta grabación fue aclamada por la revista Musician como «un hito en la historia del dúo de pianos». En la encuesta de 1997 de los lectores de DownBeat, su grabación The Three Americas fue votada como mejor álbum de jazz. Elias también fue nombrado en otras cinco categorías: Más allá de Músico, Mejor Compositor, Pianista de Jazz, Vocalista Femenina y Músico del Año. Considerado uno de los grandes intérpretes de la música de Jobim, Elias ha grabado dos álbumes dedicados exclusivamente a las obras del compositor: Toca Jobim y canta Jobim. Su lanzamiento en 1998 Eliane Elias Sings Jobim ganó el premio al Mejor Álbum Vocal en Japón, fue el disco número uno en las listas de éxitos de Japón durante más de tres meses y fue premiado como Mejor Álbum Brasileño en la Encuesta de Críticos de Jazziz. Ambos álbumes son parte del catálogo de Elias de catorce grabaciones de Blue Note Records.

elianeelias.com

SFJAZZ Collective ::: New Works & Classics Reimagined

SFJAZZ Collective ::: New Works & Classics Reimagined

New Works & Classics Reimagined (Live from SFJAZZ Center 2022)
SFJAZZ Collective

SFJAZZ Records | Marzo 17, 2023

SFJAZZ Collective - New Works & Classics Reimagined

 

1 Perseverance 9:03
2 Crossings 10:41
3 The Plains 8:14
4 Smokey 9:44
5 Lands End 8:13
6 Hacienda y Capataz 10:55
7 God Bless The Child / That’s The Way Of The World 10:39
8 Prelude / Someday We’ll All Be Free 12:25

 

Chris Potter, tenor & soprano saxophone (music director)
David Sánchez, tenor saxophone
Mike Rodriguez, trumpet
Warren Wolf, vibraphone
Edward Simon, piano
Matt Brewer, bass
Kendrick Scott, drums

Grabado durante la residencia de cuatro noches del SFJAZZ Collective en octubre de 2022 en el escenario Miner Auditorium del SFJAZZ Center

SFJAZZ Collective
Fundado en 2004, el SFJAZZ Collective es un conjunto único compuesto por algunos de los improvisadores, compositores y directores de orquesta más creativos y aclamados del jazz. Su objetivo es celebrar y renovar la tradición del jazz, y cada miembro compone anualmente una nueva obra para la banda, además de arreglar estándares de maestros modernos, encarnando el compromiso de SFJAZZ con el jazz como una forma de arte viva y siempre actual.

Desde su creación, el conjunto ha contado con un elenco de estrellas que incluye a músicos tan célebres como Redman, la leyenda del vibráfono Bobby Hutcherson, los saxofonistas Joe Lovano y Mark Turner, los trompetistas Nicholas Payton, Dave Douglas y Avishai Cohen, la pianista Renee Rosnes y los baterías Brian Blade, Obed Calvaire y Eric Harland. Además de sus propias composiciones expansivas, los músicos han arreglado, interpretado y grabado la música de Ornette Coleman (2004), John Coltrane (2005), Thelonious Monk (2007), Stevie Wonder (2011), Chick Corea (2013), Joe Henderson (2014), Miles Davis (2016), Antônio Carlos Jobim (2018), Sly & the Family Stone (2019) y otros artistas singulares.

El Colectivo participa en una residencia cada otoño en el SFJAZZ Center, que proporciona tiempo para ensayos intensivos para talleres de las nuevas composiciones de la temporada junto con actividades educativas y de compromiso con la comunidad. La residencia concluye con cuatro noches de conciertos en el Miner Auditorium del SFJAZZ que se graban para el lanzamiento del álbum. El conjunto realiza giras anuales por Estados Unidos y Europa.

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CHRIS POTTER
MUSIC DIRECTOR, SOPRANO & TENOR SAXOPHONE | Member 2021–Present

Nacido en Chicago, Chris Potter es uno de los artistas más destacados, influyentes y visionarios del jazz, al frente de múltiples conjuntos y colaborando con una asombrosa lista de grandes artistas como Paul Motian, Pat Metheny, Dave Holland, Zakir Hussain, Herbie Hancock, Jim Hall, Steely Dan y la Mingus Big Band. Veterano de más de 150 grabaciones, ha encabezado numerosas encuestas de la crítica DownBeat, ha recibido una nominación al GRAMMY y ha dirigido o codirigido más de 20 álbumes, incluido su último lanzamiento para Edition Records, There Is A Tide. Potter también asume el papel de Director Musical y es la primera vez que el SFJAZZ Collective cuenta con un miembro en un puesto de director musical en más de una década.

DAVID SÁNCHEZ
TENOR SAXOPHONE | Member 2012—Present

Desde sus comienzos con la United Nations Orchestra de Dizzy Gillespie, el virtuoso saxofonista tenor puertorriqueño David Sánchez se ha convertido en uno de los instrumentistas más célebres del jazz, grabando nueve álbumes como líder y ganando un Grammy Latino por su sesión orquestal de 2004, Coral. El cinco veces nominado al Grammy ha tocado con grandes músicos como Charlie Haden, Eddie Palmieri, Roy Haynes, Tom Harrell y muchos otros. Sánchez tiene un impresionante currículum como docente, impartiendo clases magistrales, talleres y residencias en las mejores universidades y conservatorios del mundo. Su último álbum es Ninety Miles: Live at Cubadisco, un proyecto grabado en Cuba y codirigido por el trompetista Christian Scott y el vibrafonista Stefon Harris.

MIKE RODRIGUEZ
TRUMPET | Member 2022—Present

Trompetista y compositor ganador de un GRAMMY y originario de Queens, Nueva York, Rodríguez se inspiró en su padre, el batería Roberto Rodríguez, para dedicarse a la música, y pasó por los programas de música de la Universidad de Miami y la Escuela de Jazz y Música Contemporánea de la New School de Manhattan. Ha grabado y actuado junto a una impresionante lista de grandes como Joe Lovano, Quincy Jones, Wynton Marsalis y Chico O’Farrill, y ha mantenido largas colaboraciones con la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden, Gonzalo Rubalcaba y Chick Corea, con quien ganó un GRAMMY como parte de su Spanish Heart Band. Rodríguez ha grabado cuatro álbumes con su hermano pianista Robert y un par de lanzamientos como líder, incluido el último, 2021’s Pathways. Actualmente es profesor en la Universidad de Nueva York y en el Conservatorio de Música de San Francisco.

WARREN WOLF
VIBRAPHONE | Member 2013—Present

Warren Wolf es un multi-instrumentista de Baltimore, MD. Wolf empezó a tocar el vibráfono, la marimba, la batería y el piano a los tres años, estudiando en el programa preparatorio del Instituto Peabody y en la Escuela de Artes de Baltimore con John Locke, miembro de la Orquesta Sinfónica de Baltimore. Tras graduarse en 1997, se matriculó en el Berklee College of Music de Boston para estudiar con el maestro vibrafonista Dave Samuels, graduándose en 2001 y volviendo como instructor de 2003 a 2005. Warren se convirtió en un músico activo en la escena nacional después de dejar Berklee, trabajando con Bobby Watson, Tia Fuller, Christian Scott, Donal Fox, Christian McBride, y Karriem Riggins y su propia banda Wolfpack.

Warren ha publicado cinco álbumes en el sello Mack Avenue, incluido su lanzamiento navideño de 2020 Christmas Vibes.

EDWARD SIMON
PIANO | Member 2010—Present

Edward Simon nació en la ciudad costera de Punta Cardón, Venezuela, donde creció en una familia de músicos. Instalado en Nueva York en 1989, tocó con numerosos maestros del jazz, como Herbie Mann, Paquito D’Rivera, Bobby Hutcherson, Bobby Watson, Terence Blanchard y Don Byron. Ha producido quince álbumes aclamados por la crítica como líder para Sunnyside, CAM JAZZ, Criss Cross y varios otros sellos. Su álbum de 2016 Latin American Songbook ganó un premio NAACP Image Award por Outstanding Jazz Album, y su lanzamiento de 2018 Sorrows and Triumphs fue declarado «imperdible» en la columna «Take Five» de Nate Chinen en WBGO.org. Su último álbum es 25 Years, una retrospectiva de su carrera que documenta su cuarto de siglo de música.

MATT BREWER
BASS | Member 2018–Present

Matt Brewer nació en Oklahoma City y creció en Albuquerque, Nuevo México, rodeado de una familia de músicos y artistas. A los 10 años, Matt se enamoró del bajo y comenzó a estudiar música durante toda su vida. Se graduó en el instituto en la Interlochen Arts Academy, y después estudió en la Juilliard School. Ha viajado por todo el mundo tocando en las bandas de Gonzalo Rubalcaba, Greg Osby, Steve Coleman, Dave Binney, Gerald Clayton, Ben Wendel, Aaron Parks, Vijay Iyer, Dhafer Youssef, Antonio Sánchez, Mark Turner, Steve Lehman, Ben Monder y Lage Lund, entre muchos otros). Ha sido conferenciante invitado con frecuencia en el Banff Center y es profesor adjunto en la New School University.

KENDRICK A.D. SCOTT
DRUMS | Member 2021–Present

Nombrado «Rising Star – Drums» por la revista DownBeat y «Drummer Whose Time is Now» por The New York Times, Kendrick A.D. Scott es uno de los mejores baterías y compositores de su generación. Nacido en Houston, Scott ha realizado giras por todo el mundo y ha grabado con artistas como Herbie Hancock, Terence Blanchard, Marcus Miller, Charles Lloyd, Wayne Shorter, The Crusaders, Joshua Redman, Robert Glasper, Kurt Rosenwinkel, Dianne Reeves, Kurt Elling, Gretchen Parlato y Blue Note All-Stars. Las composiciones de Kendrick se han grabado en discos ganadores del GRAMMY, y ganó en 2017 una beca Chamber Music of America New Works financiada por la Doris Duke Charitable Foundation. Ha publicado cinco álbumes como líder de banda con su grupo Oracle, The Source (2007), Reverence (2011), Conviction (2013), We Are The Drum (2015) y A Wall Becomes A Bridge en Blue Note records. Scott es profesor en la Manhattan School Of Music.

 

sfjazz.org

Karl-Henrik Ousback ::: Confluence

Karl-Henrik Ousback ::: Confluence

Confluence

Karl-Henrik Ousback

Fresh Sound New Talent | Marzo 17, 2023

Karl-Henrik Ousback - Confluence

 

1. Intro (Incarnation) 2:36
2. With Eyes Unclouded 4:58
3. Microsorrows 6:48
4. A World of Front Porches 5:16
5. Translucency 5:07
6. The Purpose 5:56
7. III 4:51
8. Layers (Detachment) 5:04
9. ransmogrification 3:21

 

Karl Henrik Ousback – drums
Dayna Stephens – alto & tenor sax
Lex Korten – piano
Simon Moullier – vibes
Mats Sandahl – bass

all compositions by Karl Henrik Ousback
recorded at the Bunker Studio, New York City, April 2, 2022

Engineered by Aaron Nevezie
Mixed by Jeremy Loucas
Mastered by Pieter de Wagter at Equus
Inside liner notes: Karl Henrik Ousback

Produced by Karl Henrik Ousback
Executive Producer: Jordi Pujol

This sound recording © 2023 by Fresh Sound Records
Blue Moon Producciones Discograficas, S.L.

 

Este álbum es a la vez una conclusión y un principio. Lo grabé durante mi primer año en Nueva York y la música lo refleja. Llevo mucho tiempo preparándolo y estoy muy contenta de poder publicar por fin el producto final. Espero que la música traduzca el resto de mis pensamientos.

 

Los músicos que tocan en este álbum son una selección muy especial de mis compañeros, gente a la que admiro y al mismo tiempo algunos de mis mejores amigos. Todos ellos me inspiran a ser mejor y a esforzarme más en todos los sentidos, en la música y en la vida en general. Muchas gracias a Simon, Lex, Dayna y Mats por dar tanto a mi música y formar parte de este álbum. Y muchas gracias a todos los que han hecho posible este álbum: Jordi Pujol, Jeremy Loucas, Canopus Drums, Chi Westfelt, Aaron Nevezie en The Bunker Studio.

 

Karl Henrik Ousback

Karl-Henrik Ousback
Karl-Henrik Ousbäck busca constantemente nuevas formas de expresarse a través del sonido de la batería. Con un enfoque explosivo del instrumento combinado con un fuerte sentido de la conciencia armónica, ofrece al público una declaración musical honesta. Comenzó su andadura musical con una caja a los tres años y poco después empezó a tomar sus primeras clases. Se ha convertido en una de las principales fuerzas de la batería de jazz en Europa y ahora está empezando a establecerse como parte de la escena del jazz de Nueva York.

En 2005, a la edad de 12 años, Ousbäck fue invitado a ser artista destacado en el prestigioso Bass and Drum Festival de Estocolmo. Entre los demás artistas se encontraban Virgil Donnati, Ian Pace y Morgan Ågren. Ese mismo año también hizo su primera aparición en el Fasching Jazz Club de Estocolmo y obtuvo una gran atención en la prensa musical sueca. En 2008 fue aceptado para participar como el estudiante más joven de la historia en el Sligo Jazz Project para estudiar con Paul Wertico (Pat Metheny Group) y al año siguiente fue invitado de nuevo como invitado especial.

Tras mudarse a Estocolmo, Ousbäck se convirtió rápidamente en el baterista de «primera llamada» elegido por muchos artistas suecos e internacionales. Empezó a hacer giras por todo el mundo y tocó con varios artistas, algunos de los cuales incluyen a Petter Wettre (ganador del premio Grammy noruego), Jonas Kullhammar (ganador del premio Grammy sueco), Svante Thuresson, Håkan Broström y el guitarrista afincado en Nueva York Lage Lund.

En 2014 Ousbäck recibió el prestigioso «Swedish Drummer Deserving Wider Recognition-Award» de Ronnie Gardiner, y en 2016 el «Jazz Club Fasching Society Award», ambos grandes honores que recibir. En 2016 fue invitado a participar en el álbum «Inquietude» del aclamado pianista portugués Filipe Raposo. El concierto de presentación del álbum se celebró en la gran sala de conciertos del Teatro Sao Luíz de Lisboa, Portugal.

En 2017, Ousbäck se trasladó a Copenhague, Dinamarca, para explorar más a fondo las grandes escenas de jazz de Europa. Rápidamente se convirtió en miembro de la élite del jazz danés y comenzó a viajar aún más intensamente entre los países europeos.

En ese momento de su vida, Ousbäck decidió que ser músico de acompañamiento de estos grandes músicos no era suficiente. Llevó al estudio a algunos de los mejores músicos suecos, algunos de sus ídolos de la infancia, y grabó un álbum que más tarde sería muy aclamado por la crítica en toda Escandinavia. Las dos principales revistas musicales suecas, Orkester Journalen y Lira, lo describieron como un gran álbum. El álbum se grabó en el famoso estudio donde han grabado artistas suecos como ABBA. Toda la música fue escrita por Ousbäck, que también produjo el álbum. El concierto de presentación se celebró en el Jazz Club Fasching de Estocolmo, con todas las entradas agotadas.

Al año siguiente realizó una gira por Escandinavia con su banda, además de otros proyectos. También se embarcó en una gira por China con la galardonada guitarrista estrella Susanna Risberg.

Ousbäck no sólo es un aclamado baterista y compositor, sino también un multiinstrumentista, doblando en el saxofón alto. Ese mismo año grabó un disco para el guitarrista Kasper Agnas, ganador del Concurso de Guitarra de Montreux, en el que tocaba la batería y el saxofón. El disco recibió grandes elogios en la prensa musical sueca.

En 2019 formó una segunda banda junto al guitarrista Lage Lund. Su cuarteto estaba formado por los dos más el saxofonista noruego Petter Wettre y Niklas Fernqvist.

«Karl-Henrik Ousbäck Quartet featuring Lage Lund» realizó una gira por Escandinavia en febrero de 2019 y recibió una gran acogida en todas partes. La percusión de Ousbäck fue descrita por Kulturyttranden como un «estilo de percusión de amplio espectro que ha sido tallado desde la era del carbón. La variación no resulta forzada en absoluto, sino que parece surgirle de forma natural. Realmente mantuvo la olla hirviendo durante todo el concierto, pero sin ser demasiado intrusivo, como a veces pueden ser los bateristas expertos».

En la primavera de 2019 grabó un álbum con el trío de la estrella emergente Susanna Risberg en Italia, en el estimado sello discográfico CAM Jazz. La grabación también incluyó composiciones originales de Ousbäck.

En otoño de 2019 fue invitado a realizar una extensa gira por Suecia con el legendario cantante sueco Svante Thuresson. Se unió al conjunto a petición del Sr. Thuresson, que lo había escuchado como un jugador más joven años antes.

A principios de 2020, Ousbäck se unió a su viejo amigo y estrella del vibráfono afincado en Nueva York Simon Moullier y al aclamado bajista Luca Allemano para una exitosa gira en trío por Francia y España.

En 2020 Ousbäck comenzó a enseñar a algunos de los estudiantes del departamento de batería de jazz del Royal College of Music de Estocolmo a petición de los alumnos.

En 2021 Ousbäck realizó una gira con Simon Moullier por Francia, España, Italia y los Países Bajos. También grabó un álbum en Italia con el pianista Giuseppe Magagnino y el renombrado bajista Luca Alemanno.

Ousbäck ha compartido escenario con (sin orden específico): Lage Lund, Petter Wettre, Viktoria Tolstoy, Jonas Kullhammar, Svante Thuseresson, Ulf Wakenius, Ben Patterson, Ambrose Akinmusire, Christian Winther, Knut Riisnæs, Melissa Aldana, Simon Moullier, Baptiste Herbine, Håkan Broström, entre otros.

Afincado en Nueva York, viaja regularmente por todo el mundo actuando, desde Tromsø (Noruega) en el norte hasta Sudáfrica en el sur y China en el este.

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AWARDS & HONORS

· STIM Stipend 2020
· Jazz Club Fasching Society Award 2016
· Anders Sandrew Foundation Award 2015
· Royal Academy of Music Scholarship 2015
· Royal Collage of Music Scholarship 2014
· Ronnie Gardiners ”Swedish Drummer Deserving Wider Recognition”- award 2014
· Motala Municipe cultural award 2013
· First prize Jazz competition at Fasching 2012
· Best Solo Louie’s Jazz Competition 2011
· Motala municipe music Scholarship 2009
· Royal Academy of Music Scholarship for young musicians 2008

 

karlhenrikousback.com
freshsoundrecords.com