Larry Grenadier ::: Febrero 6, 1966

Larry Grenadier ::: Febrero 6, 1966

Larry Grenadier
Larry Grenadier ::: Febrero 6, 1966

Larry Grenadier, uno de los bajistas más admirados y consumados del jazz actual, ha sido elogiado como músico «profundamente intuitivo» por The New York Times y como instrumentista con un «fluido sentido de la melodía» por la revista Bass Player. Grenadier ha creado una extensa obra en colaboración con muchos de los músicos más inventivos e influyentes del género: desde sus primeros días tocando con los iconos del saxo Joe Henderson y Stan Getz hasta lo que han sido décadas actuando junto al pianista Brad Mehldau, desde experiencias prolongadas trabajando con músicos de la talla de Paul Motian y Pat Metheny hasta codirigir el trío cooperativo Fly (con Mark Turner y Jeff Ballard) y el cuarteto Hudson (con John Scofield, John Medeski y Jack DeJohnette).

A lo largo de una carrera interpretativa y discográfica que abarca ya tres décadas, no solo ha sido el virtuosismo instrumental de Grenadier y su tono reconocible al instante lo que le han convertido en un colaborador tan solicitado, sino también su sensibilidad artística, imaginación y curiosidad poco comunes. En febrero de 2019, ECM Records publicará el primer álbum de bajo en solitario de Grenadier. Titulado The Gleaners, presenta un par de originales del bajista junto a piezas de George Gershwin, John Coltrane y Paul Motian, así como un par de obras escritas especialmente para Grenadier por el guitarrista, viejo amigo y compañero de ECM Wolfgang Muthspiel. Grenadier también incluye una interpretación instrumental de una canción de su esposa, y frecuente colaboradora, la cantautora Rebecca Martin.

Grenadier grabó The Gleaners en diciembre de 2016 en los Avatar Studios de Nueva York para ECM con Manfred Eicher como productor y James Farber como ingeniero. Grenadier y Eicher mezclaron el álbum en Studios La Buissonne en Francia. En su nota de presentación, Grenadier escribe: «El proceso de creación de este disco comenzó con una mirada hacia el interior, una excavación en los elementos centrales de lo que soy como bajista. Fue una búsqueda de un centro de sonido y timbre, de los hilos de armonía y ritmo que formulan el quid de una identidad musical».

Reflexionando sobre la gestación de este primer álbum en solitario, habla más en profundidad: «Durante años, me había conformado con colaborar con otros artistas, sintiendo que tenía espacio para mi propia voz en la música. Pero Manfred plantó la semilla de hacer un álbum en solitario, y yo lo cultivé como un reto artístico». Manfred es un antiguo bajista, así que entiende el instrumento y su historia, tanto en el jazz como en la música clásica. Pocas personas saben realmente cómo tratar sonoramente el contrabajo en el estudio, pero Manfred se concentra en resaltar sus cualidades especiales. En la realización de The Gleaners, fue importante en la edición y la mezcla, ayudándome realmente a dar forma al álbum».

Los anteriores álbumes de ECM de bajo solo -de Miroslav Vitous, Dave Holland, Barre Phillips- fueron ejemplos especialmente inspiradores para Grenadier, pero eso no es todo. «Otros instrumentistas que tocaban solos fueron una gran influencia, como Sonny Rollins», dice. «Me fijé en ellos para que me ayudaran a responder a la pregunta de cómo desarrollar algo en solitario durante un largo periodo con cohesión y claridad. Joe Henderson también solía tocar esas sustanciosas introducciones solistas antes de temas como ‘Ask Me Now’ de Monk, que resultaban inspiradoras. También había otras cosas en lo que respecta a los solos de cuerda. Siempre me ha gustado la música de Bach para violonchelo solo y más allá, y Manfred Eicher me presentó las grabaciones de Hindemith para violín solo de Kim Kashkashian, de las que me enamoré. Mientras todas esas influencias se arremolinaban en mi cabeza, empecé a pensar conceptualmente en un álbum en solitario, en cómo hacerlo interesante a lo largo de 45 minutos más o menos, y no sólo para otros bajistas. Experimenté con varias afinaciones y scordatura, como las que usaban los violinistas de los siglos XVII y XVIII, para conseguir una gama completa de sonidos, y eso acabó dando al instrumento una vibración totalmente nueva para mí, una sensación de verdadero potencial sónico».

El título de Las espigadoras de Grenadier se inspira en un documental del año 2000, Las espigadoras y yo , de la directora francesa Agnès Varda, que a su vez se vio influida por el cuadro del siglo XIX de Millet Las espigadoras , de mujeres cosechando en un campo. «Para mí, como músico, recoges cosas de la gente con la que tocas y de la música que escuchas, pero hay que trabajar para sacar el máximo provecho de todo, para cosechar las cosas que puedes utilizar tú mismo», dice Grenadier. «Siempre he sentido algo así como un credo artístico: trabajar para llegar a lo bueno. Incluso en medio de un concierto con, digamos, Brad: ser auténtico en cada momento, vivir lo mejor de lo que está sucediendo.»

Ricamente concebido, bellamente tocado y grabado con una rara mezcla de calidez y detalle, The Gleaners incluye siete piezas originales de Grenadier, empezando por la profundamente melódica «Oceanic». A continuación viene el groovy pizzicato homenaje «Pettiford», sobre el que Grenadier dice: «Esa pista es mi homenaje a Oscar Pettiford, uno de los primeros bajistas de jazz que escuché, cuando era adolescente. Mi pieza se basa en los cambios de acordes de su melodía ‘Laverne Walk’. También he tocado ‘Pettiford’ en versión de trío con Fly». Los otros originales del álbum van desde el lirismo arco de «Vineland» y «The Gleaners» hasta el pizzicato pensativo de «Lovelair» y «Woebegone» (con esta última coronada por un arco ingeniosamente sobregrabado). Las interpretaciones de «The Gleaners» son piedras de toque para Grenadier: «Otro de mis héroes musicales es Miles Davis, por su sonido y su forma de concebir la música, así como por las bandas que formaba. Me encanta la versión de Miles y Gil Evans de Porgy and Bess de Gershwin, así que incluir ‘My Man’s Gone Now’ es mi guiño a esa inspiración».

The Gleaners también incluye un medley de «Compassion» de John Coltrane y «The Owl of Cranston» de Paul Motian. Grenadier dice: «‘Compassion’ procede de la suite Meditations de Coltrane, una pieza musical importante para mí. Desemboca en ‘El búho de Cranston’ de Motian, que solía tocar con Paul. Sus melodías son muy melódicas, pero la fluidez del ritmo, a menudo fuera de tempo, es lo que más me gusta del enfoque de Paul sobre la composición y la música en general. Como él diría, para tocar fuera hay que poder tocar dentro. Los grandes músicos con los que he tocado -desde Joe Henderson y Paul Motian hasta Brad Mehldau y Pat Metheny- enseñan todos lo mismo: conocer muy bien tu instrumento, escuchar atentamente y estar abierto al momento y sus posibilidades».

Volviendo a sus principales influencias como bajista, Grenadier repasa los músicos y las cualidades que más han significado para él: Oscar Pettiford («por su claridad, melodicismo, valores del swing al bop, también por cómo le gustaba la música de cámara»); Scott LaFaro («su increíble técnica y su individualidad, era sui generis, como Jaco Pastorius»); Ray Brown («un ritmo tan enorme, tanta claridad de sonido, lo que tocaba con el bajo ofrecía tanta información que había que prestarle atención»); y Charles Mingus («una enorme habilidad técnica con el bajo, junto con su increíble capacidad para componer y dirigir bandas»).

Además de Charlie Haden, Dave Holland y Miroslav Vitous, entre las principales influencias de Grenadier se encuentran Eddie Gómez, George Mraz y Marc Johnson. «Todos esos músicos han desarrollado una voz distintiva en el bajo, con la técnica para transmitir sus ideas con verdadera lucidez», dice. «Obviamente, Charlie era un músico muy diferente a alguien como Miroslav, pero ambos son oradores avanzados en su instrumento. Se trata de esforzarte técnicamente para poder transmitir lo que intentas expresar».

El arte de la música «sigue siendo para mí, sobre todo, una experiencia de aprendizaje», concluye Grenadier. «Siempre estoy trabajando en los aspectos técnicos de mi forma de tocar, pero al mismo tiempo, sé que lo que ocurre en el escenario entre músicos no es sólo eso. El nivel de intuición ‘telepática’ que existe en la música, especialmente en el jazz, me recuerda constantemente de lo que son capaces los seres humanos, tanto en la música como fuera de ella. Siempre quiero mantener un poco de ese misterio en la música, para no intelectualizar demasiado la magia. Por eso creo que hay que equilibrar un enfoque estudiado del funcionamiento de la música con una comprensión primitiva e instintiva de cómo se siente la música. Tener acceso a la técnica es esencial para poder comunicarse y expresarse musicalmente. Pero, en última instancia, la música es emoción. La cualidad más vital para hacer música a un nivel elevado es la empatía, la capacidad de escuchar y sentir».

Bradley Bambarger

 

larrygrenadier.com

Shai Maestro ::: Febrero 5, 1987

Shai Maestro ::: Febrero 5, 1987

Shai Maestro
Shai Maestro ::: Febrero 5, 1987
Shai Maestro es uno de los pianistas más prometedores y con más talento de su generación. Desde su debut con su propio trío en 2011, Shai ha dado forma a una identidad personal fuerte y única y ha retratado una increíble fluidez musical, haciendo de Shai y su banda uno de los grupos más potentes y armoniosos del jazz actual.

2018 marcó un año importante para Shai, firmando con el gran sello de jazz ECM y grabando allí su primer álbum «The Dream Thief», en el que aparece su trío, pero también él como pianista solista. Introspectivo, lírico, virtuoso y diferenciado.

En su reseña de ‘The Dream Thief’, All About Jazz hablaba de «una atmósfera lírica de búsqueda, una elocuencia emocional y un virtuosismo comunitario al servicio de la música». Todo ello se aplica también a ‘Human’, el último lanzamiento de Shai en ECM, donde la extrovertida y muy comunicativa banda del maestro, con su compatriota israelí Ofri Nehemya a la batería y el bajista peruano Jorge Roeder, se convierte en un cuarteto con la inspirada incorporación del trompetista estadounidense Philip Dizack. El pianismo expansivo de Shai está bien acompañado por el enfoque alerta y rápido de Dizack a la hora de improvisar. Y, como siempre, Maestro hace avanzar la música respetando su sentido de la tradición. Human» se grabó en los Studios la Buissonne, en el sur de Francia, en febrero de 2020, y fue producido por Manfred Eicher.

Shai Maestro comenzó a tocar el piano clásico a los cinco años y se graduó con honores en la Escuela Superior de Artes Escénicas Thelma Yellin de Givataim (Israel). Tras ganar el Concurso Nacional de Conjuntos de Jazz «Jazz Signs» en 2002 y 2003 y recibir becas de excelencia 2004-2010 del Fondo Cultural América-Israel para piano de jazz, Maestro asistió al Programa de Interpretación de Verano de cinco semanas del Berklee College of Music en Boston, donde se le concedió una beca completa para asistir a Berklee a tiempo completo, una oferta que Maestro finalmente rechazó.

La intuición de Maestro resultó ser acertada: apenas unas semanas después, recibió una llamada telefónica del bajista Avishai Cohen, conocido por su larga colaboración con Chick Corea y por su exitosa carrera al frente de una banda. El bajista llamó para invitar a Maestro a unirse al Avishai Cohen Trio con el baterista Mark Guiliana. Maestro grabó cuatro álbumes con el Avishai Cohen Trio, incluyendo dos en Blue Note Records: Gently Disturbed (2008), Sensitive Hours (2008), Aurora (2009) y Seven Seas (2011). El trío realizó una gira por todo el mundo y tocó en algunos de los lugares y festivales más renombrados del mundo.

En julio de 2010, Maestro formó su propio trío y, pocos meses después, grabó su bien recibido primer álbum, ‘Shai Maestro Trio’, para el sello francés Laborie Jazz. El trío comenzó un intenso calendario de giras por todo el mundo, dando hasta 80 conciertos al año y compartiendo escenario con grupos liderados por Chick Corea, Tigran Hamasyan, Esperanza Spalding y Diana Krall. En 2012, el trío publicó su segundo álbum para Laborie Jazz, titulado ‘The Road to Ithaca’, haciendo una declaración aún más personal e íntima, volviendo a la esencia de su ser: inédita y cruda.

Siguiendo esa línea, los Shai publicaron los recientes álbumes ‘Untold Stories’ y ‘The Stone Skipper’ en octubre de 2015 y noviembre de 2016. Tanto los oyentes como los medios de comunicación, entre ellos DownBeat Magazine, NPR, BBC, JazzFM, TSF y The Checkout de WBGO, recibieron los álbumes con elogios de la crítica. Con estos álbumes, Maestro entró en una nueva fase de su arte: tomarse su tiempo, temer menos, atreverse más y dejar que la música se desarrolle orgánicamente, más que nunca. Especialmente en directo, la evolución natural convirtió al trío en uno de los grupos más potentes y armoniosos del jazz actual. En los últimos años, el trío ha actuado en los escenarios, salas y festivales más reconocidos del mundo.

Además de su trío, Maestro grabó en el álbum ‘Elegy’ del vocalista Theo Bleckmann (ECM, 2017). Maestro también ha recibido elogios de la crítica apareciendo en el álbum debut de Mark Guiliana’s Jazz Quartet ‘Family First’ (2015). Más recientemente, Shai grabó en el álbum del saxofonista Ben Wendel ‘High Heart’ (Edition Records, 2020).

En los últimos dos años, Shai alcanzó dos hitos importantes en su carrera: firmó con Sony / ATV Music Publishing y fue invitado a actuar con la Orquesta Filarmónica de Tokio dirigida por Keitaro Harada en el Teatro Metropolitano de Tokio. El programa consistió en el primer concierto para piano de Miho Hazama, así como en música original de Shai.shaimaestro.com

Armel Dupas Trio ::: Lookin’ Up

Armel Dupas Trio ::: Lookin’ Up

Armel Dupas
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Lookin’ Up

Armel Dupas Trio

Armel Dupas | Nov 25, 2022

El jóven pianista francés expone su rico mundo interior en este muy entrador álbum de alto impacto emocional, de esos discos que facilitan la escucha, por su poca pretención de complejidad que muchas veces poco tiene que ver con la música como la entiende la mayoría de los escuchas, pero hay que aclarar que esta pretendida facilidad de acceso no desprecia a la música como debe ser. No todo lo raro, complejo o intelectual es «lo serio» y en la música de Dupas encontramos los ingredientes que todo músico busca, belleza, originalidad e impacto…

Además también el pianista ocupa su tiempo en un emprendimiento cuasi terapéutico en el sentido de la formalidad del término, porque convengamos que la música es de por sí terapéutica, el lo explica así:

Durante mi vida como pianista en el escenario, siempre me he esforzado por acercarme a las personas que me escuchan para sentir mejor su vibración e improvisar una música que resuene perfectamente con cada una de ellas. Mientras hacía conciertos a domicilio, me di cuenta de que cada oyente percibe la música de forma diferente.

Así que me imaginé tocando para una sola persona con la emisión y la recepción del sonido en un estado de equilibrio. La idea era atractiva pero incompleta.

Fue entonces cuando surgió la noción de «lo sagrado»: lo sagrado que es precioso, íntimo, poderoso e intangible. ¿Podrían percibirse las notas emitidas por el instrumento de otra manera que no sea a través del oído (y la vista…)? ¿Y si ofreciera a mi invitado tumbarse sobre el piano para sentir las vibraciones del instrumento a través de su cuerpo? Así nació «Le Piano Sacré».

Le Piano Sacré, …el proceso

«Le Piano Sacré» es un encuentro de 2 horas. Lo recibiré en mi chalet de Saffré, en el corazón de la campiña de Nantes, para pasar unos momentos de convivencia y compartir.

Mientras tomamos un té o un café, hablaremos de tu trayectoria vital y de las expectativas que tienes en relación con la sesión de tratamiento vibracional y musical.

Este es un momento importante para mí, porque en él estableceremos una base y una relación de confianza entre nosotros que alimentará la improvisación que seguirá.

Y en una hipotética conversación entre el piano y el pianista…

Le Piano Sacré, …¿qué música toca usted?

Voy a improvisar sobre lo que siento de tu personalidad, de tu historia y de la vibración que surge de nuestro encuentro. Para apoyar mi improvisación, he inventado una baraja de cartas que corresponden a las 24 tonalidades mayores y menores.

Te invito a sacar 3 cartas correspondientes a ayer (tu pasado), hoy (el momento presente) y mañana (tu futuro): son esos 3 tonos sobre los que voy a jugar. Escucho mi voz interior y me dejo guiar por ella.

Le Piano Sacré, …¿por qué se acuesta en su piano?

He afinado mi Kawai en la frecuencia La-432Hz, que ayuda a armonizar los dos hemisferios del cerebro potenciando así la creatividad, la lucidez y la conciencia plena.

Estar tumbado te permite sentir las vibraciones del piano y estar en un estado de relajación absoluta, como si te envolviera el sonido. Te dejas llevar por la música y la emoción y yo me dejo guiar por tus reacciones y tu respiración. Incluso puedes cantar.

Le Piano Sacré, …¿qué hace?

La vibración del instrumento actúa como un masaje integral de todo el cuerpo simultáneamente: todos los puntos de contacto (cabeza, omóplatos, columna vertebral, coxis, nalgas, pantorrillas, talones) están sincronizados. Esto nos permite desconectar gradualmente nuestra mente para sumergirnos en el corazón de nuestras sensaciones y en nuestra esfera emocional profunda.

Tras el momento de la música, que dura unos 40 minutos, nos permitiremos un tiempo para «aterrizar», para compartir lo que hemos sentido. A veces las palabras no son suficientes, así que podemos dibujar, dar un paseo o tomarnos el tiempo de meditación que sea necesario para integrar esta extraordinaria experiencia. Saldrás sintiéndote liberado de una carga emocional y cargado de buenas energías.

Desde que empecé a practicar El Piano Sagrado, me siento más en sintonía conmigo mismo y con los que se animan a recibir la música de esta manera.

 

armeldupas.com

CORTINA FINAL An angel called Vinnie - Armel Dupas
Armel Dupas Trio - Lookin' Up

 

1 Lookin’ Up 3:02
2 Habanera 4:48
3 Babycat Please Come Back Home 5:12
4 Follow the Light 5:03
5 Paranoia Purple 5:13
6 Links 3:52
7 When We Meet Halfway 5:37
8 La Madrague 3:18
9 Where or When 3:50

 

Armel Dupas, piano
Jules Bille?, double bass
Christophe Piot, drums

 

 

Armel Dupas es un pianista atípico. En trío o en solitario, cuenta la historia de su vida en la música y comparte con su público historias que invitan a todos a conectar con su interior. 

 

El abanico de emociones que genera la música del trío es amplio: desde la ternura de una nana hasta la animalidad de un ritmo trepidante. Con sus compañeros Christophe Piot a la batería y Jules Billé al contrabajo, Armel está en perpetuo equilibrio al borde del yin y el yang. Una verdadera experiencia sensorial…

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Diego Rivera ::: Love and Peace

Diego Rivera ::: Love and Peace

Love and Peace

Diego Rivera

Stunt Records | Febrero 3, 2023

Diego Rivera - Love and Peace

 

1 Lovely 3:56
2 Ganas 3:53
3 Gracias A La Vida 4:13
4 Soul Purpose 4:13
5 Anticipation 4:05
6 Alabama 10:11
7 Composure 4:18
8 Simo?n 5:54
9 La Malinche 5:42
10 Battle Fatigue 4:43
11 Peace 6:26

 

 

Diego Rivera, tenor and soprano (2, 5, 9, 11) saxophones
Art Hirahara, piano
Boris Kozlov, bass
Rudy Royston, drums

Diego Rivera, director de orquesta, compositor, educador y saxofonista extraordinario, aspira a cotas más altas y desata el poder trascendente de "Love and Peace" en su cuarto trabajo para Posi-Tone Records. Con un programa de emocionantes composiciones originales y algunas versiones sentidas, la sesión entra rápidamente en acción y brilla con momentos brillantes desde el principio. La sesión también cuenta con una sección rítmica de lujo formada por el pianista Art Hirahara, el bajista Boris Kozlov y el batería Rudy Royston. Con la profunda emotividad de esta propuesta musical, Rivera ha elevado notablemente su intención y expresión a otro nivel, y la conmoción de estas interpretaciones incitará a los entusiastas del jazz de todo el mundo a profundizar en su mensaje de "Amor y Paz" con asombro y deleite.

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Diego Rivera, músico, compositor, arreglista y pedagogo de talla mundial, lleva más de 20 años deleitando al público. Rivera es conocido por su tono musculoso y su mezcla única de jazz directo fusionado con música inspirada en su origen y herencia latinos. Es profesor titular asociado de saxofón de jazz en la Universidad Estatal de Michigan, donde también es director asociado de estudios de jazz.

Rivera nació en Ann Arbor (Michigan) y se crió en East Lansing (Michigan). Nacido en el seno de una familia mexicano-estadounidense, su herencia chicana siempre ha sido importante para él y ha dado forma a sus esfuerzos creativos. Sus padres le pusieron el nombre del famoso muralista Diego Rivera. Un viaje al Instituto de Arte de Detroit a una edad temprana le inspiró para dejar su propia huella con el saxofón en lugar del pincel. Asistió a la Universidad Estatal de Michigan, donde estudió con Andrew Speight, Branford Marsalis, Ron Blake y Rodney Whitaker.

En 1999, comenzó su carrera profesional y de gira con la Jimmy Dorsey Orchestra en su gira Big Band '99. Desde aquel viaje inaugural, ha ofrecido conciertos en las salas y festivales más prestigiosos de Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia. Actualmente dirige su propio grupo, The Diego Rivera Quartet. Rivera también ha realizado giras con el vocalista ganador del GRAMMY Kurt Elling, la vocalista de jazz canadiense ganadora del JUNO Sophie Milman y The Rodney Whitaker Quintet. Es miembro de The Ulysses Owens Jr. Big Band (Nueva York, NY), la Jazz @ Dr. Phillips Center Orchestra (Orlando, FL) y la Gathering Orchestra (Detroit, MI). También ha actuado con los artistas Ellis Marsalis, Christian McBride, Wycliffe Gordon, PRISM Saxophone Quartet, la Gerald Wilson Big Band y la Lincoln Center Afro-Latin Jazz Orchestra.

Rivera tiene varios créditos a su nombre como artista de grabación, compositor y arreglista. Su último proyecto en solitario, Indigenous, salió a la venta en 2021 con Posi-Tone Records. Según el productor ejecutivo y copropietario del sello, Marc Free, Indigenous "...explora las raíces multiculturales 'indígenas' de nuestra familia humana...". Indigenous alcanzó el nº 7 en las listas de JazzWeek Radio. Su primer lanzamiento en Posi-Tone, Connections, llamó rápidamente la atención cuando entró en las listas de JazzWeek Radio como "Debut más destacado". La primera grabación de Rivera, Hercules, se publicó en 2006 en su sello discográfico, Rivera Records. Su segundo lanzamiento, The Contender (D- Clef Records 2013) recibió elogios de la crítica nacional alcanzando el Top 10 en las listas de JazzWeek Radio. También ha participado en varias grabaciones como músico de acompañamiento en los sellos Posi-Tone, Mack Avenue y Detroit Music Factory Record.

Rivera, ávido compositor y arreglista, ha escrito arreglos para diversas grabaciones, proyectos y artistas, sobre todo para el concierto "Motor City Jazz" del Jazz at Lincoln Center. Un homenaje a la música y los músicos de Detroit. Sus arreglos pueden escucharse en grabaciones de: Carl Allen-Rodney Whitaker, Get Ready (2007) y Work To Do (2008); Ulysses Owens Jr, Onward & Upward (2014); The New Century Quintet, The Time Is Now (2014); Michael Dease, Decisions (2015)/Bonafied (2018) y más recientemente en la grabación debut de la Ulysses Owens Jr. Big Band, Soul Conversations (2021).

Rivera es un educador apasionado y ha presentado clases magistrales en escuelas y universidades tanto en Estados Unidos como en el extranjero. Es Profesor Asociado de Saxofón de Jazz y Director Asociado de Estudios de Jazz en la Facultad de Música de la Universidad Estatal de Michigan. En 2019 fue galardonado con el Dortha J. and John D. Withrow Teaching Award, el más alto honor del College of Music por la excelencia en la enseñanza y los logros académicos.

Es director musical del galardonado conjunto, MSU Jazz Octet I, el principal Jazz Combo de la Facultad de Música formado por los estudiantes-músicos más talentosos del Programa de Estudios de Jazz. Varios de los ex alumnos del profesor Rivera disfrutan de carreras como músicos profesionales tocando con artistas como: Wynton Marsalis y el Jazz at Lincoln Center, The Birdland Big Band, The Count Basie Orchestra, The DIVA Jazz Orchestra y el grupo ganador de varios premios GRAMMY, Snarky Puppy.

  
diegoriverajazz.com
posi-tone.com

Mikkel Ploug & Mark Turner ::: Nocturnes

Mikkel Ploug & Mark Turner ::: Nocturnes

Nocturnes

Mikkel Ploug & Mark Turner

Stunt Records | Febrero 3, 2023

Mikkel Ploug & Mark Turner - Nocturnes

 

1 Stockholm Night Lights 5:21
2 Mignon, Und die Sonne geht unter 5:26
3 Sænk kun dit hoved, du blomst 3:46
4 Lacrimosa 6:26
5 Und die Sonne geht auf 8:56
6 Mitternacht mit Mignon 4:32
7 Monet 6:24
8 Sigrids Wiegenlied 2:22
9 Peace Chant 5:10
10 Nocturnal 5:26
11 Song Can Tend the Ailing Spirit 3:27

 

Mikkel Ploug, guitar
Mark Turner, tenor saxophone
Jeppe Skovbakke, double bass
Sean Carpieo, drums

Durante los últimos 12 años, el público se ha peleado por conseguir asientos en las salas cada vez que el célebre saxofonista tenor estadounidense Mark Turner giraba con el cuarteto del guitarrista danés Mikkel Ploug. El vínculo entre los músicos se hace especialmente evidente cuando exploran su lenguaje musical común, que mezcla a la perfección material compuesto e improvisado. En su nuevo álbum, NOCTURNES, Ploug presenta nuevas composiciones originales y nuevas interpretaciones del inspirador material original de los compositores daneses Bent Sorensen y Carl Nielsen.

El guitarrista y compositor danés Mikkel Ploug (n.1978) ha actuado por toda Europa, Brasil y Estados Unidos con sus grupos Mikkel Ploug Group, Mikkel Ploug Trio y Equilibrium. Ha grabado 12 álbumes para sellos de renombre internacional como Sunnyside Records (EE.UU.), Whirlwind (Reino Unido) Fresh Sounds New Talent (ES) Songlines Recordings (CA). Mikkel ha actuado como solista con el Royal Ballet de Copenhague y trabaja con el coreógrafo y bailarín estadounidense Tilman O'Donnell.

Su álbum en solitario Alleviation tiene más de 2 millones de reproducciones en Spotify y su álbum de 2018 "Faroe" fue seleccionado para la categoría Grammy "Mejor Álbum de Jazz Instrumental".

Ha trabajado como sideman en Wowos de Sean Carpio y para el contralto de NYC Pete Robbins Transatlantic y actuó como telonero de Wayne Shorter al principio de su carrera. Mikkel, que empezó a tocar la batería a los cuatro años, tiene un máster en composición por el Real Conservatorio de La Haya (Holanda), ha vivido en Berlín y ahora reside en Copenhague.

*****

Mark Turner es uno de los saxofonistas de jazz más rompedores de nuestro tiempo. Este reflexivo músico, que estudió en el Berklee College of Music, debe el hecho de ser desde hace tiempo uno de los grandes no sólo a su intensidad y profundidad intelectual, sino también a su atención al detalle. Porque con Turner, cada nota da en el clavo. Además de la música, el saxofonista siente debilidad por la literatura de ciencia ficción. El título de su último álbum, "Return from the Stars", por ejemplo, se inspira en la novela homónima del escritor polaco Stanis?aw Lem. Una predilección que también puede trasladarse a su música, pues casi nadie sabe combinar tradición y novedad tan bien como él.

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Jeppe Skovbakke nació en 1977 en el seno de una familia de músicos y en una casa llena de instrumentos. La música y los instrumentos siempre fueron un patio de recreo y no fue hasta el principio de su adolescencia cuando se decidió por el contrabajo como instrumento principal.

Jeppe es casi totalmente autodidacta con el contrabajo, ya que no tiene educación musical formal. Sin embargo, en varias ocasiones ha buscado estudios privados e inspiración con artistas de cerca y de lejos.

A lo largo de los años ha realizado giras y grabaciones con varias generaciones de músicos de jazz daneses y varios solistas internacionales, como Chris Speed, Mark Turner, John Tchicai, Kurt Rosenwinkel, Peter Brötzmann y Rhys Chatham.

También participa en la escena pop/rock nacional, sobre todo como miembro del aclamado grupo I Got You On Tape, ganador del premio P3, y como acompañante de artistas como Oh Land, Per Vers y Teitur, Sebastian, Steffen Brandt y Benny Andersen.

Con un calendario de giras que se extiende regularmente por cuatro continentes y unos cincuenta álbumes publicados que le han valido varios premios y nominaciones, a Jeppe le gusta mantener su calendario ocupado. Este año no es una excepción, con próximos lanzamientos, giras y grabaciones con el trío de drones de acción Homies, la cantante groenlandesa Nive Nielsen, el trío de la leyenda de la no-wave Rhys Chatham y el internacionalmente apreciado combo de jazz Mikkel Ploug Group.

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Sean Carpieo nació en 1979 en Arequipa, Perú, y reside en Churchtown, Dublín, Irlanda. Seán Carpio es un multiinstrumentista cuyo trabajo incorpora canciones, sonido e improvisación. Desde 2005 actúa como solista en Europa y Estados Unidos, y hasta la fecha ha participado en veinte grabaciones.

Sean ha colaborado con artistas y prácticas visuales en diversos contextos artísticos contemporáneos y ha actuado, expuesto y realizado estancias en prestigiosos espacios artísticos como el Mattress Factory Art Museum de Pittsburgh, la Serpentine Gallery de Londres, el MAC de Belfast, el Netwerk Centre for Contemporary Art de Aalst, el Banff Centre de Alberta y el Model Arts Centre de Sligo.

Sean es miembro de los grupos en colaboración Bog Bodies, Drift, Two Sleepers, Beauty, Zero Years Kid, Avdio Hostem y Stella Maris.

 

mikkelploug.com
jazztimes.com