Dominic Miller ::: Marzo 21, 1960

Dominic Miller ::: Marzo 21, 1960

Dominic Miller ::: Marzo 21, 1960

Con Absinthe, su segundo disco para ECM, el guitarrista Dominic Miller ha creado un álbum coloreado por una atmósfera distinta. “Lo primero que me vino antes de escribir cualquier canción fue el título”, dice. “Viviendo en el sur de Francia, me fascina el Impresionismo. Los agudos errores de luz y de brujería, combinados con el alcohol fuerte y las resacas intensas deben haber llevado a algunos de estos artistas a la locura. Cielos verdes, caras azules, perspectiva distorsionada”. Mientras que el debut de Miller en ECM, Silent Light, enfatizaba la intimidad en solitario y en dúo, Absinthe encuentra al guitarrista al frente de un quinteto que lleva sus composiciones siempre líricas a la vida texturizada. Miller, que cambia entre guitarras acústicas de cuerdas de nylon y de acero, tiene un folio melódico armónico en el bandoneón de Santiago Arias. La presencia viva en la batería es Manu Katché, un veterano de ECM y durante años colega de Miller en la banda de Sting (a quien el guitarrista ha acompañado durante tres décadas). Los tonos de teclado de Mike Lindup añaden un aire fantasmagórico a aspectos destacados como la pista del título, mientras que el bajista Nicholas Fiszman arraiga el sonido. En cuanto a Miller, JazzTimes lo describió como un guitarrista que “ordeña cada nota, prosperando con las pausas entre ellas y los susurrantes efectos de los dedos deslizándose a través de las cuerdas”, mientras que Stereophile estuvo de acuerdo, declarando que “su habilidad para expresar emociones a través de la guitarra es increíble de escuchar”.

Con Absinthe, el guitarrista Dominic Miller ha creado un álbum coloreado por una atmósfera distinta. “Lo primero que me vino a la mente antes de escribir cualquier canción fue el título”, escribe en su nota. “Viviendo en el sur de Francia, me fascina el Impresionismo. Los agudos errores de luz y de brujería, combinados con el alcohol fuerte y las resacas intensas deben haber llevado a algunos de estos artistas a la locura. Cielos verdes, caras azules, perspectiva distorsionada”. Mientras que el debut de Miller en ECM, Silent Light, enfatiza los escenarios en solitario y en dúo, Absinthe encuentra al guitarrista al frente de un quinteto que lleva sus composiciones líricas a la vida texturizada. Miller, cambiando entre guitarras acústicas de cuerdas de nylon y de acero, ha encontrado una clave armónico-melódica en el bandoneón de Santiago Arias. La presencia viva en la batería es Manu Katché, durante años miembro junto a Miller en la banda de Sting. Los tonos de teclado de Mike Lindup pueden brillar o añadir un aire fantasmagórico (como en el caso de las luces como la pista del título), mientras que el bajista Nicholas Fiszman arraiga el sonido del conjunto. En cuanto a Miller, JazzTimes lo ha descrito como un guitarrista que “ordeña cada nota, prosperando con las pausas entre ellas y los susurrantes efectos de los dedos deslizándose a través de las cuerdas”.

Absinthe no sólo fue concebida en el sur de Francia, sino que fue allí donde Miller y su banda grabaron el disco, trabajando con Manfred Eicher en el estudio de La Buissonne, en Pernes-les-Fontaines. El ambiente era ideal, dice Miller: “Es un gran ambiente en el que trabajar. Y me encanta colaborar con Manfred, es un productor de verdad. Recuerdo la inspiradora autenticidad de los discos que hizo con Egberto Gismonti. Eran tan importantes para mí….

“Para mis dos álbumes de ECM, y especialmente este nuevo, mi idea inicial de una melodía puede ser como una simple melodía propia”, explica Miller. “Pero una vez que terminamos de trabajar juntos en ella, la pieza se convierte en un rico fotograma, con toda la luz y la sombra de la vida en ella. Manfred ayuda a sacar a relucir la esencia de la música, a menudo empujándonos fuera de nuestras zonas de confort en el proceso. Pero estoy dispuesto a hacerlo, hemos repensado, rediseñado y reinterpretado todos los temas del estudio. He hecho alrededor de 250 discos de pop y rock a lo largo de los años, y eso es a menudo un proceso para lograr la llamada perfección. Pero Manfred no está detrás de este tipo de perfección”.

Nacido en Argentina de padre estadounidense y madre irlandesa, Miller se crió en Estados Unidos a partir de los 10 años y luego se educó allí y en Inglaterra. La mentalidad internacional del guitarrista sólo se ha profundizado a través de décadas de giras por el mundo, trabajando con gente como Paul Simon, The Chieftains, Plácido Domingo y, más a menudo, Sting. Miller es conocido desde hace mucho tiempo como la mano derecha de este último en la guitarra – y co-escritor de “Shape of My Heart”, entre otros. “He sido influenciado por el sentido lateral de armonía de Sting y cómo forma canciones”, dice el guitarrista. “Trato de hacer lo mismo creando una narrativa con música instrumental, que trato y arreglo como canciones, con versos, coros, puentes. He absorbido mucho de él sobre el concepto y el arreglo, así como la concisión al contar una historia”.

Miller escuchó el toque rítmico/colorístico de Katché en su oído durante décadas, mientras que Fiszman toca en el actual grupo en vivo del guitarrista. El simpatico juego de batería y bajo aquí se destaca por sus intercambios en “Ombu”, un tema que lleva el nombre de un árbol de Argentina con vastas raíces. Miller descubrió recientemente a Arias, después de haberlo encontrado en Buenos Aires. “Estaba de gira por allí y salí una noche libre a ver un concierto con algunos de los mejores músicos locales. Todos estaban señalando a un joven bandoneonista. Al presenciar la obra de Santiago -esta música argentina, acústica, no tanguera y autóctona, mezclada con influencias europeas- sentí una chispa. Escribí la música de Absinthe con el timbre de su instrumento y su sentido del espacio en mente”.

El bandoneón de Arias juega un papel vital a lo largo de todo el álbum, ya sea atmosféricamente en piezas como las sombrías “Ténèbres” o como voz solista en “Saint Vincent”. El título de esta última canción no se refiere a Van Gogh, sino al guitarrista camerunés Vincent Nguini, un viejo colaborador de Paul Simon y una especie de mentor de Miller. “Vincent tuvo una sensación tan especial de’tiempo’, de la que a los bateristas les gusta hablar”, dice. “Con la forma en que usaba el tiempo, se podía oír que era él por unas pocas notas.”

El tema del título de Absinthe comienza con las manos de Miller tocando las cuerdas de nylon de una guitarra de cuerpo pequeño con su característica “precisión artesanal”, como dice el Irish Times. Después de dos minutos de desarrollo melódico con sólo guitarra y bandoneón, el ritmo de Katché llega con fuerza, impulsado por el bajo profundo de Fiszman. La pieza asume inmediatamente el dramatismo de una historia, con la línea sintetizadora de Lindup zumbando sutilmente a través del arreglo como un espectro, añadiendo algo de otro mundo a la narración. “Quería que el sintetizador agregara un elemento perturbador, como una debilidad inducida por la absenta”, explica Miller. “Conozco a Mike desde hace años y confío implícitamente en lo que él puede aportar a mi música, ya sea un toque de sintetizador fuera de onda o de piano fluido, como en’Etude’ y’Verveine’. Esta última canción, por cierto, lleva el nombre de una especie de té de hierbas que tienen en Francia y que me gusta. Es supuestamente bueno para las resacas, así que supongo que los viejos pintores lo usaron como antídoto calmante después de las visiones de la absenta”.

Harold Mabern ::: Marzo 20, 1936

Harold Mabern ::: Marzo 20, 1936

Harold Mabern ::: Marzo 20, 1936

Mabern nació y se crió en Memphis, Tennessee, una ciudad que es la capital de la música americana del siglo XX. Al igual que sus compañeros de jazz de Memphis George Coleman, Booker Little y Frank Strozier, Mabern asistió a la Escuela Secundaria de Manassas y, tras un primer intento de tocar la batería, aprendió a tocar el piano él mismo y cayó bajo el hechizo del pianista Phineas Newborn Jr., una influencia que marcaría y perduraría con Mabern el resto de su vida.

Junto con otros músicos de Memphis, Mabern se trasladó a Chicago en 1954, donde pronto encontró trabajo apoyando a los saxofonistas tenores Johnny Griffin, Gene Ammons y Clifford Jordon. También obtuvo más influencia al estudiar con el pianista Ahmad Jamal y tocó en el grupo de hardbop MJT + 3, antes de irse a la ciudad de Nueva York en 1959. “Chicago me dio el material que necesitaba y la confianza”, recordó en 1987. “Nueva York refinó mi material y todavía lo está haciendo”.

Uno de sus primeros conciertos significativos fue una estancia de 18 meses con Art Farmer y el Jazztet de Benny Golson. Tras la disolución del Jazztet, Mabern trabajó con Jimmy Forrest, Lionel Hampton, Donald Byrd e hizo una breve estancia con Miles Davis en 1963. Trabajó con J.J. Johnson (1963-65), Lee Morgan (1965) y Hank Mobley, grabando el álbum Dippin’. Sonny Rollins, Freddie Hubbard, Joe Williams (1966-67) Mabern también tocó en un cuarteto con el guitarrista Wes Montgomery. Décadas más tarde, Mabern alabó la alegre calidad de la interpretación y la personalidad de Montgomery y se lo dijo a un entrevistador:

La música era un desafío. Acababa de empezar a tocar. Decía: “Mabern, toca esto conmigo”. Ahora, si tenía algo específico que quería que tocara, como por ejemplo, si quería que tocara una figura con él al unísono, bien, y yo lo cogería directamente por el hecho de que soy autodidacta, siempre tenía que usar mis oídos de todos modos… Entonces habría momentos en los que diría, “Mabern, toca esto conmigo”, y podría ser la parte de la armonía de lo que está tocando… de cualquier manera, siempre era un desafío. Siempre decía: “Mabern, eres un gato malo”. Y yo decía, “Oh, sólo estoy tratando de seguirte el ritmo”.

Entre 1968-70, Mabern dirigió cuatro álbumes para Prestige, el primero de los cuales fue A Few Miles From Memphis con una formación de dos saxofonistas, uno de ellos George Coleman, nativo de Memphis. A principios de los años 70, Harold Mabern se convirtió en un miembro clave del grupo de trabajo de Lee Morgan y apareció en varias grabaciones en directo y en estudio realizadas por el trompetista antes de su muerte en 1972.

En 1971, tocó en el álbum The Sugar Man de Stanley Turrentine y Don’t Mess With Mr. T. en 1973. En 1972 grabó con el coro de piano de Stanley Cowell.

En años más recientes, ha realizado giras y grabaciones extensas con su antiguo alumno de la Universidad William Paterson, el saxofonista tenor Eric Alexander. Hasta la fecha, Mabern y Alexander han aparecido en más de veinte CDs juntos. Miembro del profesorado de la Universidad William Paterson desde 1981, Mabern es también un frecuente instructor en el Stanford Jazz Workshop.

Harold Mabern ha grabado como líder para DIW/Columbia y Sackville y ha hecho giras con el Contemporary Piano Ensemble (1993-1995). Falleció el 19 de septiembre de 2019.

Fuente:  haroldmabern.jazzgiants.net

Marzo 19

Marzo 19

PORTADA: Charles Lloyd

 

Amigos, de vuelta por acá para llevarles un ratito de distracción y compañia. Algunos cumples de la semana impostergables, claro…, cuando vas a celebrar un cumple? en lo posible el mismo día, (para ello están las menciones en nuestra página dedicada a los cumpleañeros) pero el momento de escuchar su música es cada jueves de programa y ya vamos a ir por ellos, pero en el arranque voces femeninas, la primera la bella cantante estonia Kadri Voorand desde In Duo with Mihkel Mälgand (ACT | Feb 28, 2020) su álbum debut acompañada del bajista también estonio, que además se encarga de instrumentos varios.

La siguiente es la cantante sueca Cæcilie Norby desde Portraying (ACT | Feb 28, 2020) otro álbum lanzado por el sello alemán el mismo día, con la bella voz de la cantante esposa del bajista Lars Dannielson. El álbum es un compilado de viejos temas muchos nunca antes publicados, donde reúne a viejos amigos.

El primer cumple, hoy cumple 60 años la bella pianista y cantante Eliane Elias, la escuharemos desde un viejo disco (todas sus últimas producciones ya fueron presentadas acá, creo que éste nunca) hablamos de Impulsive! / Bob Brookmeyer & The Danish Radio Jazz Orchestra – Play The Music Of Eliane Elias (Stunt Records | Feb 23, 1997) con grandes éxitos de Eliane bajo los arreglos del gran director, trombonista y compositor Bob Brookmeyer al frente de la prestigiosa Big Band.

El domingo próximo pasado cumplio 82 años el gran saxofonista Charle Lloyd. El 15 de marzo del año 2018 en celebración de sus 80 pirulos el saxofonista reunió a una banda fenomenal para celebrar su aniversario en el Teatro Lobero de Menphis su ciudad natal, parte de aquella presentación fué publicada en conmemoración de su aniversario y parte ve la luz ahora bajo el nombre de 8: Kindred Spirits Live From The Lobero Theater
(Blue Note | Feb 14, 2020). Discazo del eterno saxofonista. El último de los cumples de hoy: ayer miercoles sopló 69 velitas el guitarrista estadounidense Bill Frisell y lo celebramos escuchando Epistrophy (ECM | Abril 12, 2019) junato al contrabajista Thomas Morgan grabado en vivo en el Village Vanguard de Nueva York.

Seguimos con otro guitarrista de por acá, el chileno Diego Riedemann desde 4M (Vertigo Records | Nov 22, 2019). Radicado en Alemania desde 2015 es un respetadísimo músico y destacado profesor. Los dos últimos: el pianista Eldar Djangirov desde Rhapsodize (Twelve Tone Resonance | Feb 21, 2020) uno de sus dos más recientes discos, el otro un solo piano, acá al frente de un trio. Nos vamos conel percusionista Indio Trilok Gurtu desde God Is A Drummer (Jazzline | Feb 7, 2020).

Nos vemos….

Eliane Elias ::: Marzo 19, 1960

Eliane Elias ::: Marzo 19, 1960

Eliane Elias ::: Marzo 19, 1960

 

A lo largo de una distinguida carrera que abarca casi 30 álbumes, el estilo musical distintivo de Eliane Elias, pianista/cantante/compositora ganadora de varios premios GRAMMY®, ha surgido como uno de los sonidos más únicos e inmediatamente reconocibles del jazz. Con más de 2,2 millones de álbumes vendidos hasta la fecha, Elias combina sus raíces brasileñas y su atractiva voz con sus virtuosas habilidades instrumentales de jazz, música clásica y composición, al tiempo que demuestra constantemente su maestría pianística y su capacidad para integrar los numerosos papeles artísticos que asume.

La grabación más reciente de Elias, Love Stories, es un álbum orquestal en inglés que se publicará el 30 de agosto de 2019 a través de Concord Jazz. “Estoy muy orgullosa de esta producción y siento que es uno de los conjuntos musicales más románticos que he producido”, dice sobre el proyecto, que grabó en Brasil y en los estudios Abbey Road de Londres junto con los coproductores Marc Johnson y Steve Rodby.

Trae una alineación estelar de algunos de los músicos más solicitados de la sección rítmica de Brasil, incluyendo a Marcus Texiera en la guitarra y Edu Ribeiro, Rafael Barata, Paulo Braga y Celso Almeida en la batería, además de Marc Johnson, su compañero musical y co-lírico de muchos años, en el bajo. El orquestador Rob Mathes regresa para su cuarta grabación con Elías aquí, mientras que el compositor Roberto Menescal toca la guitarra en su propia canción, “O Barquinho/ Little Boat”.

El nativo de São Paulo aprovechó un profundo pozo de emoción para este proyecto, que profundiza en varias expresiones de amor que van desde lo romántico y soñador hasta lo profundo y duradero. La fuerte conexión de Elías con la tradición de la bossa nova también se destaca aquí, brillando de manera fresca y moderna mientras interpreta varias obras clásicas hechas famosas por Frank Sinatra, Antonio Carlos Jobim y algunos de sus favoritos de todos los tiempos. Elias también extrae su propio corazón para inspirarse en tres impresionantes composiciones originales.

La naturaleza evocadora de la música refleja un reciente período emocionalmente desafiante en la vida de Elias durante el cual ella escribió y arregló el material. Justo cuatro meses antes de la muerte de su padre, sufrió un accidente, en el que se fracturó el hombro, obligándola a permanecer casi completamente quieta durante muchas semanas. Mientras se recuperaba en su casa de São Paulo, Elías convocó su espíritu creativo en respuesta a las difíciles circunstancias en las que su escritura y su voz se convirtieron, como dijo Johnson, en “sus puntos focales de expresión”.

Como ganador del GRAMMY®, ganador del Latin GRAMMY®, cuatro veces ganador del Disco de Oro y tres veces ganador del Mejor Álbum Vocal en Japón entre muchos otros premios, Elias ha ocupado su lugar en el panteón de los gigantes de la música. Sus tres grabaciones más recientes alcanzaron la posición número uno en las listas de Billboard, iTunes, las listas de radio de jazz y las listas de best sellers de Amazon, por nombrar sólo algunos reconocimientos recientes.

Nacido en São Paulo, Brasil, el talento musical de Elias comenzó a mostrarse a una edad temprana. Empezó a estudiar piano a los siete años y a los 12 años transcribía solos de los grandes maestros del jazz. A los 15 años, enseñaba piano e improvisación en una de las escuelas de música más prestigiosas de Brasil, CLAM. Su carrera como intérprete comenzó en Brasil a los 17 años, trabajando con el cantante y compositor brasileño Toquinho y el gran poeta Vinicius de Moraes, que también fue co-escritor y lírico de Antonio Carlos Jobim. En 1981, se dirigió a Nueva York y en 1982 consiguió un puesto en el aclamado grupo Steps Ahead. Su primer álbum en solitario fue una colaboración con Randy Brecker en 1984, titulado Amanda. Poco después comenzó su carrera en solitario, que abarca 28 álbumes hasta la fecha con el lanzamiento de Love Stories. En su trabajo, Elias ha documentado docenas de sus propias composiciones, su excepcional interpretación en el piano y sus arreglos y bellas interpretaciones vocales. Comenzó a ganar encuestas en 1988 cuando fue votada como Mejor Nuevo Talento en la encuesta de la revista Jazziz.

Junto con Herbie Hancock, fue nominada al GRAMMY® en la categoría de Mejor Interpretación de Solos de Jazz por su lanzamiento en 1995, Solos y Dúos. Esta grabación fue aclamada por la revista Musician como “un hito en la historia del dúo de pianos”. En la encuesta de 1997 de los lectores de DownBeat, su grabación The Three Americas fue votada como mejor álbum de jazz. Elias también fue nombrado en otras cinco categorías: Más allá de Músico, Mejor Compositor, Pianista de Jazz, Vocalista Femenina y Músico del Año. Considerado uno de los grandes intérpretes de la música de Jobim, Elias ha grabado dos álbumes dedicados exclusivamente a las obras del compositor: Toca Jobim y canta Jobim. Su lanzamiento en 1998 Eliane Elias Sings Jobim ganó el premio al Mejor Álbum Vocal en Japón, fue el disco número uno en las listas de éxitos de Japón durante más de tres meses y fue premiado como Mejor Álbum Brasileño en la Encuesta de Críticos de Jazziz. Ambos álbumes son parte del catálogo de Elias de catorce grabaciones de Blue Note Records.

Más en:  elianeelias.com

Bill Frisell – Marzo 18, 1951

Bill Frisell – Marzo 18, 1951

Bill Frisell | Marzo 18, 1951

La carrera de Bill Frisell como guitarrista y compositor ha abarcado más de 40 años y muchas grabaciones célebres, cuyo catálogo ha sido citado por Downbeat como “la mejor producción discográfica de la década”.

Lanzado en marzo del 18, el último álbum de Frisell para OKeh/Sony es un álbum en solitario titulado, Music IS – “Tomado en su conjunto, el álbum encapsula maravillosamente la profundidad y el alcance de Frisell en toda su gloria meditativa” – Chicago Reader. Se grabó en agosto de 2017 en el estudio de grabación y reproducción Flora de Tucker Martine en Portland, Oregón, y fue producido por el colaborador de muchos años Lee Townsend. Todas las composiciones de Music IS fueron escritas por Frisell, algunas de ellas completamente nuevas – Change in the Air, Thankful, What Do You Want, Miss You y Go Happy Lucky – otras son adaptaciones en solitario de composiciones originales ahora clásicas que había grabado anteriormente, como Ron Carter, Pretty Stars, Monica Jane y The Pioneers. In Line y Rambler son de los dos primeros álbumes ECM de Frisell.

El proyecto anterior de Frisell, el nominado al Grammy When You Wish Upon a Star también con OKeh/Sony, germinó en el Lincoln Center durante su nombramiento de dos años como curador invitado de la serie Roots of Americana (Septiembre ’13 – Mayo ’15). En ella, Frisell con la vocalista Petra Haden, Eyvind Kang (viola), Thomas Morgan (bajo) y Rudy Royston (batería) interpretando los arreglos e interpretaciones de Frisell de la música del cine y la televisión. El Jazz Times describió el proyecto de la siguiente manera: “Los temas inolvidables son el verdadero atractivo aquí, reconfigurados con ingenio, ingenio y afecto por Frisell y un grupo estupendo.”

“Frisell ha tenido mucha práctica en poner el alto concepto en un paquete humilde. Aclamado durante mucho tiempo como uno de los guitarristas improvisadores más distintivos y originales de nuestro tiempo… Hay una razón por la que Jazz en el Lincoln Center le hizo programar una serie llamada “Roots of Americana”. – New York Times

Reconocido como uno de los 21 artistas más vitales y productivos de América, Frisell fue nombrado un artista inaugural de Doris Duke en 2012. También es receptor de becas de United States Artists, Meet the Composer entre otros. En 2016, fue beneficiario de la primera comisión de Composición de FreshGrass para preservar y apoyar la música innovadora de base. Cuando el San Francisco Jazz abrió sus puertas en 2013, se desempeñó como uno de sus Directores Artísticos Residentes. Bill también es el tema de un nuevo documental de la directora Emma Franz, titulado Bill Frisell: Un retrato, que examina su proceso creativo en profundidad.

Fuente:  billfrisell.com