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Vangelis ::: Heaven And Hell

Vangelis ::: Heaven And Hell

Vangelis
Heaven And Hell
Vangelis
RCA | Dic 1975
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Vangelis - Heaven And Hell
Vangelis - Heaven And Hell
Heaven And Hell (Part 1)

A1a Bacchanale
A1b Symphony To The Powers B
A1c 2nd Movement
A1d 3rd Movement
A2 So Long Ago, So Clear

Lyrics By, Lead Vocals – Jon Anderson

Heaven And Hell (Part 2)

B1a Intestinal Bat
B1b Needles & Bones
B1c 12 O’Clock
B1d Aries
B1e A Way

Choir – The English Chamber Choir
Conductor – Guy Protheroe
Lead Vocals – Vana Veroutis

Arranged By, Producer, Keyboards, Percussion, Performer [Sundry Instruments], Composed By – Vangelis
Recorded at Nemo Studios, London Sept. 1975

Evángelos Odysséas Papathanassiou, Vangelis, compuso ésta obra fenomenal en su flamante ewstudio Nemo, Londres, en septiembre de 1975, luego de rechazar una tentadora oferta que le hiciera Jon Anderson de remplazar al tecladista de YES, Rick Wakeman, quien acababa de dejar la formación. La flamante relación surgida de estos encuentros entre el cantante del grupo Jon Anderson y Vangelis cobro sus frutos en posteriores colaboraciones y principalmentye en ésta primera donde Anderson canta un tema escrito por él sobre el cierre de la Parte I.

Cuenta Vangelis en un audio distribuido por el sello junto con el álbum durante su promoción: Ese fue uno de los momentos muy especiales de este álbum y muy espontáneo también, porque uno de mis mejores amigos está involucrado en esa canción: Jon Anderson. Segundo, porque volvió a ocurrir de forma tan espontánea, sólo en una tarde. Un día nos juntamos, yo empecé a tocar la melodía y él se sintió tan cómodo que inmediatamente empezó a escribir la letra. Y sucedió así, así que cuando terminamos no sabíamos qué había pasado. Me gusta mucho la voz de Jon y me gusta como persona. Así que estoy muy feliz de que haya sucedido en mi álbum…

Cabe destacar que ésta Primera Parte contiene el tema que Carl Sagan eligió como cortinas de apertura y cierre de su serie Cosmos, donde destaca la bella voz de la cantante Vana Veroutis, que se luce a pleno en la Segunda Parte del álbum.

Heaven & Hell, un clásico encuentro y diferendo a la vez entre el bien y el mal en donde el único ganador en la contienda es la música. Toda la orquestación corre por cuenta de Vangelis, fue una muy buena experiencia para mí hacerlo, cuenta el músico, Toco la orquesta sinfónica con mis teclados y utilizo 2 bateristas, 7 percusionistas africanos, más unas 150 personas en el escenario (The English Chamber Choir conducido por Guy Protheroe). El resultado fue muy bueno.

La obra fué presentada en concierto el 11 de febrero de 1976 en el Royal Albert Hall.

Blade Runner (Soundtrack)
CORTINA FINAL
Love Theme
Blade Runner (Soundtrack)
Vangelis
Released / June 6, 1994
Recorded / Dec 1981 – April 1982
Esperanza Spalding ::: Oct 18, 1984

Esperanza Spalding ::: Oct 18, 1984

Esperanza Spalding

Esperanza Spalding ::: Octubre 18, 1984

Si "esperanza" es la palabra española para esperanza, entonces la bajista, vocalista y compositora Esperanza Spalding no podría haber recibido un nombre más apropiado al nacer. Bendecida con una voz multilingüe que es en parte ángel y en parte sirena, y una belleza natural que bordea lo hipnótico, este prodigio convertido en profesional bien podría ser la esperanza para el futuro del jazz y la música instrumental.

"Irresistible, Interpretativo, Perceptivo, tales expresiones están en el centro de la historia de la vida de Spalding, pero la historia es cualquier cosa menos típica. Nació en 1984 y se crió en lo que ella llama "el otro lado de las vías" en un hogar y un vecindario multilingüe en Portland, Oregon. Al crecer en un hogar monoparental en medio de circunstancias económicas adversas, aprendió las primeras lecciones sobre el significado de la perseverancia y el carácter moral del modelo a seguir que tiene en la más alta estima hasta el día de hoy " su madre.

"Ella era de voluntad fuerte, muy independiente", dice Spalding. "Hizo un millón de cosas. Ella era panadera, carpintera, trabajaba en casas de acogida, trabajaba en el servicio de alimentos, trabajaba con César Chávez como organizadora laboral. Era una mujer increíble. Ella era lo suficientemente moderna como para poner muchas cosas negativas que yo veía de niña en algún tipo de contexto " incluso antes de que entendiera completamente lo que decía.

Pero incluso con un modelo sólido como una roca, la escuela no fue fácil para Spalding, aunque no por falta de perspicacia intelectual. Fue bendecida y maldecida con un estilo de aprendizaje altamente intuitivo que a menudo la ponía en conflicto con el sistema educativo tradicional. Encima de eso, ella fue encerrada por una larga enfermedad cuando era niña, y como resultado, fue educada en casa durante una parte significativa de sus años de escuela primaria. Al final, nunca se adaptó del todo al aprendizaje de memoria en el entorno escolar convencional.

"Para mí era difícil encajar en un entorno en el que se esperaba que me sentara en una habitación y me tragara todo lo que me daban de comer", recuerda. "Una vez que me di cuenta de lo que era ser educado en casa y básicamente autodidacta, no podía volver a encajar en el ambiente tradicional".

Sin embargo, el único objetivo que tenía sentido para Spalding desde muy temprana edad era la música. A la edad de cuatro años, después de ver al violonchelista clásico Yo Yo Yo Ma actuar en un episodio de Mister Rogers' Neighborhood, la hoja de ruta fue de repente muy clara. "Fue entonces cuando me di cuenta de que quería hacer algo musical", dice. "Definitivamente fue lo que me hizo pensar en la música como una búsqueda creativa."

Dentro de un año, esencialmente había aprendido a tocar el violín lo suficientemente bien como para conseguir un lugar en la Sociedad de Música de Cámara de Oregón, una orquesta comunitaria que estaba abierta tanto a niños como a músicos adultos. Permaneció con el grupo durante diez años, y a la edad de 15 años, había sido elevada a la posición de concertino.

Pero para entonces, también había descubierto el bajo, y todas las vías no clásicas que el instrumento podía abrir para ella. De repente, tocar música clásica en una orquesta comunitaria ya no era suficiente para este joven adolescente. En poco tiempo ya estaba tocando blues, funk, hip-hop y una variedad de otros estilos en el circuito de clubes locales. "Lo gracioso era que yo era el compositor, pero nunca antes había experimentado el amor. Siendo el letrista y el cantante principal, estaba inventando canciones sobre carros rojos, juguetes y otros intereses infantiles. Nadie sabía de qué estaba cantando, pero les gustaba cómo sonaba y se lo comieron".

A los 16 años, Spalding dejó el instituto para siempre. Armada con su GED y ayudada por una generosa beca, se inscribió en el programa de música de la Universidad Estatal de Portland. "Definitivamente, yo era el bajista más joven del programa", dice. "Tenía 16 años, y había estado tocando el bajo durante un año y medio. La mayoría de los gatos del programa ya habían tenido por lo menos ocho años de entrenamiento, y yo estaba tratando de tocar en estas orquestas y hacer estas suites para violonchelo de Bach. En realidad no estaba volando, pero si nada más, mis profesores decían, `Bueno, ella tiene talento."

Berklee College of Music fue el lugar donde todas las piezas se unieron y las puertas comenzaron a abrirse. Después de un traslado a la costa opuesta y tres años de estudio acelerado, no sólo obtuvo una licenciatura, sino que también se alistó como instructora en 2005 a la edad de 20 años, una cita que la ha convertido en la profesora más joven en la historia de la universidad. En 2005 recibió la prestigiosa beca de la Boston Jazz Society por su destacada labor musical.

Además del estudio y la enseñanza, los años de Berklee también han creado una gran cantidad de oportunidades para establecer contactos. Desde su traslado a la Costa Este, Spalding ha trabajado con varios artistas notables, incluyendo el pianista Michel Camilo, el vibrafonista Dave Samuels, el bajista Stanley Clarke, la guitarrista Pat Metheny, la cantante Patti Austin y los saxofonistas Donald Harrison y Joe Lovano. "Trabajar con Joe fue aterrador", recuerda, "pero es una persona muy generosa. No sé si estaba listo para el trabajo o no, pero él tenía mucha fe en mí. Fue una experiencia de aprendizaje increíble".

Después de sacar el trío "Junjo" con el pianista Aruan Ortiz y el baterista Francisco Mela (también en la facultad de Berklee), el zumbido de Spalding se convirtió en un estruendo. "Esperanza", su debut para Heads Up, tiene al carismático músico demostrando con facilidad sus talentos como instrumentista virtuosa, vocalista multilingüe dotada y potente compositora. Toca y canta en un programa arraigado en el jazz, marcado por melodías pegadizas pero complicadas, ritmos flexibles informados por ritmos latinos, brasileños, africanos y bebop, y múltiples ráfagas de trabajo en el diapasón y canto scat.

Para Esperanza, Spalding está respaldada por sus compañeros de banda habituales, el pianista Leo Genovese y el baterista Otis Brown, a los que se suman el baterista cubano Horacio "El Negro" Hernández y el veterano saxofonista de Nueva Orleans Donald Harrison Jr.

El álbum será la primera oportunidad para una audiencia mundial de presenciar sus fascinantes talentos como instrumentista, vocalista y compositora, pero es sólo el comienzo de lo que espera lograr en una carrera donde las oportunidades creativas son casi ilimitadas.

"Creo que hay algunas fuerzas externas que me han bendecido con talentos creativos, y no quiero faltar el respeto a cualquier plan que el cosmos o el cielo o Dios o quien sea que tenga para mí", explica. "Pero basándome en lo que sé de mí mismo ahora mismo, lo que realmente quiero hacer es llegar a la gente. Quiero hacer buena música, pero también quiero usar ese talento para elevar a la gente, y tal vez mostrarles algún grado de esperanza donde no haya ninguna en sus vidas. Mi nombre significa'esperanza' en español, y es un nombre que quiero mantener."

Esperanza Spalding, la primera artista de jazz que se llevó a casa el premio al Mejor Nuevo Artista en los 53 años de historia de los Premios Grammy.

Octubre 15

Octubre 15

Matthew Shipp Trio
Matthew Shipp Trio
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Amigos, como andan..., así de cortito el saludo y a lo nuestro. En el arranque el dúo noruego Harr & Hartberg desde Scar (NXN Recordings | Sept 25, 2020) un agradable álbum con la suave y dulce voz del cantante y actor Thorbjørn Harr, reconocido por su actuación en la serie Vikings. Seguimos con un discazo del trio británico Mammal Hands, Captured Spirits (Gondwana Records | Sept 11, 2020), una formación de piano, saxo y bata fenomenal.

Otra agrupación noruega, el Espen Eriksen Trio desde End Of Summer (Rune Grammofon | Sept 25, 2020) cálido sonido del trio que ya ha impuesto su estilo en su corta carrera. Intentando remediar una macana que me mande la semana pasada (ya les voy a contar, los que se dieron cuenta se habrán hecho el plato!!) escuchamos el último lanzamiento del contrabajista leyenda Ron Carter, Stockholm Vol 2 (In & Out Records | Agosto 12, 2020) segundo volumen de su actuación en vivo junto a su cuarteto Foursight en Suecia el 17 de nov de 2018.

Otra grabación en vivo, esta vez del pianista Chick Corea, Plays (Concord Jazz | Sept 11, 2020) donde recorre viejos temas mezclados con interpretaciones de repertorio clásico. Seguimos con pianistas y otra vez en trio con el inclasificable Matthew Shipp desde The Unidentifiable (ESP Disk | Sep 18, 2020), toda una definición dado su eclectisimo y su apego a todo.

Los dos últimos: Michel Benita Quartet con Looking At Sounds (ECM | Sept 18, 2020) discazo del bajista argelino; cerramos con una pequeña licencia, el flautista Alexander Zonjic desde Playing It Forward (Hi-Falutin' Music | Octubre 9, 2020), músico reconocido en el ambiente del Smooth Jazz...

Nos vemos...

Mammal Hands - Captured Spirits
Espen Eriksen Trio - End of Summer
Matthew Shipp Trio - The Unidentifiable

Bugge Wesseltoft ::: Everybody Loves Angels

Bugge Wesseltoft ::: Everybody Loves Angels

Bugge Wesseltoft
Everybody Loves Angels
Bugge Wesseltoft
ACT | Sept 29, 2017
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Bugge Wesseltoft - Everybody Loves Angels
1 Es sungen drei Engel ( traditional / arr. Bugge Wesseltoft) 5:09
2 Bridge Over Troubled Water (Paul Simon) 8:32
3 Koral (Johann Sebastian Bach / arr. Bugge Wesseltoft) 6:26
4 Angel (Jimi Hendrix) 5:27
5 Reflecting (Bugge Wesseltoft) 1:55
6 Morning Has Broken ( Cat Stevens) 5:20
7 Salme (Christoph Ernst Friedrich Weyse / Bugge Wesseltoft) 4:50
8 Blowing In The Wind (Bob Dylan) 5:59
9 Angie (Mick Jagger & Keith Richards) 3:38
10 Locked Out Of Heaven (Bruno Mars) 4:13
11 Let It Be (Lennon, McCartney) 4:46

Bugge Wesseltoft / piano

Recorded at LofotKatedralen, Lofoten, Norway,
Recording date: February 24 – 26, 2017
Cover art by Amy Simon, 2014, by permission of the artist

Veinte años atrás It's Snowing On My Piano, un exitoso álbum no solo en record de ventas sino por la masiva adhesión a su hipnótica musica, marcaba el comienzo de una larga relación entre el pianista y Siggi Loch, el productor del sello ACT. Por entonces el ruido proveniente de los rumores acerca de la exitosa propuesta musical de Bugge Wesseltoft con su reciente formación New Conception Of Jazz, basicamente del generado por el álbum debut del mismo nombre en 1997, promovió la curiosidad de Loch y ésta un acercamiento con una inusual propuesta, un álbum con canciones navideñas.

Entre tanto una vertiginosa carrera en el ambito de la fusión con el permanentemente refundado New Conception Of Jazz y tantísimas colaboraciones, hasta ésta nueva parada con Everybody Loves Angels un álbum fenomenal bajo el concepto musical de Snowing, aunque con repertorio bien dispar, clásicos del pop de los años 60/70 con sutiles arreglos, piezas de música clásica y material propio. El repertorio incluye a Bob Dylan, Simon & Garfunkel, The Beatles, Cat Stevens, Jimmi Hendrix, Rolling Stones, Johann Sebastian Bach y Bruno Mars.

El álbum fué grabado en vivo en la LofotKatedralen, en las islas Lofoten, la mayor iglesia de madera de Noruega, que posee un magnífico piano Steinway, que usó Wesseltoft, y donde habitualmente se realizan conciertos.

"A lo largo de los años la naturaleza se ha convertido en una fuente de inspiración cada vez más importante para mí. En este lugar hay momentos en los que experimento la sensación de formar parte de algo mucho más grande. No había ningún lugar que pudiera sentirse más natural para esta grabación que Lofoten. La zona es hermosa pero también dura, como la vida aquí, como lo fue para mi bisabuelo, que nació aquí. Hacer una grabación en la increíble LofotKatedralen reunió todas estas cosas para mí."

New Conception Of Jazz

CORTINA FINAL
Somewhere in Between
New Conception Of Jazz
Bugge Wesseltoft
Jazzland Recordings | 1997

Thelonious Monk ::: Oct 10, 1917

Thelonious Monk ::: Oct 10, 1917

Thelonious Monk
Thelonious Sphere Monk ::: Octubre 10, 1917

Con la llegada de Thelonious Sphere Monk, la música moderna -por no hablar de la cultura moderna- simplemente no ha sido la misma. Reconocido como uno de los pianistas más inventivos de cualquier género musical, Monk logró un sonido sorprendentemente original que incluso sus seguidores más devotos han sido incapaces de imitar con éxito.

Su visión musical se adelantó a su tiempo y estaba profundamente arraigada en la tradición, abarcando toda la historia de la música, desde los maestros del "paso" de James P. Johnson y Willie "el León" Smith hasta la libertad tonal y la cinética de las "vanguardias". Y comparte con Edward "Duke" Ellington la distinción de ser uno de los más grandes compositores estadounidenses del siglo. Al mismo tiempo, su compromiso con la originalidad en todos los aspectos de la vida -en la moda, en el uso creativo del lenguaje y la economía de las palabras, en su humor mordaz, incluso en la forma en que bailaba lejos del piano- ha llevado tanto a los aficionados como a los detractores a llamarlo "excéntrico", "loco" o incluso "taciturno". En consecuencia, Monk se ha convertido quizás en el artista más comentado y menos comprendido de la historia del jazz.

Nacido el 10 de octubre de 1917 en Rocky Mount, Carolina del Norte, Thelonious tenía sólo cuatro años cuando su madre y sus dos hermanos, Marion y Thomas, se mudaron a la ciudad de Nueva York. A diferencia de otros migrantes del sur que se dirigían directamente a Harlem, los monjes se establecieron en la calle 63 Oeste en el barrio "San Juan Hill" de Manhattan, cerca del río Hudson. Su padre, Thelonious, Sr., se unió a la familia tres años después, pero consideraciones de salud lo obligaron a regresar a Carolina del Norte. Durante su estancia, sin embargo, a menudo tocaba la armónica, el arpa judía y el piano, todo lo cual probablemente influyó en los intereses musicales inquebrantables de su hijo. Young Monk resultó ser un prodigio musical además de un buen estudiante y un buen atleta. Estudió la trompeta brevemente pero comenzó a explorar el piano a los nueve años. Tenía unos nueve años cuando el profesor de piano de Marion aceptó a Thelonious como alumno. A principios de su adolescencia, estaba tocando en fiestas de alquiler, sentado en el órgano y el piano en una iglesia bautista local, y tenía fama de haber ganado varios concursos de "hora amateur" en el Teatro Apolo.

Admitido en Peter Stuyvesant, una de las mejores escuelas secundarias de la ciudad, Monk abandonó al final de su segundo año para dedicarse a la música y alrededor de 1935 aceptó un trabajo como pianista para un evangelista viajero y sanador de fe. De regreso después de dos años, formó su propio cuarteto y tocó en bares locales y clubes pequeños hasta la primavera de 1941, cuando el baterista Kenny Clarke lo contrató como pianista de la casa de Minton's Playhouse en Harlem.

La leyenda cuenta que Minton's fue el lugar donde comenzó la "revolución del bebop". Las sesiones de improvisación en Minton's, junto con reuniones musicales similares en Uptown House de Monroe, Chili Shack de Dan Wall, entre otros, atrajeron a una nueva generación de músicos rebosantes de ideas frescas sobre la armonía y el ritmo, especialmente Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Mary Lou Williams, Kenny Clarke, Oscar Pettiford, Max Roach, Taddd Dameron y el amigo íntimo y compañero de pianista de Monk, Bud Powell. Las innovaciones armónicas de Monk demostraron ser fundamentales para el desarrollo del jazz moderno en este período. Ungido por algunos críticos como el "Sumo Sacerdote del Bebop", varias de sus composiciones ("52nd Street Theme", "Round Midnight", "Epistrophy"[escrito junto con Kenny Clarke y titulado originalmente "Fly Right" y luego "Iambic Pentameter"], "I Mean You") eran las favoritas entre sus contemporáneos.

Sin embargo, por mucho que Monk ayudó a iniciar la revolución del bebop, también trazó un nuevo rumbo para la música moderna que pocos estaban dispuestos a seguir. Mientras que la mayoría de los pianistas de la era del bebop tocaban acordes escasos en la mano izquierda y enfatizaban rápidamente, incluso las notas octava y decimosexta en la mano derecha, Monk combinaba una mano derecha activa con una mano izquierda igualmente activa, fusionando zancadas y ritmos angulares que utilizaban el teclado completo. Y en una época en la que los solos rápidos, densos y virtuosos estaban a la orden del día, Monk era famoso por su uso del espacio y el silencio. Además de su fraseo único y su economía de notas, Monk "dispuso" con bastante regularidad, permitiendo a sus ayudantes experimentar libres de las afinaciones fijas del piano. Como compositor, Monk estaba menos interesado en escribir nuevas líneas melódicas sobre progresiones de acordes populares que en crear una arquitectura completamente nueva para su música, en la que la armonía y el ritmo se fusionaran a la perfección con la melodía. "Todo lo que toco es diferente", explicó Monk una vez, "melodía diferente, armonía diferente, estructura diferente. Cada pieza es diferente de la otra. . . . Cuando la canción cuenta una historia, cuando recibe un cierto sonido, entonces se termina…"

A pesar de su contribución al desarrollo temprano del jazz moderno, Monk permaneció bastante marginal durante las décadas de 1940 y 1950. Además de conciertos ocasionales con bandas dirigidas por Kenny Clarke, Lucky Millinder, Kermit Scott y Skippy Williams, en 1944 el saxofonista tenor Coleman Hawkins fue el primero en contratar a Monk para un compromiso prolongado y el primero en grabar con él. La mayoría de los críticos y muchos músicos fueron inicialmente hostiles al sonido de Monk. Blue Note, entonces un pequeño sello discográfico, fue el primero en firmarle un contrato. Así, cuando entró en el estudio para dirigir su primera sesión de grabación en 1947, ya tenía treinta años y era un veterano de la escena jazzística durante casi la mitad de su vida.

Pero él conocía la escena y durante los dos primeros años con Blue Note había contratado a músicos que creía que podían entregar. La mayoría no eran grandes nombres en ese momento, pero demostraron ser músicos sobresalientes, incluyendo a los trompetistas Idrees Sulieman y George Taitt; Sahib Shihab, de veintidós años de edad, y Danny Quebec West, de diecisiete, en saxofones altos; Billy Smith, en tenor; y los bajistas Gene Ramey y John Simmons. En algunas grabaciones Monk contrató al veterano baterista de Count Basie Rossiere "Shadow" Wilson; en otras, el asiento del tambor estaba ocupado por el conocido bopper Art Blakey. Su última sesión de Blue Note como líder en 1952 encuentra a Monk rodeado de una banda de estrellas, incluyendo a Kenny Dorham (trompeta), Lou Donaldson (alto), "Lucky" Thompson (tenor), Nelson Boyd (bajo), y Max Roach (batería). Al final, aunque todos los lados de Monk's Blue Note son aclamados hoy en día como algunas de sus mejores grabaciones, en el momento de su lanzamiento a finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, resultaron ser un fracaso comercial.

La crítica dura y mal informada limitó las oportunidades de trabajo de Monk, oportunidades que necesitaba desesperadamente, especialmente después de su matrimonio con Nellie Smith en 1947 y el nacimiento de su hijo, Thelonious, Jr. en 1949. Monk encontró trabajo donde pudo, pero nunca comprometió su visión musical. Su ya precaria situación financiera empeoró en agosto de 1951, cuando fue arrestado falsamente por posesión de narcóticos, esencialmente por culpa de su amigo Bud Powell. Privado de su tarjeta de cabaret -una "licencia" emitida por la policía sin la cual los músicos de jazz no podrían tocar en los clubes de Nueva York-, a Monk se le negaron conciertos en su ciudad natal durante los siguientes seis años. Sin embargo, tocó en clubes vecinales de Brooklyn, especialmente en el Tony's Club Grandean, conciertos esporádicos, dio conciertos fuera de la ciudad, compuso música nueva y grabó varios discos de tríos y conjuntos bajo el sello Prestige (1952-1954), que incluyeron actuaciones memorables con Sonny Rollins, Miles Davis y Milt Jackson. En el otoño de 1953, celebró el nacimiento de su hija Bárbara, y al verano siguiente cruzó el Atlántico por primera vez para tocar en el Festival de Jazz de París. Durante su estancia, grabó su primer disco en solitario para Vogue. Estas grabaciones comenzarían a establecer a Monk como uno de los pianistas solistas más imaginativos del siglo.

En 1955, Monk firmó con un nuevo sello, Riverside, y grabó varios LP's sobresalientes que atrajeron la atención de la crítica, en particular Thelonious Monk Plays Duke Ellington, The Unique Thelonious Monk, Brilliant Corners, Monk's Music y su segundo álbum en solitario, Thelonious Monk Alone. En 1957, con la ayuda de su amigo y a veces mecenas, la Baronesa Pannonica de Koenigswarter, finalmente había recuperado su tarjeta de cabaret y había disfrutado de una larga y exitosa participación en el Five Spot Café con John Coltrane en el saxo tenor, Wilbur Ware y luego Ahmed Abdul-Malik en el bajo, y Shadow Wilson en la batería. A partir de ese momento, su carrera comenzó a elevarse; sus colaboraciones con Johnny Griffin, Sonny Rollins, Art Blakey, Clark Terry, Gerry Mulligan y el arreglista Hall Overton, entre otros, fueron elogiadas por la crítica y estudiadas por estudiantes de conservatorio. Monk incluso dirigió una exitosa big band en el Ayuntamiento en 1959. Era como si el público de jazz finalmente se hubiera puesto al día con la música de Monk.

Para 1961, Monk había establecido un cuarteto más o menos permanente compuesto por Charlie Rouse en el saxo tenor, John Ore (más tarde Butch Warren y luego Larry Gales) en el bajo, y Frankie Dunlop (más tarde Ben Riley) en la batería. Tocó con su propia big band en el Lincoln Center (1963), y en el Festival de Jazz de Monterey, y el cuarteto hizo una gira por Europa en 1961 y Japón en 1963. En 1962, Monk también había firmado con Columbia Records, uno de los sellos discográficos más grandes del mundo, y en febrero de 1964 se convirtió en el tercer músico de jazz de la historia que apareció en la portada de la revista Time.

Sin embargo, con la fama llegó la creciente fascinación de los medios de comunicación por las supuestas excentricidades de Monk. Las historias de su comportamiento dentro y fuera del escenario a menudo eclipsaban los comentarios serios sobre su música. Los medios de comunicación ayudaron a inventar al mítico Monje -el sabio solitario, ingenuo e idiota cuyas ideas musicales se suponía que eran totalmente intuitivas en lugar de ser el producto de un estudio, conocimiento y práctica intensivos. De hecho, su reputación de recluso (el tiempo lo llamó el "monje más solitario") revela hasta qué punto se había malinterpretado a los monjes. Como explicó su antiguo ayudante, el saxofonista tenor Johnny Griffin, Monk era un poco hogareño: "Si Monk no está trabajando, no está en la escena. Monk se queda en casa. Se va y descansa". A diferencia de los estereotipos populares del músico de jazz, Monk se dedicaba a su familia. Apareció en eventos familiares, jugó en fiestas de cumpleaños y escribió canciones juguetonas y complejas para sus hijos: "Little Rootie Tootie" para su hijo, "Boo Boo's Birthday" y "Green Chimneys" para su hija, y una canción navideña titulada "A Merrier Christmas". El hecho es que la familia Monk se mantuvo unida a pesar de los largos períodos sin trabajo, la grave escasez de dinero, los continuos ataques de los críticos, los agotadores viajes por carretera, los ataques con enfermedades y la pérdida de amigos cercanos.

Durante la década de 1960, Monk obtuvo notables éxitos con álbumes como Criss Cross, Monk's Dream, It's Monk Time, Straight No Chaser y Underground. Pero a medida que los discos de Columbia/CBS buscaban una audiencia más joven y orientada al rock, Monk y otros músicos de jazz dejaron de ser una prioridad para el sello. La última grabación de Monk con Columbia fue una sesión de big band con la Orquesta de Oliver Nelson en noviembre de 1968, que resultó ser un fracaso artístico y comercial. El desinterés de Columbia y el deterioro de la salud de Monk mantuvieron al pianista fuera del estudio. En enero de 1970, Charlie Rouse dejó la banda, y dos años más tarde Columbia retiró silenciosamente a Monk de su lista. Durante los años siguientes, Monk aceptó menos compromisos y grabó aún menos. Su cuarteto incluía a los saxofonistas Pat Patrick y Paul Jeffrey, y su hijo Thelonious, Jr., se hizo cargo de la batería en 1971. Ese mismo año hasta 1972, Monk realizó una amplia gira con los "Giants of Jazz", una especie de grupo de renacimiento del bop formado por Dizzy Gillespie, Kai Winding, Sonny Stitt, Al McKibbon y Art Blakey, y realizó su última aparición pública en julio de 1976. La enfermedad física, la fatiga y tal vez el agotamiento creativo convencieron a Monk para que dejara de jugar por completo. El 5 de febrero de 1982 sufrió un derrame cerebral y nunca recobró el conocimiento; doce días después, el 17 de febrero, murió.

Hoy en día Thelonious Monk es ampliamente aceptado como un verdadero maestro de la música americana. Sus composiciones constituyen el núcleo del repertorio de jazz y son interpretadas por artistas de muchos géneros diferentes. Es tema de documentales premiados, biografías y estudios académicos, homenajes televisivos en horario de máxima audiencia, e incluso tiene un Instituto creado en su nombre. El Thelonious Monk Institute of Jazz fue creado para promover la educación del jazz y para formar y animar a las nuevas generaciones de músicos. Es un merecido homenaje a un artista que siempre estuvo dispuesto a compartir sus conocimientos musicales con otros, pero que a cambio esperaba originalidad.

~ Robin D. G. Kelley Ph.D. // Fuente: allaboutjazz.com