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Llegaron los Dragones

Llegaron los Dragones

Here Be Dragons
Oded Tzur
ECM | Feb 14, 2020

Here Be Dragons es el debut en el ECM del saxofonista nacido en Tel Aviv y afincado en Nueva York, uno de los músicos más sorprendentes y originales que han surgido de la escena del jazz creativo israelí en los últimos años y líder de un grupo excepcional. El sonido grácil y fluido del saxo tenor de Tzur ha sido influenciado por los estudios con el maestro de bansuri Hariprasad Chaurasia, y el concepto de raga está sutilmente incrustado en sus elegantes composiciones, tocadas con brío e imaginación por su destacado grupo de jazz israelí-griego-americano. Grabado en junio de 2019 en el Auditorio Stelio Molo de Lugano y producido por Manfred Eicher, el álbum se publica cuando Tzur emprende una gira internacional.

Oded Tzur ha encontrado un sonido nuevo y personal inspirandose en las elegantes diapositivas de la música clásica india y ha llevado el sentido de fluidez del tono y el sombreado microtonal del raga al contexto del jazz. Raga significa literalmente “color” o “modo, estado de ánimo”, se refieren a los modos melódicos empleados en la música clásica de la India, Pakistán y Bangladés, el raga es un esquema melódico en el que se establece una composición y una improvisación.

Sus piezas exploran con elegancia y despliegan sus implicaciones melódicas y atmosféricas en un contexto de sutil interacción de grupo. Estructuralmente, cada una de las composiciones de Tzur en Here Be Dragons se propone desarrollar un “raga en miniatura” sobre un bajo en movimiento, yuxtaponiendo dos conceptos musicales.

Oded: “El diálogo entre estas dimensiones nos lleva dondequiera que nos lleve”. Los ragas desplegados en las piezas Here Be Dragons, 20 Years y The Dream, son de creación de Oded, mientras que To Hold Your Hand utiliza una escala india llamada Charukesi, y funciona con principios similares. Sin embargo, subraya que “raga es, para mí, un concepto universal. Escucho su conexión con las oraciones de la sinagoga, o con el blues – una maravillosa creación – y con la música de todo el mundo.”

En la obra de Oded se hace referencia a las tradiciones antiguas y modernas, incluyendo las tradiciones de la narración de historias. “Si la música tiene la capacidad de contar historias”, sugirió All About Jazz, “el saxofonista Oded Tzur demuestra ser uno de los principales narradores del mundo del jazz”. El concepto de Tzur también es lo suficientemente amplio como para abarcar algunas elecciones de canciones inesperadas, y el álbum concluye con una tierna interpretación de Can’t Help Falling In Love, hecha famosa por Elvis Presley.

La interacción musical dentro del grupo es profunda, y el cuarteto ya ha recibido los más altos elogios de la prensa. “La interacción trasciende la empatía”, dijo DownBeat, mientras que el CD Journal de Japón habló de “un Coltrane Quartet para el siglo XXI”. El grupo internacional de Oded cuenta con la participación de su colega israelí Nitai Hershkovits en el piano, el bajista griego Petros Klampanis y el baterista estadounidense Johnathan Blake. Hershkovits, que asumió el papel de pianista en el grupo de Tzur de Shai Maestro, llamó la atención por primera vez como miembro de los grupos del bajista Avishai Cohen.

El bajista Petros Klampanis ha sido un pilar de la banda de Oded desde que el saxofonista se trasladó a Nueva York en 2011; los álbumes que llevan su nombre incluyen el trabajo con el pianista Kristjan Randalu. Johnathan Blake, el miembro más reciente del conjunto, es de una distinguida familia musical. Su padre, John Blake, tocó el violín con McCoy Tyner, entre muchos otros. Johnathan ha trabajado en una amplia gama de contextos, tocando regularmente con músicos desde Kenny Barron hasta Pharoah Sanders y recientemente estrenó su propio proyecto de trío con Chris Potter y Linda Oh.

Here Be Dragons fue grabado en el estudio Auditorio Stelio Molo en Lugano, en junio de 2019, y producido por Manfred Eicher.

Fuente: Oded Tzur en ECM

Murió McCoy Tyner, tenía 81 años

Murió McCoy Tyner, tenía 81 años

“Para mi la vida y la música son la misma cosa. Toco lo que vivo. Por lo tanto, así como no puedo predecir qué tipo de experiencias voy a tener, tampoco puedo predecir las direcciones en las que mi música irá. Sólo quiero escribir y tocar mi instrumento como lo siento.”

nytimes.com

Por Ben Ratliff | Mar 6, 2020

McCoy Tyner, piedra angular del innovador cuarteto de John Coltrane de los años 60 y uno de los pianistas más influyentes en la historia del jazz, murió el viernes en su casa del norte de Nueva Jersey. Tenía 81 años.

Su sobrino Colby Tyner confirmó la muerte. No se dieron más detalles.

Junto con Bill Evans, Herbie Hancock, Chick Corea y sólo unos pocos más, el Sr. Tyner era una de las principales vías de expresión del piano de jazz moderno. Casi todos los pianistas de jazz desde los años del Sr. Tyner con Coltrane han tenido que aprender sus lecciones, ya sea que finalmente las hayan descartado o no.

La manera del Sr. Tyner era modesta, pero su sonido era rico, percusivo y serio, sus improvisaciones líricas centradas en poderosos acordes de la mano izquierda marcaban el primer tiempo del compás y el centro tonal de la música.

Ese sonido ayudó a crear la atmósfera de la música de Coltrane y, hasta cierto punto, de todo el jazz de los años 60. (Cuando piensas en Coltrane tocando “My Favorite Things” o “A Love Supreme”, puedes pensar en el sonido del Sr. Tyner casi tanto como en el del saxofón de Coltrane).

En gran medida era una fuerza de base para Coltrane. En una entrevista de 1961, un año y medio después de contratar al Sr. Tyner, Coltrane dijo: “Mi pianista actual, McCoy Tyner, mantiene las armonías, y eso me permite olvidarlas. Es como el que me da alas y me deja despegar del suelo de vez en cuando”.

El Sr. Tyner no tuvo un éxito inmediato después de dejar Coltrane en 1965. Pero en el plazo de una década su fama había alcanzado su influencia y siguió siendo uno de los principales directores de orquesta de jazz, así como uno de los pianistas más venerados durante el resto de su vida.

Alfred McCoy Tyner nació en Filadelfia el 11 de diciembre de 1938, hijo de Jarvis y Beatrice (Stephenson) Tyner, ambos nativos de Carolina del Norte. Su padre cantaba en un cuarteto de la iglesia y trabajaba para una compañía que hacía cremas medicinales; su madre era esteticista. El Sr. Tyner comenzó a tomar clases de piano a los 13 años, y un año más tarde su madre le compró su primer piano, instalándolo en su salón de belleza.

Creció durante un período espectacular para el jazz en Filadelfia. Entre los músicos locales que llegarían a la prominencia nacional estaban el organista Jimmy Smith, el trompetista Lee Morgan y los pianistas Red Garland, Kenny Barron, Ray Bryant y Richie Powell, que vivían en un apartamento a la vuelta de la casa de la familia Tyner y cuyo hermano era el pianista Bud Powell, el ídolo de Tyner. (recordó que una vez, de adolescente, mientras practicaba en el salón de belleza, miró por la ventana y vio a Powell escuchando; finalmente invitó al maestro a entrar a tocar).

Mientras aún estaba en la escuela secundaria, comenzó a tomar clases de teoría musical en la Escuela de Música de Granoff. A los 16 años tocaba profesionalmente, con una banda de rhythm-and-blues, en fiestas en casas de Filadelfia y Atlantic City.

Tyner estaba en una banda liderada por el trompetista Cal Massey en 1957 cuando conoció a Coltrane en un club de Filadelfia llamado el Red Rooster. En ese momento, Coltrane, que creció en Filadelfia pero se había ido en 1955 para unirse al quinteto de Miles Davis, estaba de vuelta en la ciudad, entre los periodos de la banda de Davis.

Los dos músicos se hicieron amigos. Coltrane vivía en casa de su madre, y Tyner le visitaba para sentarse en el porche y hablar. Más tarde diría que Coltrane era como un hermano mayor para él.

Al igual que Coltrane, Tyner era un buscador religioso: Criado como cristiano, se convirtió en musulmán a los 18 años. “Mi fe”, le dijo al periodista Nat Hentoff, “enseña la paz, el amor a Dios y la unidad de la humanidad”. Añadió: “Este mensaje de unidad ha sido lo más importante en mi vida, y naturalmente, ha afectado a mi música”.

En 1958, Coltrane grabó una de las composiciones de Tyner, “El Creyente”. Hubo un acuerdo entre ellos de que cuando Coltrane estuviera listo para dirigir su propio grupo, contrataría a Tyner como su pianista.

Durante un tiempo trabajó con el Jazztet, un sexteto de hard-bop dirigido por el saxofonista Benny Golson y el trompetista Art Farmer. Hizo su debut discográfico con el grupo en el álbum “Meet the Jazztet” en 1960.

Coltrane finalmente formó su propio cuarteto, que abrió un largo compromiso en la Galería de Jazz de Manhattan en mayo de 1960, pero con Steve Kuhn como pianista. Un mes más tarde, a mitad del compromiso, Coltrane cumplió su promesa, sustituyendo a Kuhn por Tyner.

Ese octubre hizo sus primeras grabaciones con Coltrane, participando en sesiones para Atlantic Records que produjeron gran parte del material para los álbumes “My Favorite Things”, “Coltrane Jazz”, “Coltrane’s Sound” y “Coltrane Plays the Blues”.

Tyner tenía 21 años cuando se unió al cuarteto Coltrane. Permanecería – junto con el baterista Elvin Jones y, a partir de 1962, el bajista Jimmy Garrison – durante los siguientes cinco años. A través de su trabajo con el grupo, que llegó a ser conocido como el cuarteto “clásico” de Coltrane, se convirtió en uno de los pianistas más imitados del jazz.

La percusión de su interpretación puede haber tenido que ver con el hecho de que Tyner tomara lecciones de conga en su adolescencia con el percusionista Garvin Masseaux, y aprendió informalmente del artista visual, cantante e instrumentista ghanés Saka Acquaye, que en ese momento estudiaba en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania.

Armónicamente, su sonido estaba fuertemente definido por su uso de modos – las antiguas escalas que regían una buena parte de la música que Tyner tocaba durante su tiempo con Coltrane – y por sus voces de acordes. A menudo usaba intervalos de cuartas, creando acordes de sonido abierto que creaban más espacio para los improvisadores.

“Lo que no tocas es a veces tan importante como lo que sí tocas”, le dijo a su colega pianista Marian McPartland en una entrevista de NPR. “Dejaría espacio, lo que no identificaría el acorde tan definitivamente hasta el punto de inhibir tus otras voces.”

El cuarteto Coltrane trabajó constantemente hasta 1965, alcanzando una marca de alto nivel para el jazz tras otra en álbumes como “A Love Supreme”, “Crescent”, “Coltrane Live at Birdland”, “Ballads” e “Impressions”, todos grabados para el sello Impulse.

Entre las giras Tyner se mantuvo ocupado en los estudios de grabación. Hizo sus propios discos, para Impulse, incluyendo el aclamado “Reaching Fourth”. También grabó como sideman, particularmente después de 1963; entre los álbumes que grabó con otras bandas líderes había clásicos menores de la época como “Page One” de Joe Henderson, “Juju” de Wayne Shorter, “Matador” de Grant Green y “Stick-Up! de Bobby Hutcherson, todos para Blue Note.

Cuando Coltrane empezó a ampliar su visión musical para incluir cuernos y percusionistas adicionales, Tyner dejó el grupo, a finales de 1965, quejándose de que la música había crecido tanto y era tan difícil de manejar que ya no podía oír el piano. Fue miembro de la banda de gira del baterista Art Blakey en 1966 y 1967; por lo demás, era un trabajador independiente, que vivía con su esposa y sus tres hijos en Queens.

Justo antes de la muerte de Coltrane en 1967, Tyner firmó el Blue Note. Rápidamente entregó “The Real McCoy”, uno de sus álbumes más fuertes, que incluía sus composiciones “Passion Dance”, “Search for Peace” y “Blues on the Corner”, que más tarde volvió a grabar y mantuvo en su repertorio en vivo.

Permaneció con Blue Note durante cinco años, comenzando con un sonido de cuarteto bastante familiar y progresando a conjuntos más grandes, pero estos eran bandas temporales reunidas para sesiones de grabación, no grupos de trabajo. Era una época de vacas flacas para el jazz y para Tyner. No tocaba mucho y, según dijo más tarde, había considerado solicitar una licencia para conducir un taxi.

Se trasladó al sello discográfico Milestone en 1972, una asociación que continuó hasta 1981 y que le proporcionó un perfil más alto y mucho más éxito. En esos años trabajó constantemente con su propia banda, incluyendo en varias ocasiones a los saxofonistas Azar Lawrence y Sonny Fortune y a los bateristas Alphonse Mouzon y Eric Gravatt.

Sus álbumes Milestone con su grupo de trabajo incluyeron “Enlightenment” (1973), grabado en el Festival de Jazz de Montreux, que introdujo una de sus composiciones características, la majestuosa “Walk Spirit, Talk Spirit”. También grabó para el sello con cuerdas, voces, una gran banda y músicos invitados como los bateristas Elvin Jones, Tony Williams y Jack DeJohnette.

Tyner no usaba piano eléctrico ni sintetizadores, ni jugaba con los ritmos de fondo del rock y la discoteca, como hacían muchos de los mejores músicos de jazz de la época; al poseer uno de los sonidos de teclado más fuertes y reconocibles del jazz, se dedicó a la instrumentación acústica. Sus experimentos fuera del piano se dirigieron hacia el koto, como se escuchó en el álbum “Sahara” de 1972, y el clavicémbalo y el celeste, en “Trident” (1975).

En 1984, formó dos nuevas bandas de trabajo: un trío, con el bajista Avery Sharpe y el baterista Aaron Scott, y la McCoy Tyner Big Band. Sus grabaciones con la big band incluyeron “The Turning Point” (1991) y “Journey” (1993), que le valieron dos de sus cinco premios Grammy. También realizó una gira y un álbum con la McCoy Tyner Latin All-Stars de nueve piezas.

En 1995 firmó con el reactivado sello Impulse y en 1999 con Telarc. A partir de mediados de los 90, se concentró en las grabaciones de bandas pequeñas y en solitario.

En 2002, Tyner fue nombrado maestro de jazz de la National Endowment for the Arts, uno de los más altos honores para un músico de jazz en los Estados Unidos.

Se resistió a analizar o teorizar sobre su propio trabajo. Él tendía a hablar más en términos de aprendizaje y experiencia de vida.

“Para mí”, le dijo al Sr. Hentoff, “la vida y la música son la misma cosa”. Y sigo descubriendo más sobre la música a medida que aprendo más sobre mí mismo, mi entorno, sobre todo tipo de cosas diferentes en la vida.

“Toco lo que vivo. Por lo tanto, así como no puedo predecir qué tipo de experiencias voy a tener, tampoco puedo predecir las direcciones en las que mi música irá. Sólo quiero escribir y tocar mi instrumento como lo siento.”

Wes Montgomery ::: Marzo 6, 1923

Wes Montgomery ::: Marzo 6, 1923

Nacido en Indianápolis, Indiana (Estados Unidos) (donde también murió de un ataque cardíaco en 1968), Montgomery provenía de una familia musical, en la que sus hermanos, Monk (contrabajo de cuerda y bajo eléctrico) y Buddy (vibráfono y piano), eran intérpretes de jazz. Aunque Wes no era hábil en la lectura de música, podía aprender melodías complejas y riffs de oído. Montgomery comenzó a aprender guitarra en su adolescencia, escuchando y aprendiendo grabaciones de su ídolo, el guitarrista Charlie Christian.

Además del uso de las octavas (tocar la misma nota en dos cuerdas con una octava de separación) por el que es ampliamente conocido, Montgomery también fue un excelente intérprete de “una sola línea” o “una sola nota”, y fue muy influyente en el uso de acordes de bloque en sus solos. Su interpretación en el estándar de jazz “Lover Man” es un ejemplo de su solista de una sola nota, octava y bloque de acordes. (“Lover Man” aparece en el álbum de fantasía THE MONTGOMERY BROTHERS.)

En lugar de usar una púa de guitarra, Montgomery pulsó las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando golpes bajos para las notas simples y una combinación de golpes ascendentes y descendentes para los acordes y las octavas. Esta técnica le permitió obtener un tono suave y expresivo de su guitarra. George Benson, en las notas del disco Ultimate Wes Montgomery, escribió que “Wes tenía un grano en el pulgar, lo que le daba ese punto de sonido. Obtenía un sonido para las partes suaves, y luego ese punto usando el maíz. Es por eso que nadie nunca igualará a Wes. Y su pulgar tenía doble articulación. Podía doblarlo completamente hacia atrás para tocar su muñeca, lo que hacía para sorprender a la gente.”

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Marzo 5

Marzo 5

PORTADA: Grégory Privat

Salute gente, qué calorito, no? al menos por acá así que al tono con el ritmo cansino propio del que imponen las altas temperaturas, hoy la programación igual de tranqui.

Arrancamos con la cantante sueca Viktoria Tolstoy desde Stations (ACT | Enero 31, 2020) agradable álbum de la tataranieta del celebrado escritor ruso, demasiado lejana la referencia como para pensar en su éxito a expensas de famoso tatarabuelo (ta, ta, ta, ta…, anda por ahí el profesor Jirafales?), hoy ella misma es muy celebrada dentro del panorama europeo. Seguimos con las chicas (ya nos vamos a ocupar del siguiente en nuestro Ritual de Inicio) para escuchar a otra bella cantante, con su bella voz que es lo que más nos interesa, que pensaron?!!, hablamos de la noruega Silje Nergaard desde Japanese Blue (Acoustic Version) (Sony Music | Feb 28, 2020) que acaba de publicar el mencionado álbum que junto con otro a publicarse en pocos días, conformarán la celebración de sus treinta años con la música.

Ahora sí cumplimos con el saxofonista Michael Brecker, fallecido el 13 de enero de 2007 y que como Michel Petrucciani y más recientemente Lyle Mays, se sumó al Ritual de Inicio debido a sus decesos en nuestro receso de verano. Lo escuchamos desde Pilgrimage (Heads Up | mayo 22, 2007) su último álbum de estudio publicado meses después de su fallecimiento. Seguimos con una de las sorpresas de las últimas semanas, el guitarrista israelí Eran Har Even con World Citizen (Challenge Records | Feb 7, 2020) quien atrajo la atención del ambiente cosechando elojiosas críticas.

El guitarrista austríaco Wolfgang Muthspiel lanzó un sencillo de promoción de su próximo álbum Angular Blues (ECM | Marzo 20, 2020), su primer disco con standars de jazz y el cuarto para el sello ECM, lo acompañan amigos de años, el bata Brian Blade y el bajista Scott Colley. Sobre fines del año pasado presentamos un sencillo de promo del guitarrista Pat Metheny de From This Place (Nonesuch |Feb 21, 2020) que acaba de publicarse completo. Metheny está pronto a visitarnos luego de casi 25 años de ausencia en nuestro país haciendo dos presentaciones en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires.

El pianista Islandés (radicado en Finlandia) Iiro Rantala rinde homenaje a una de las lejendarias figuras del movimiento en Playing Gershwin (ACT | Enero 31, 2020) acompañado de The Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. Seguimos con el pianista francés Grégory Privat desde Soley (Buddham Jazz Records | Enero 31, 2020) debutando en su flamante sello propio, discazo del pianista nacido en Martinica.
Nos vamos con el grupo noruego Wako desde Wako (Øra Fonogram | Feb 21, 2020) un colectivo formado por celebradas figuras de la escena local.

Nos vemos…

Lyle Mays ::: Street Dreams

Lyle Mays ::: Street Dreams

Street Dreams
Lyle Mays
Geffen Records | Junio 15, 1988

En toda su extensa carrera como miembro fundador del Pat metheny Group brilló en más de una docena de discos, cosechando Grammys a razón de casi uno por disco, sin embargo su legado como líder de banda, de sus propios proyectos fuera del PMG, no se compara con la cosecha del primero de sus proyectos. Su recorrido fuera del PMG comienza con As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (ECM | Abril 27, 1981), discazo firmado junto a Pat; Lyle Mays (Geffen Records | agosto 4, 1986), el primero de sus cuatro discos como líder; Street Dreams (Geffen Records | Junio 15, 1988); Peter Rabbit & 2 More Stories (Windham Hill Records | 1990) un disco que busqué hasta el cansancio y nunca pude hallar; Fictionary (Geffen Records | Abril 23, ?1992); Solo (Improvisations For Expanded Piano) (Warner Bros. | Mayo 2, 2000), el último de sus discos de estudio y por último la joya perdida: The Ludwingsburg Concert (Jazzhaus | Nov 6, 2015) grabado en vivo el 14 de nov de 1993 en la Scala Ludwigsburg, Alemania, cinta que durmió años hasta su publicación.

No hay más..., claro que intervenciones como músico de sesión como Later That Evening del bajista alemán Eberhard Weber (ECM | Marzo, 1982) y por supuesto Watercolors (ECM | Feb 1977) segundo álbum de Pat Metheny que nos retrotrae a los albores de ambos músicos, una muestra maravillosa del talento de ambos, entre otros...

El disco que hoy compartimos, el segundo de su escueta discografía, podríamos considerarlo como una continuidad del primero, se repiten algunos de los músicos, conserva el estilo Fusión (algo que no veremos en sus dos discos posteriores) con un vuelo diferenciado del primero (algunos dirían algo inferior a éste) donde aportan su talento enormes figuras del firmamento; una Big Band conducida por Steve Robdy y una orquesta de cámara también a cargo de Robdy.

A pocos días de su fallecimiento, nuestro sentido homenaje a su talento y legado musical motor de una de las Máquina Atrapa Sueños más sensible que el mundo de la música haya conocido...

CORTINA FINAL
Lyle Mays
Geffen Records | agosto 4, 1986