Hellbound Train – An Anthology

Steve Tibbetts

ECM | Julio 1, 2022

Steve Tibbetts - Hellbound Train An Anthology

 

CD 1

1 Full Moon Dogs 09:15
2 Chandoha 05:57
3 Lochana 03:41
4 Black Temple 09:59
5 Burning Temple 03:59
6 Glass Everywhere 03:59
7 Roam And Spy 04:16
8 Hellbound Train 07:18
9 Nyemma 04:53
10 Your Cat 04:32
11 Vision 05:22

CD 2

1 Chandogra 04:28
2 Climbing 03:57
3 Black Mountain Side 02:55
4 Start 04:16
5 100 Moons 03:47
6 Mile 234 02:28
7 Wish 05:24
8 Ishvarana 00:53
9 Bloowork 01:34
10 Life Of Someone 02:31
11 Life Of Emily 02:14
12 The Big Wind 08:20
13 Aerial View 04:16
14 Night Again 06:59
15 My Last Chance 03:56
16 End Again 02:46
17 Threnody 02:15

Steve Tibbetts Guitars, Dobro, Kalimba, Piano, Percussion
Marc Anderson Congas, Percussion, Steeldrum, Gongs, Handpan
Jim Anton Bass
Eric Anderson Bass
Bob Hughes Bass
Mike Olson Synthesizer
Marcus Wise Table
Claudia Schmidt Voice
Rhea Valentine Voice
Michelle Kinney Cello, Drones
Tim Weinhold Vase, Bongos

 

 

Hellbound Train es una retrospectiva del doble álbum de Steve Tibbetts con música seleccionada por el guitarrista estadounidense de 40 años de grabaciones en ECM . Dividida cuidadosamente en capítulos eléctricos y acústicos, la antología yuxtapone piezas originalmente incluidas en los álbumes Northern Song, Safe Journey, Exploded View, Big Map Idea, The Fall Of Us All, A Man About A Horse, Natural Causes y Life Of. Con sus melodías y texturas líquidas y sus patrones y pulsaciones hipnóticas sutilmente influenciadas por la música de muchas culturas, es una introducción ideal a un cuerpo de trabajo único. En diferentes momentos, Tibbetts puede parecer más cercano al minimalismo, al rock alternativo o a la música ambiental, pero su firma artística es inconfundible.

Algunas preguntas para Steve Tibbetts

Hellbound Train es una antología de dos álbumes extraídos de su trabajo en ECM. ¿Cuál ha sido el criterio de inclusión? ¿Cómo seleccionó las piezas? ¿Es lo mejor de Steve Tibbetts?

No es exactamente un «Best of». Es «Lo mejor que Steve pudo hacer». Lo digo en el sentido más positivo. Hice muestras de los primeros y últimos 10 segundos de mis composiciones, las distribuí en las teclas de tres teclados e hice etiquetas con notas post-it y pegatinas. Las canciones que creía que iban a encajar perfectamente no lo hicieron. ¿Qué podría encajar? Toqué el final de cada canción con el principio de cada una de las demás hasta que empezó a revelarse una trama. Algunas de las composiciones no funcionan bien fuera del álbum en el que viven. Mi álbum Yr es algo propio. Lo mismo ocurre con la mayoría de Natural Causes y Life Of. Esas composiciones no prosperan bien fuera de su propio hábitat.

Los artistas pueden juntar imágenes o música y pensar: «Bueno, eso está muy bien. Eso funciona». Pero al día siguiente, cuando enciendes las luces, suele quedar claro que has realizado una taxidermia artística experimental. El artista tiene que ser capaz de escuchar esa pequeña campana, el sonido que un amigo mío llama «el anillo de la verdad». El artista tiene que ser consciente de cuándo la campanita está en silencio.

Hellbound Train se ha unido fácilmente; los bordes se han soldado solos. La secuenciación tiene sentido, tiene el timbre de la verdad, fomenta la narrativa y cumple con una estética inescrutable similar.

En términos de representación, hay mucha más música de Big Map Idea, The Fall of Us All y A Man About A Horse que de los álbumes anteriores o posteriores. La colección se centra en el período medio de Tibbetts. ¿Puede decir algo sobre su desarrollo musical/artístico en esta época? Parece coincidir más o menos con el periodo en el que viajaba para el Instituto Naropa.

Trabajar en nuevas culturas significaba que necesitaba una mente receptiva a otras formas de pensar. El dinero es un tema desafiante y muy cargado en cualquier cultura. Tuve que contratar a gente en Asia y cometí algunos errores torpes; las reglas de Minnesota no se traducían. Ser consciente de la posibilidad de la magia negra no es una preocupación cotidiana cuando se contrata mano de obra en St. Paul, pero Wayne Vitale dijo a nuestro grupo que en Indonesia era algo a tener en cuenta.

Un efecto secundario es que una mente amasada y gomosa puede preparar el terreno para nuevas formas de pensar en la música. No tuve que esforzarme; mi mente ya era maleable por tener que trabajar con visados, transporte, funcionarios del gobierno, comida, vestimenta adecuada y comportarse con cierta dignidad. Se me colaron nuevas formas de absorber la música y el sonido.

Usted es conocido como un guitarrista inventivo, que prueba nuevas afinaciones y técnicas para conseguir acordes, formas y sonidos antes desconocidos. ¿Cómo desarrolla lo que funciona para usted y sus piezas, o son las propias piezas a veces el resultado de nuevas afinaciones y descubrimientos de acordes/modales?

Hace unos 20 años decidí la afinación que utilizo para la guitarra eléctrica y acústica, bajando la cuerda de La a Sol y la de Mi grave a Do. En la guitarra acústica y eléctrica de 12 cuerdas utilizo esa misma afinación, pero bajando todo una nota entera más. Así consigo un bonito bordón en las cuerdas graves. También significa que todo tiende a estar en la misma tonalidad, pero eso no me preocupa tanto. Mucha de la música del mundo se mantiene en la misma tonalidad

¿Las composiciones eléctricas funcionan en acústico y viceversa? ¿Ha experimentado con esto?

La guitarra eléctrica y el amplificador que utilizo desde 1984 tienen una relación electrónica antagónica que depende de la electricidad. Si giro la guitarra hacia el amplificador, éste empieza a sobrecargarse y a emitir un sonido de desgarro espantoso, como el de una chapa que se hace pedazos. Las tormentas electrónicas como esa no viven en las guitarras acústicas.

La guitarra acústica de 12 cuerdas tiene su propio mundo. Ha construido una pequeña sala de conciertos en su interior tras 50 años de tocarla. Cuando la madera se calienta hay una resonancia, una voz extra que nunca he encontrado en otras guitarras.

¿Cuál es el origen de su interés por los drones?

«El mañana nunca se sabe». Cuando salió Revolver, los fieles estudiantes de los Beatles ponían el disco sin cesar. Ninguno de nosotros sabía qué era ese sonido que abría esa canción, pero sabíamos que era lo correcto. Cuando trabajé en Nepal y Bali me acostumbré a vivir en el mundo cotidiano de los drones rituales tibetanos y en el mundo cíclico de los Gong Kebyar balineses, que son drones a su manera. Los drones y los ciclos de gongs fueron algo nuevo en lo que instalarme cuando estaba lejos de mi estudio y de la creación musical.

Estar alejado de tu propia música durante unos meses cada año puede dar a tu mente un lienzo en blanco muy necesario, para bien o para mal. Tu mente abierta se empapará de los zumbidos y los ciclos.
El lienzo en blanco de la mente también puede albergar sonidos que preferirías no estar tarareando todo el día. Viví junto a un monasterio en Boudhanath que empezaba sus rituales matutinos a las 4 de la mañana, con los cuernos largos tocando las tres primeras notas de «Three Blind Mice». En Ubud vivía junto a un gallo que cantaba el tema de Morricone de «El bueno, el malo y el feo» al amanecer.

De sus socios musicales, sabemos mientras tanto algo de Marc Anderson, y mucho menos de los demás colaboradores. ¿Podría decir unas palabras sobre algunos de ellos y lo que han aportado a la música? ¿Y qué tipo de jarrón toca Tim Weinhold?

Michelle Kinney puede inclinar su violonchelo para que se funda con la música. Es capaz de sacar armónicos del violonchelo que hacen que aparezca y desaparezca con las 12 cuerdas. Está ahí y no está ahí. No conozco a nadie más que pueda hacer eso.

Marcus Wise es mi amigo y compadre. Cuando en los años 70 se me ocurrió aprender a tocar la tabla, le busqué y estudié durante unos meses. Años más tarde, Marcus me llamó a mi estudio y me propuso ir a lo que sería uno de los conciertos más importantes de mi vida.

Marcus me dijo que no debía perderme el concierto de los virtuosos de la tabla Alla Rakha y su hijo Zakir Hussain. Me impresionó la pirotecnia de la tabla de padre e hijo, pero lo que realmente pareció reordenar mi mente fue la forma de tocar del gran intérprete de sarangi Sultan Khan. Sultan Khan se sentó en el escenario y miró de forma abstracta alrededor del auditorio mientras extraía de su instrumento sonoridades profundas, casi como una voz. En sus manos, el sarangi parecía casi alucinógeno por su capacidad de evocar paisajes y emociones en el campo de la conciencia. Me sentí como si estuviera viendo un cuadro de la salida del sol sobre el Ganges superpuesto en el escenario del auditorio. Escuché una cinta del concierto una y otra vez. Empezó a deformar mi cerebro musical. Parecía que había una manera de decir más haciendo menos.

Tim Weinhold toca un jarrón que su mujer compró para poner flores. Tim, como es Tim, lo tocó antes de que viera las flores.

Los músicos con los que trabajo son personas en las que confío y que conozco casi exclusivamente a través de Marc. Es el músico de la ciudad que conoce a todo el mundo, y que sabe quién será el adecuado para lo que estoy trabajando.

La antología también marca 40 años de grabaciones para ECM. ¿Qué es lo siguiente en su viaje musical?

Ahora mismo estoy trabajando en un proyecto con Marc y otros. Está surgiendo una música grande, triste, extraña, que colisiona con los planetas. Marc está dándole a la batería muy fuerte, y yo estoy disfrutando del fuego entre la Stratocaster y el Marshall. La 12 cuerdas es feliz y resonante. Todo suena bien, y cuanto mejor suena, más despacio trabajamos.

Cuando ese proyecto esté terminado, trasladaré mi estudio del edificio en el que estoy desde hace 36 años a mi casa. Sin mis hijos, podré trasladar algunos instrumentos a la habitación de la infancia de las niñas y pasar un tiempo con las 12 cuerdas y el piano. Pasaré tiempo mirando por las ventanas. Vivimos al borde de un pequeño bosque. Los visitantes son coyotes, pavos, ciervos, zarigüeyas, mapaches y muchos pájaros.

ecmrecords.com

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