Stan Getz  ::: Febrero 2, 1927

Stan Getz ::: Febrero 2, 1927

Stan Getz
Stan Getz ::: Febrero 2, 1927
Stan Getz y Chet Baker son nombres mágicos del jazz desde los años 50. Considerados dos de los grandes de todos los tiempos incluso años después de su muerte. Tanto Getz como Baker tenían bellos tonos, estilos melódicos, enfoques sutiles y la capacidad de hacer swing a cualquier tempo. Su asociación profesional fue relativamente breve, ya que trabajaron juntos durante tres periodos diferentes.

En 1952, cuando el famoso Gerry Mulligan Quartet se disolvió, Getz tocó algunas veces con Baker y los restos del grupo; las grabaciones de su colaboración sólo se han publicado oficialmente durante los últimos años. En 1958, Getz y Baker se asociaron para un álbum de Verve que tuvo un éxito desigual (el trompetista tenía un día ãoffä). Y 25 años más tarde, en 1983, Baker se unió al Stan Getz Quartet para una gira europea que dio lugar a un LP para Sonet, que se grabó en Estocolmo, Suecia, un día antes de que la música se publicara por primera vez en Quintessence, Volume 1 (CCD-4807-2).

Aunque Getz y Baker parecían ser una pareja lógica (sus estilos son muy complementarios y se compenetran bastante bien), sus personalidades entraban constantemente en conflicto; sencillamente, no se llevaban bien a nivel personal. Mientras que el tenorman era un intérprete muy consistente (las grabaciones de Stan Getz sin inspiración son extremadamente difíciles de encontrar), su estado de ánimo podía ser impredecible y ardiente. Baker, por su parte, podía tener una personalidad bastante estable, pero su estilo de vida agitado y su forma de tocar ocasionalmente errática podían ser problemáticos. Los encuentros entre ambos fueron muy escasos a lo largo de los años. Sin embargo, la música de Quintessence, Volume 1 muestra un lado agradable y sorprendentemente alegre.

Tanto Stan Getz como Chet Baker tuvieron una larga lista de logros musicales durante sus coloridas vidas. Getz nació el 2 de febrero de 1927 en Filadelfia. Su carrera profesional comenzó cuando sólo tenía 16 años, realizando una gira con la Orquesta de Jack Teagarden en 1943. Le siguieron breves periodos con las grandes bandas de Stan Kenton, Jimmy Dorsey y Benny Goodman durante 1944-46. Sin embargo, Getz se hizo famoso durante sus dos años con la Second Herd de Woody Herman (1947-49). Fue uno de los solistas (junto con los tenores Zoot Sims y Herbie Steward y el baritonista Serge Chaloff) en la versión original de «Four Brothers» y su hermoso tono quedó perfectamente expuesto en «Early Autumn».

Poco después de que «Early Autumn» se pusiera de moda, Getz se fue por su cuenta, formando el primero de muchos combos. Descubrió al pianista Horace Silver en Connecticut y utilizó el trío de Silver como su banda habitual durante un año. La interpretación del tenor en «Moonlight In Vermont» para una sesión dirigida por el guitarrista Johnny Smith contribuyó a su fama, al igual que su quinteto de principios de los años 50, protagonizado por el guitarrista Jimmy Raney. Aunque originalmente estaba influenciado por Lester Young, el tono de Getz a mediados de los 50 era tan reconocible al instante que se convirtió en una gran influencia en sí mismo y fue apodado «The Sound».

Después de pasar gran parte de 1958-60 en Europa, Stan Getz regresó a los Estados Unidos y grabó Focus, un álbum aventurero (y su favorito personal) que combinaba su tenor con cuerdas arregladas por Eddie Sauter. En 1962 se asoció con el guitarrista Charlie Byrd para Jazz Samba, un sorprendente disco de éxito que lanzó el movimiento de la bossa-nova y presentó «Desafinado». Después de grabar otros discos de bossa-nova, Getz se unió al compositor y pianista Antonio Carlos Jobim, al guitarrista y vocalista Joao Gilberto y a la cantante Astrud Gilberto para grabar Getz/Gilberto, con «The Girl From Ipanema», la grabación definitiva de bossa-nova.

En ese momento, Stan Getz podría haberse dormido en los laureles, pero siguió avanzando. Tuvo un cuarteto sin piano con el vibrafonista Gary Burton, grabó con Bill Evans y Chick Corea (este último estuvo en su banda durante un tiempo), exploró la fusión en los años 70 con el teclista Andy Laverne y luego, en 1981, volvió al jazz directo, firmando con Concord Records. Hasta su muerte en 1991, a la edad de 64 años, Stan Getz siguió conservando tanto su hermoso tono como su espíritu aventurero.

La vida de Chet Baker tuvo grandes alturas e importantes caídas. Nació el 23 de diciembre de 1929 en Yale, Oklahoma. Después de servir en el ejército, Baker comenzó prácticamente en la cima, actuando con Charlie Parker en Los Ángeles en 1952 y luego uniéndose al influyente cuarteto sin piano del baritonista Gerry Mulligan. La interacción entre las dos trompas hizo que «My Funny Valentine» fuera un éxito y que el grupo se convirtiera durante un tiempo en uno de los más populares del jazz. El sonido fresco de Baker, que a veces se parecía un poco al de Miles Davis pero con su propia personalidad, le convirtió en una estrella. Tras la disolución de la banda, Baker lideró un cuarteto propio que incluía al pianista Russ Freeman, realizó una gira por Europa en 1955 y parecía estar en camino de tener una carrera lucrativa, sobre todo cuando sus inquietantes voces empezaron a ganarle un gran público. Por desgracia, Chet pronto empezó a tener problemas con las drogas (sería un adicto durante el resto de su vida) y en 1960 languidecía en una cárcel italiana.

Durante la década de los sesenta, habría algunas grabaciones excelentes, pero Baker también pasó periodos completamente alejado de la música y se retiró por completo entre 1969 y 1973. Sin embargo, contra todo pronóstico, Chet Baker recuperó sus habilidades como trompetista y regresó por completo a mediados de la década de 1970. Pasó sus últimos 15 años llevando una vida de nómada en Europa, con pocas posesiones y su hogar en la carretera, tocando y grabando dondequiera que estuviera solicitado. La misteriosa muerte de Chet Baker el 13 de mayo de 1988 a la edad de 58 años (al caer desde la ventana de un segundo piso) no ha hecho más que aumentar su mística.

El 19 de febrero de 1983, Stan Getz, su cuarteto (con el pianista Jim McNeely, el bajista George Mraz y el batería Victor Lewis) y Chet Baker colaboraron en una actuación en Baerum, Noruega, que afortunadamente fue retransmitida en directo por la Norwegian Broadcasting Corporation y guardada para la posteridad. La hermosa interpretación de Getz al principio de «I’m Old Fashioned» muestra que «The Sound» estaba definitivamente en su mejor momento y la voz de Baker es una de las mejores de la época. Otros momentos destacados del programa de siete canciones (todas ellas clásicos del jazz moderno) incluyen el canto scat de Chet en «Just Friends», la interacción entre las trompas en una larga versión instrumental de «Star Eyes», la sensible interpretación de Jim McNeely en «My Ideal» y una declaración de swing de Getz en «But Not For Me».

Basta con decir que la unión de Stan Getz y Chet Baker en Quintessence, Volume 1 es tan mágica como cabría esperar; música muy agradable de dos de los maestros.

concord.com

 

 

TAMBIÉN HOY
Alphonso Johnson - 1951
Bojan Zulfikarpasic - 1968
James Blood Ulmer - 1942
Louis Sclavis - 1953
Melody Gardot - 1985
Sonny Stitt - 1924
Arnaud Dolmen ::: Adjusting

Arnaud Dolmen ::: Adjusting

Adjusting
Arnaud Dolmen
Gaya Music Production | Enero 28, 2022
Arnaud Dolmen – Adjusting
1 The Gap 5:44
2 SQN 5:25
3 Cavernet 5:50
4 Ajisteman 3:12
5 Ti Moun Gaya 3:56
6 For Real 4:44
7 Résonance 8:05
8 Hey Cousin 5:52
9 Ka Sa Té Ké Bay 4:21
10 Graj Ou Toumblak 5:21
11 Drôle De Moment 6:14
12 Les Oublié.e.s 1:48

Arnaud Dolmen : composition, drums, bouladjèl
Leonardo Montana : piano (2, 4, 6, 7, 8, 9, 10)
Samuel F’hima : double bass
Francesco Geminiani : saxophone (7, 12)
Ricardo Izquierdo : saxophone (1,3, 4, 5, 11)
Adrien Sanchèz : saxophone (12)

Guests
Naïssam Jalal : flute (7)
Vincent Peirani : accordion (2)
Moonlight Benjamin : vocal (4)

Enregistré au Studio de Meudon, novembre 2020
Enregistrement, Mix, Mastering: Julien Bassères
Photo: Marianne BP et Guillaume Saix, webmyart
Cover: Guillaume Saix, webmyart

El título «The Gap» se construye en torno a un elemento central: la batería, que sirve de enlace con cada uno de los instrumentos. Como tal, desempeña el papel de un instrumento armónico, el del piano, instrumento de acompañamiento por excelencia, asumiendo un carácter distinto al que habitualmente se le reserva en la distribución de la interpretación, es decir, marcar los acentos rítmicos y regular el tempo. Los tambores se colocan en el lugar mismo de una singularidad.

«The Gap» y «SQN» imponen el ritmo del álbum. Las composiciones son directas, los cortes limpios, la música asertiva y compleja se revela aún más con cada escucha. El artista se libera de su herencia o de sus raíces guadalupeñas y se refiere constantemente a ellas con una doble constante polifónica mayor. Expresa ajuste, interactividad y resonancia.

La sorpresa y el ajuste han sido fundamentales. Por un cúmulo de circunstancias, Arnaud Dolmen tuvo que arreglar las composiciones del álbum para dos cuartetos, en los que el piano y uno de los saxofones intercambian sus papeles. En el cuarteto sin piano, el doble juego de saxofones aporta una poderosa vibración a la afirmación de un contrapunto casi permanente. Los títulos «Hey cousin» y «Graj ou Toumblack» se acercan especialmente a la polirritmia propia del compositor.

La forma de tocar, muy libre y abierta, pertenece fundamentalmente al género del jazz y lo reivindica. Se acerca plenamente a lo experimental pero también flota en una línea tradicional lo suficientemente sutil como para fundirse con otros registros muy dispares e igualmente esquivos. Es realmente en el punto de las conexiones y el entrelazamiento donde radica el poder impactante del artista, generando impresiones e imágenes que cambian constantemente pero que se complementan entre sí.

«¿Y si volvemos a nuestro centro, a lo que es cósmicamente real, perceptible sin esfuerzo? Menos tener y más ser. Escuchando y respetando a los demás, el ajuste es posible para avanzar. ¡¿Juntos?!»

Arnaud

Alimentado por una densidad de aportaciones musicales de orígenes diversos y ricos en su cultura gwoka, todas estas músicas puestas en contacto a través de sus composiciones crean nuevos datos totalmente imprevisibles cuyo denominador común sigue siendo el jazz.

Aunque densas, sus composiciones se apoyan en un juego profundamente aéreo que se impone en la madurez. Incluso el sonido del acordeón de Vincent Peirani tiene una doble lectura intemporal, no espacial, que le confiere las posibilidades de un lugar indefinido.

Arnaud Dolmen ha elegido a otros dos invitados muy comprometidos: Moonlight Benjamin transmite un fuerte mensaje con cierta profundidad a través de su voz. Naïssam Jalal, produce una actuación de vuelo lírico perfectamente controlado. Aporta el cuestionamiento y luego la seguridad de la plenitud del momento. Su forma de tocar es poderosa.

La característica de este opus es la yuxtaposición o superposición que no es repetición. El doble saxofón es, sin duda, un factor a tener en cuenta. El nivel rítmico impone su marca y responde a una exigencia absoluta. Marca la pauta. El tema final también responde a esta gran apertura que define el conjunto en un tono absolutamente delicioso.

Sylvie Arnaud

arnauddolmen.com

Carlos Franzetti ::: In The Wee Small Hours

Carlos Franzetti ::: In The Wee Small Hours

In The Wee Small Hours
Carlos Franzetti
Sunnyside Records | Enero 28, 2022
Carlos Franzetti - In The Wee Small Hours
1. In The Wee Small Hour of the Morning 3:53
2. Memories of You 4:27
3. How Deep Is The Ocean 3:48
4. How Long Has This Been Goin’ On 6:50
5. Put On a Happy Face 4:02
6. Time Remembered 5:11
7. I’ll Be Seeing You 6:37
8. Alone Together 4:50
9. How Deep Is The Ocean (Alternate Version) 4:02
10. In The Wee Small Hours of the Morning (Alternate Version) 3:57
11. Memories of You (Alternate Version) 4:42
12. Piccola Musica Nocturna 3:54

 

Carlos Franzetti – piano, Fender Rhodes, conductor (track 12)
David Finck – bass
Billy Drummond – drums
Allison Brewster Franzetti – celesta (track 12)
The City of Prague Orchestra (track 12)

El mundo en general ha experimentado un acontecimiento que ha alterado su vida a lo largo de la pandemia de COVID-19, cuyos efectos han afectado a casi todo el mundo de alguna manera. Desde la Segunda Guerra Mundial no se había producido un acontecimiento de tanto alcance en términos de impacto emocional sobre la población. Carlos Franzetti ha recurrido a las optimistas canciones de antorcha de los años 40 y 50 para sacar a los oyentes de su pesimismo inducido por la pandemia en su nueva grabación, In The Wee Small Hours.

El gran pianista, compositor y arreglista argentino-estadounidense experimentó todo el peso de las energías destructivas del COVID-19 durante la pandemia. Franzetti contrajo el virus COVID. Uno de los efectos de su infección fue la pérdida de coordinación, que le llevó a sufrir varias caídas. Cuando no pudo recordar los cambios de «All the Things You Are», supo que algo iba mal. El TAC mostró un hematoma subdural.

Tres operaciones cerebrales y meses de rehabilitación física devolvieron la coordinación a Franzetti. También vio de primera mano lo que significaba la soledad de la cuarentena, ya que no se le permitió ver a nadie, ni siquiera a su mujer, durante 10 días mientras se recuperaba en el hospital.

Una vez que pudo, Franzetti se sintió motivado no sólo para demostrar que sus habilidades musicales seguían ahí, sino que también quería hacer música emblemática de las luchas que la gente había pasado durante este tiempo inolvidable. Franzetti reunió a su colaborador de siempre, el bajista David Finck, y al excelente baterista Billy Drummond para una sesión de grabación en el 360 Sound Studio de Orange, Nueva Jersey, a finales de mayo de 2021.

El material que Franzetti eligió para grabar era una mezcla de piezas que evocaban la añoranza y la separación de las décadas que rodearon la Segunda Guerra Mundial. Las piezas se compusieron durante una época problemática y confusa, pero infunden trozos de esperanza en sus oyentes, mensajes de reencuentro y superación de obstáculos. Muchas de las piezas son baladas, pero no son sombrías. Franzetti exploró material que normalmente no elegiría para tocar pero que se sentía bien bajo sus dedos y en su mensaje.

La grabación comienza con una conmovedora toma de «In the Wee Small Hours of the Morning» de David Mann y Bob Hilliard, en la que Franzetti muestra su delicado toque sobre el sutil impulso de la sección rítmica. La interpretación de «Memories of You», de Eubie Blake y Andy Razaf, se inspira en la interpretación atemporal de Frank Sinatra, y el swing fácil del trío es contagioso. How Deep Is The Ocean» de Irving Berlin es tranquilamente insistente mientras la batería de Drummond empuja a la banda. El clásico de Gershwin, «How Long Has This Been Goin’ On», sigue en una vena sensual pero introspectiva, mientras que «Put On a Happy Face» de Charles Strouse y Lee Adam agita la positividad en un baile alegre.

La versión rapsódica de «Time Remembered» de Bill Evans es un complemento perfecto para el programa lleno de emociones. La magnífica versión de «I’ll Be Seeing You» de Sammy Fain e Irving Kahal es de un optimismo lacrimógeno, mientras que «Alone Together» de Arthur Schwartz y Howard Dietz es brillante y con swing. Las segundas tomas de «How Deep Is The Ocean» y «In the Wee Small Hours of the Morning» muestran la profundidad de la interpretación y la interacción del trío.

Carlos Franzetti ha elaborado el programa de In The Wee Small Hours para inspirar un poco de esperanza y equilibrio emocional a los oyentes con las maravillosas canciones de antorcha del pasado. Esperemos que las canciones sean capaces de proporcionar tanto consuelo ahora como lo hicieron en su momento.

sunnysiderecords.com

Immanuel Wilkins ::: The 7th Hand

Immanuel Wilkins ::: The 7th Hand

The 7th Hand
Immanuel Wilkins
Blue Note Records | Enero 28, 2022
Immanuel Wilkins - The 7th Hand
 

1 Emanation 7:23
2 Don’t Break 3:34
3 Fugitive Ritual, Selah 5:47
4 Shadow 4:44
5 Witness 3:38
6 Lighthouse 7:23
7 Lift 26:22

Immanuel Wilkins, alto saxophone
Micah Thomas, piano
Daryl Johns, bass
Kweku Sumbry, drums
Elena Pinderhughes, flute (tracks 5, 6)
The Farafina Kan Percussion Ensemble

 

El impresionante saxofonista y compositor Immanuel Wilkins ha dado pruebas de un inmenso talento. En The 7th Hand, la continuación de su admirado debut Omega, toma un brillante cuarteto -con Micah Thomas al piano, Daryl Johns al bajo y Kweku Sumbry a la batería- bajo su dirección, presentando siete cortes que se desenvuelven con trazos magistrales.

«Emanation» inicia este viaje con una mezcla perfecta de relajación y tensión, melodía y armonía, todo ello atado en una malla rítmica que desorienta y cautiva. Destaca la fenomenal capacidad solista de Wilkins, con infinitas trayectorias interiores/exteriores y una ferviente expresión impregnada de velocidad y articulación. Le sigue Thomas, cuyo pianismo, a veces sincero y a veces elevado, va de lo modal a lo onírico y a lo efusivamente cascado y contorsionado.

A modo de suite, el álbum nos lleva inmediatamente a «Don’t Break», que celebra su amistad con Sumbry; la incontenible percusión del Farafina Kan Percussion Ensemble la impulsa con gusto. De aquí pasamos a la balada valsera «Fugitive Ritual, Selah», un himno ligeramente evangélico a los espacios negros, introducido por una declaración de bajo sin pretensiones y vampirizado con un riff recurrente en el centro. Sumbry lo conduce delicadamente con escobillas antes de instalar un ritmo relajado y progresivamente agitado por la síncopa.

«Shadow» y «Witness» son algo circulares en su planteamiento, sondeando formas más curvilíneas que angulares. La primera, que también muestra un riff específico en su corazón, es lo más cercano al minimalismo que podemos conseguir aquí, mientras que la segunda tiene un excelente lugar para la flautista invitada Elena Pinderhughes. Aterriza en una sección final resuelta, aunque reveladora. Pinderhughes también aparece en «Lighthouse», donde su cerebral conducción melódica diverge de la apretada improvisación de Wilkins. El líder de la banda se pasea exuberantemente en un pasaje de raro éxtasis oscilante, y la pieza termina en un camino cíclico con una bella melodía y una intrigante percusión.

Tocado en directo y de forma libre, el séptimo movimiento final, «Lift», nos ofrece más de 26 minutos épicos de jazz vanguardista orante en la línea de Coltrane/McCoy, convirtiéndose en una especie de A Love Supreme del siglo XXI. Hay una intención polirítmica en la forma en que Wilkins sopla encima de los golpes armónicos de Thomas; mientras tanto, los insistentes intervalos de bajo y los golpes de batería con color de platillos fluyen por debajo. La siguiente sección es ligeramente ominosa, presentando el alto de tono oscuro como un elemento zumbante junto con ataques de piano claroscuros. Después de un breve pasaje marcado por un tenso trabajo de bajo, un piano arremolinado y una rápida caja de ritmos, Wilkins llega a lo alto de su registro superior y refuerza su clamor con ardientes detalles.

The 7th Hand golpea con la fuerza de un cometa y asombra, ya sea a través de secciones abrasivas construidas con consumados torrentes de sonido o de momentos conciliadores de simplicidad y contención.

immanuelwilkins.com

Emile Parisien ::: Louise

Emile Parisien ::: Louise

Louise
Emile Parisien
ACT | Enero 28, 2022
Emile Parisien - Louise
 

1 Louise 5:47
2 Madagascar 8:21
3 Memento, Pt. I 7:15
4 Memento, Pt. II 2:56
5 Memento, Pt. III 5:15
6 Il Giorno Della Civetta 5:35
7 Jojo 5:23
8 Jungle Jig 3:36
9 Prayer 4 Peace 5:50
10 Madagascar (Single Edit) 4:41

Emile Parisien / soprano saxophone
Theo Croker / trumpet
Roberto Negro / piano
Manu Codjia / guitar
Joe Martin / bass
Nasheet Waits / drums

Recording Information

Recorded by Mathieu Pion at Studio Gil Evans de La Maison de la Culture, Amiens (France), June 2021
Mixed by Mathieu Pion in October 2021
Mastered by Klaus Scheuermann

Cover art by Helena Soubeyrand

Emile Parisien ha formado un sexteto americano-europeo de primer orden para este álbum, su séptimo como líder o colíder en ACT. La banda estará de gira en 2022, año en el que también se cumple el décimo aniversario de la primera aparición de Parisien en un álbum de ACT.

El saxofonista desarrolló su fuerte sentido de la dirección en la música muy pronto: tenía 10 años cuando llegó a su familia en Cahors la noticia de que se abriría una nueva escuela de música a unos 200 kilómetros, en Marciac. El joven dijo a sus padres que esa era la escuela a la que quería ir como interno… y así, con su apoyo y aprobación, se fue. Y fue a través de la escuela y del festival de Marciac que recibió la tutoría de algunos de los grandes del jazz norteamericano: Wynton Marsalis (que apareció como invitado en el álbum Sfumato Live), Clark Terry, Bobby Hutcherson, Oscar Peterson…

«La mejor novedad que se ha producido en el jazz europeo desde hace mucho tiempo» (Le Monde)

El hecho de que tres de los músicos del sexteto de «Louise o la mitad de la banda sean estadounidenses (Theo Croker (trompeta), Joe Martin (bajo) y Nasheet Waits (batería) es importante para Parisien: «Era el momento de volver a la fuente que me hizo amar esta música en primer lugar», explica. La idea de un «retorno a la fuente» es especialmente cierta en la elección de Parisien de trabajar junto a Theo Croker, el nieto del trompetista Doc Cheatham (1905-97). Parisien describe su encuentro en la gira de «Jazz Animals» en 2018 como haber sido un ‘super-rencontre’, y una conexión musical particularmente fuerte y una amistad personal se han desarrollado desde esas reuniones. En «Louise», Parisien no solo se ha asegurado de que se pueda escuchar una enorme gama emocional y estilística en la forma de tocar la trompeta de Croker, sino que también ha disfrutado de emparejar y entrelazar su propia voz melódica con la de Croker. Su interacción es algo especial, y proporciona algunos de los muchos momentos de alegría en este álbum amplio pero muy coherente. Parisien también ha dado generosamente a Croker la oportunidad de tener la última palabra en el álbum, con su solemne y evocadora composición, «Prayer for Peace».

El batería Nasheet Waits es una presencia vívida y energizante en todo el álbum, y especialmente en la tercera parte de «Memento», la pieza más sustancial de «Louise», que Parisien dedica a su madre. «Me encanta cómo toca Nasheet, es increíble. Fue un sueño tocar con él», dice Parisien, que primero admiró la forma de tocar de Waits en los discos, antes de que sus caminos se cruzaran en los festivales. Esta es la primera vez que trabajan juntos. Joe Martin es uno de los bajistas neoyorquinos de primera fila; Parisien lo conoce de su época como compañeros del cuarteto de Yaron Herman.

Manu Codjia y Robert Negro son dos de los colegas musicales más cercanos a Emile Parisien. «Hemos tocado en muchos contextos, hemos explorado mucha música juntos», dice Parisien. El guitarrista Codjia fue uno de los primeros músicos que conoció cuando se trasladó a París hace casi dos décadas. «Manu tiene una capacidad asombrosa para ser el ‘pegamento’ que mantiene unida a una banda y crea un sonido común». Codjia ha aportado la composición «Jungle Jig», una pieza enérgica en la que se ha conseguido un equilibrio ideal entre el caos y el orden. Roberto Negro también ha tocado con Parisien regularmente como dúo, en Sfumato y otros contextos. «La música europea, la clásica, el jazz… ¡Roberto lo toca todo tan bien! Es un músico muy completo», dice Parisien. La composición de Roberto Negro «Il giorno della civetta» (La civeta) tiene un ritmo elegante y un flujo maravillosamente natural.

El tema que da título al disco, «Louise», es suave, espacioso y meditativo. El título hace referencia a las esculturas «araña» de Louise Bourgeois. Estas esculturas se han visto en su mayoría en espacios públicos, y eso ha hecho que Parisien reflexione sobre cómo el encierro durante la clausura nos ha privado a todos de la alegría de estar al aire libre. Las esculturas de Bourgeois también están muy vinculadas a los temas de la maternidad, y a las metáforas de hilar, tejer, cuidar y proteger. El afecto y la valoración de Parisien por el amor incondicional de las madres hacia sus hijos es el trasfondo emocional de este tema evocador, con sus gloriosos solos de Theo Croker y Manu Codjia.

Dos piezas traen a la palestra a músicos europeos de generaciones anteriores que han sido influencias decisivas para Parisien: «Jojo» es una feliz referencia a Joachim Kühn; el tema es inconfundible, intencionada y profundamente ‘Ornette-ish’ en su inspiración. «Madagascar», de Weather Report, recuerda la época en que Parisien tocaba en The Syndicate, la banda formada en 2007 para continuar el legado de Joe Zawinul e interpretar su música.

«Louise» es un álbum notable en el que la energía feroz contrasta y convive felizmente con un lado mucho más suave. Sus sutilezas y alegrías emergen cuanto más se escucha. De este modo, «Louise» nos permite conocer mejor el carácter y la individualidad creativa de uno de los principales músicos de jazz de Europa.

actmusic.com