Brad Mehldau ::: Your Mother Should Know: Brad Mehldau Plays The Beatles

Brad Mehldau ::: Your Mother Should Know: Brad Mehldau Plays The Beatles

Brad Mehldau
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Your Mother Should Know: Brad Mehldau Plays The Beatles
Brad Mehldau

Nonesuch Records | Febrero 10, 2023

Que el cuarteto de Liverpool marcó a las generaciones contemporáneas a ellos y que su influjo se derramara hacia las posteriores, no es ninguna novedad. La masividad de su música madrugó a sus colegas de la época, incluso postergando a aquellos en su intento de lograr un impacto similar como el incipiente camino emprendido por los, posteriores, dioses del rock. Pero claro, The Beatles ya estaban ahí empujando y arrasando y la inclinación hacia su música de muchos colegas no fué un acto de rendición u oportunismo, fué, y es, una celebración sobre la universalidad de su propuesta.

Todos los pendex de mi edad recordarán la presentación de Joe Cocker en Woodstock, interpretando una versión muy soul de With a Little Help from My Friends que marcó un antes y un después para la carrera de ambos, la del cantante y la de las aspiraciones propias del tema. Luego Miles y tantos otros con Blackbird; las tantísimas versiones, una mejor que otras, de And I Love Her, recuerdo particularmente la de Diana Krall; la lista es enorme…

Y Brad Mehldau que ya había recorrido antes parte de atemporal listado de temas de los Beatles, apuesta nuevamente con la inusual reinterpretación que el jazz hace de temas o autores de otros géneros, como del los propios también, sumada, claro está, la inusual reinterpretación que el propio pianista logra en cada intervención.

«Hay una universalidad indiscutible en The Beatles», dice Mehldau. «Su música atraviesa líneas culturales y generacionales, ya que nuevos oyentes siguen descubriéndola. Hay una inmediatez y una integridad en sus canciones que atrae a todo el mundo».

«Cuando empecé a tocar el instrumento, los Beatles aún no estaban en mi radar, pero mucha de la música pop para piano que escuchaba en la radio surgió de ellos. Esa música se convirtió en parte de mi personalidad, y cuando más tarde descubrí a los Beatles, todo encajó. Su música, y su amplia influencia en otros artistas, sigue informando lo que hago».

El periodista Matt Collar, afamado crítico, dice que “Here, There and Everywhere”, se transforma en una balada que evoca el estilo de los años sesenta de Bill Evans. ¿Cuál es el misterio de los Beatles, cuál es la fórmula de la inmortalidad de su música e influencias sobre todo el espectro musical universal…?

La respuesta de Mehldau a éste interrogante: «En su libro The Western Canon Harold Bloom se enfrentó a la cuestión de, qué hace que determinados libros perduren: La respuesta, la mayoría de las veces, ha resultado ser la extrañeza, un modo de originalidad que, o bien no puede asimilarse, o bien nos asimila tanto que dejamos de verlo como extraño».

«Si nos fijamos en los Beatles y en la multitud de artistas que se han visto influidos por una u otra faceta de su obra, esta paradójica receta para la longevidad es una forma de considerar su huella permanente», prosigue Mehldau. «Porque hay mucho de extraño en gran parte de su música, sobre todo en la serie de álbumes que cambiaron el juego, desde Rubber Soul hasta su último disco, Let It Be».

 

bradmehldaumusic.com 
bradmehldau.bandcamp.com 

CORTINA FINAL And I Love Her - Brad Mehldau Trio
Your Mother Should Know Brad Mehldau Plays The Beatles

 

1. I Am The Walrus 4:14
2. Your Mother Should Know 2:18
3. I Saw Her Standing There 3:54
4. For No One 2:28
5. Baby’s In Black 7:19
6. She Said, She Said 2:42
7. Here, There And Everywhere 3:58
8. If I Needed Someone 2:25
9. Maxwell’s Silver Hammer 6:42
10. Golden Slumbers 8:17
11. Life On Mars? 4:09

 

El álbum en directo incluye las interpretaciones del pianista y compositor de nueve canciones de John Lennon y Paul McCartney y una de George Harrison. Aunque otras canciones de los Beatles son habituales en los conciertos en solitario y en trío de Mehldau, éste no había grabado antes ninguna de las canciones de Your Mother Should Know. El álbum termina con un clásico de David Bowie que establece una conexión entre los Beatles y los compositores pop que les siguieron. Your Mother Should Know se grabó en septiembre de 2020 en la Philharmonie de París.

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Keith Jarrett | Mayo 8, 1945

Keith Jarrett | Mayo 8, 1945

Keith Jarrett | Mayo 8, 1945
En los últimos 40 años, Keith Jarrett ha llegado a ser reconocido como uno de los músicos más creativos de nuestro tiempo universalmente aclamado como un improvisador de un genio insuperable; un maestro del piano de jazz; un tecladista clásico de gran profundidad y como un compositor que ha escrito cientos de piezas para sus diversos grupos de jazz, además de obras ampliadas para orquesta, solista y conjunto de cámara.

Nacido el 8 de mayo de 1945 en Allentown, Pennsylvania, Keith Jarrett comenzó a tocar el piano a la edad de 3 años y emprendió estudios de música clásica durante toda su juventud; actuando como niño en programas de la Academia de Música de Filadelfia y en el Madison Square Garden. Emprendió estudios formales de composición a la edad de 15 años, antes de mudarse a Boston para estudiar brevemente en el Berklee College of Music. Ya en su adolescencia, se hicieron arreglos para estudiar composición en París con la gran pedagoga Nadia Boulanger, pero luego se canceló en el último momento a favor de mudarse a Nueva York en 1964 para tocar jazz.

Después de un período tentativo en el Village Vanguard y otros lugares de jazz de Nueva York, Jarrett viajó primero con Art Blakey's Jazz Messengers. De 1966 a 1968 fue pianista del Cuarteto Charles Lloyd, que rápidamente se convirtió en uno de los grupos más populares de la cambiante escena jazzística de finales de los años sesenta, con discos de gran éxito de ventas y giras por todo el mundo. Pronto dirigió su propio trío con Charlie Haden y Paul Motian (que en 1972 se expandió a un cuarteto con la adición del saxofonista tenor Dewey Redman). Luego, en 1970/71, Jarrett se convirtió en miembro destacado del grupo de fusión eléctrica de Miles Davis, tocando piano eléctrico y órgano - su última etapa como sideman, después, dedicándose exclusivamente a interpretar música acústica como solista y como líder.

En 1971, Keith Jarrett comenzó su colaboración discográfica con el productor alemán Manfred Eicher y ECM Records (Ediciones de Música Contemporánea). Esta fructífera colaboración ha producido más de 60 grabaciones hasta la fecha, sin precedentes en su alcance, diversidad y calidad.

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La discografía de Keith Jarrett en ECM abarca improvisaciones en solitario, dúos, tríos, cuartetos, composiciones originales, aventuras multiinstrumentales, obras maestras del repertorio clásico y amplias exploraciones del Gran Cancionero Americano.

Jarrett nació en Allentown, Pensilvania, en mayo de 1945. Tomó su primera clase de piano antes de cumplir los tres años y dio su primer recital como solista a los siete. "Crecí con el piano", ha dicho, "aprendí su lenguaje mientras aprendía a hablar".

Su formación más temprana fue clásica, pero a los 15 años sus clases de piano habían cesado y el interés de Jarrett por el jazz estaba floreciendo. Rechazó la oportunidad de estudiar con Nadia Boulanger en París y en 1964 dio el paso decisivo de trasladarse a Nueva York para establecerse en el mundo del jazz. Tras una temporada de gira con los New Jazz Messengers de Art Blakey, Jarrett se unió al cuarteto de Charles Lloyd en 1966. También tocó el órgano y el piano eléctrico con Miles Davis en 1970 y 1971.

La asociación de Jarrett con ECM se remonta a noviembre de 1971, cuando él y el productor Manfred Eicher colaboraron por primera vez en el influyente álbum para piano solo Facing You, ocho piezas cortas que, en palabras de Eicher, "se mantienen unidas como una suite". El álbum también prefiguró los conciertos de piano solo que serían un aspecto tan definitorio de la carrera de Jarrett.

En 1973, ECM organizó una gira europea de dieciocho conciertos, consistente únicamente en improvisaciones de Jarrett en solitario. Como era de esperar, el Concierto de Colonia (1975) ha pasado a la leyenda: un álbum de ventas multimillonarias que ha sido objeto de libros y de una transcripción completa. Pero Colonia no debe eclipsar el logro de toda la serie de conciertos improvisados, un género que Jarrett creó efectivamente. Tras el éxito de esa primera gira en solitario, Jarrett ha continuado con el formato de concierto improvisado en solitario, las décadas de su carrera tachonadas de registros de su imaginación infinitamente fértil, a los que se suele hacer referencia simplemente por el lugar donde tuvieron lugar: París, Viena, Lausana, Carnegie Hall, La Scala...

Jarrett ha sido miembro de varios grupos destacados. A mediados de los 70 empezó a grabar con su llamado "Cuarteto Europeo", formado por el saxofonista Jan Garbarek, el bajista Palle Danielsson y el batería Jon Christensen. Sus grabaciones incluyen Belonging, My Song, Nude Ants, Personal Mountains y Sleeper. No menos esencial es su trabajo contemporáneo en el "American Quartet" con Charlie Haden (bajo), Paul Motian (batería) y Dewey Redman (saxo), cuya producción incluye The Survivors' Suite y Eyes of the Heart (ambos de 1976). El American Quartet amplió el alcance del trío de Jarrrett con Haden y Motian. El trabajo de este primer trío está documentado en Hamburg '72.

A principios de los 80, Jarrett formó su "Standards Trio" con el bajista Gary Peacock y el batería Jack DeJohnette, que resultó ser una de las asociaciones más fértiles y duraderas de la historia del jazz. A lo largo de los años han realizado giras y publicado una serie sin parangón de álbumes de standards y sets de improvisación libre, incluido el conjunto de 6 CD At the Blue Note, un extraordinario registro de tres noches extraordinarias en junio de 1994, sobre el que el New York Times escribió: "Jarrett hace que cada nueva nota suene como un descubrimiento.... La música susurraba y brillaba, buscando una canción pura e incorpórea".

En 1987, Jarrett inició una serie de grabaciones de algunos de los grandes monumentos del repertorio clásico para teclado con Wohltempierte Klavier, Libro I de Bach, al que siguieron las Variaciones Goldberg (1989) y el segundo libro de Wohltempierte Klavier (1990). Para un pianista con un dominio tan fino de la voz, los 24 Preludios y Fugas, Op. 87, de Shostakovich eran quizás el siguiente paso natural: "No tenía la sensación de estar tocando la música de otra persona", dijo Jarrett sobre su primer encuentro con estas obras. "[Las piezas] proceden de algún extraño lugar estrafalario con el que estoy familiarizado". El New York Times fue uno de los muchos que elogiaron esta premiada grabación: no se trata de una mera curiosidad, "Jarrett ha conseguido por fin una indiscutible distinción en el ámbito de la música clásica".

40 años después de su debut con ECM, Facing You, Rio (2011) brilla con tanta energía e inventiva como cualquiera de sus conciertos en solitario de las últimas cuatro décadas, mientras que sus sesiones a dúo con el fallecido bajista Charlie Haden (Jasmine y Last Dance) revelan a los músicos en su momento más íntimo e introspectivo: "Cuando tocamos juntos es como dos personas cantando", dijo Jarrett de estas grabaciones.

ECM celebró el 70 cumpleaños de Jarrett con dos lanzamientos simultáneos, una grabación de mediados de los 80 del concierto para piano de Barber y el tercero de Bartok, y Creation, una suite de nueve piezas extraídas de los conciertos de la gira de conciertos del pianista en 2014. Creation es uno de los discos más líricos de los últimos lanzamientos en solitario de Jarrett, y la elección de la música hace hincapié en piezas en las que hay una sensación de canción naciendo, voces que luchan por ser escuchadas. También ofrece el relato más actualizado de la asombrosa capacidad de Jarrett para construir composiciones convincentes.

 

ecmrecords.com

Magnus Öström Group ::: A Room For Travellers

Magnus Öström Group ::: A Room For Travellers

A Room For Travellers

Magnus Öström Group

Jazzland Recordings | Mayo 5, 2023

Magnus Öström Group - A Room For Travellers

 

1. Safe and Sound 5:54
2. FlowFly 7:44
3. Oceans 6:57
4. Pacific 7:05
5. On The High In My Life 7:00
6. All Those Years 4:25

Magnus Öström - drums
Andreas Hourdakis – Guitar
Daniel Karlsson – Piano & keyboards
Thobias Gabrielson – Bass & keyboards

Magnus Öström y su banda vuelven por fin con un nuevo álbum, el cuarto hasta la fecha.

El álbum, A Room For Travellers, trata tanto del viaje del viajero por el mundo como de un viaje hacia el interior, el viaje hacia dentro. Además, el disco trata de la gran importancia que tiene para nosotros el agua, el océano.

El álbum, que dura 40 minutos en vinilo, contiene sólo 6 temas, pero con un par de pistas que son más suites que una sola canción. Con títulos como On The High In My Life y All Those Years, el álbum tiene presente tanto el presente como el pasado. Y en títulos como FlowFly, Pasific, Oceans y Safe And Sound, Magnus rinde homenaje y apunta hacia lo más importante que tenemos en nuestro planeta, el agua, los océanos, que desgraciadamente estamos destruyendo y envenenando poco a poco con nuestro excesivo estilo de vida consumista.

Pero, por encima de todo, el álbum trata de estar presentes en el presente y ver la naturaleza, los océanos y nuestro entorno como parte de nosotros mismos y, de este modo, esperamos ser más humildes y cuidadosos con lo que tenemos, y conscientes de lo que podemos perder.

La esperanza de Magnus es que el álbum se convierta para el oyente en un espacio al que viajar, y en el que viajar, a un espacio infinito. Un poco de evasión de todas las cosas terribles que ocurren en el mundo ahora mismo, pero también un viaje hacia el interior para comprenderse a uno mismo y a su entorno a un nivel más profundo.

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En 1991, Magnus y Esbjörn Svensson fundaron e.s.t. y el resto es una enorme historia emocional.

Junto con Dan Berglund grabaron 12 álbumes y un DVD de conciertos, realizaron varias giras por todo el mundo, vendieron cientos de miles de álbumes y fueron titulados "trío de la década". Hoy en día se considera que e.s.t. ha sido la banda más influyente en el jazz de los años noventa y el álbum Live in Hamburg ha sido galardonado con el premio "Álbum de la década" nada menos que por The Times (Reino Unido).

En 2011, Magnus Öström publicó su álbum debut, Thread of Life, en el que compuso todas las melodías. El álbum recibió críticas muy favorables y fue nominado a un Grammy sueco, además de ser galardonado con el premio alemán ECHO Jazz al mejor baterista internacional.

En 2013 siguió su segundo álbum en solitario, Searching For Jupiter, que le valió el Premio Manifest sueco al mejor álbum de jazz de 2013. En 2016 publicó su tercer álbum Parachute, también con gran aclamación.

Con el trío RYMDEN, junto a Bugge Wesseltoft y Dan Berglund, ha explorado otro éxito mundial, nos ha regalado hasta ahora 3 álbumes de estudio, uno junto a la Orquesta de la Radio Noruega - KORK, y un par de EP en directo llenos de composiciones tentadoras.

2023 nos trajo de regreso el cuarteto del propio Magnus - Magnus Öström Group, un viaje personal, de nuevo acompañado por Thobias Gabrielson - Bajo y teclados, Andreas Hourdakis - Guitarras, y Daniel Karlsson - Piano y teclados.

 

magnusostrom-music.com
jazzlandrec.com/home 

Joe Lovano Trio Tapestry ::: Our Daily Bread

Joe Lovano Trio Tapestry ::: Our Daily Bread

Our Daily Bread

Joe Lovano Trio Tapestry

ECM | Mayo 5, 2023

Joe Lovano Trio Tapestry - Our Daily Bread

 

1. One for Charlie 2:31
2. All Twelve 4:37
3. The Power of Three 4:42
4. Rhythm Spirit 5:50
5. Our Daily Bread 6:34
6. Crystal Ball 4:10
7. Le petit opportun 3:45
8. Grace Notes 8:43

Trio Tapestry

Joe Lovano - Tenor Saxophone, Tarogato, Gongs
Marilyn Crispell - Piano
Carmen Castaldi - Drums

Recorded May 2022, Auditorio Stelio Molo RSI, Lug

El tercer álbum del Joe Lovano's Trio Tapestry encuentra al grupo continuando su enfoque espacioso y lírico, con una escucha profunda y un enfoque intenso.

"Our Daily Bread está alimentado por el espíritu rítmico de la expresión que proyecta el misterioso mundo de la música que nos espera", dice el maestro saxofonista Lovano en su nota de presentación, y estas piezas elegantemente fluidas y baladas de libre flotación se sienten realmente como canciones del alma.

"La intensidad no procede de la ferocidad, sino de la profundidad de los sentimientos", escribió la BBC Music Magazine sobre el debut del grupo. "Los temas y las armonías de Lovano ofrecen un rico potencial que el trío aprovecha maravillosamente, explorando la textura y el estado de ánimo tan fructíferamente como desarrolla la melodía y la armonía".

Marilyn Crispell es la pianista óptima para esta música, orquestándola a medida que se desarrolla con una sensibilidad en sintonía tanto con la música de cámara contemporánea como con la improvisación post-Coltrane. El batería Carmen Castaldi, colaborador de Lovano desde la adolescencia, embellece la música con su propio toque poético en los platillos y, como el propio Joe, extrae resonancias florecientes de los gongs. A mitad del programa, Lovano interpreta el blues "One for Charlie" como un solo de tenor en homenaje a Charlie Haden, dotando a cada nota de significado, como hizo en su día el dedicatario de la melodía.

Our Daily Bread fue grabado en el Auditorio Stelio Molo de Lugano en mayo de 2022 y producido por Manfred Eicher.

 

joelovano.com 
marilyncrispell.com 
ecmrecords.com 

Artemis ::: In The Real Time

Artemis ::: In The Real Time

In The Real Time

Artemis

Blue Note | Mayo 5, 2023

Artemis - In The Real Time

 

1. Slink 6:56
2. Bow & Arrow 6:10
3. Balance Of Time 6:11
4. Lights Away From Home 4:53
5. Timber 7:23
6. Whirlwind 7:01
7. Empress Afternoon 5:34
8. Penelope 5:33

Renee Rosnes - piano
Allison Miller - drums
Ingrid Jensen - trumpet
Noriko Ueda - bass
Nicole Grover - tenor sax
Alexa Tarantino - multi-reedist

"La música existe en el tiempo. Sin tiempo, no hay música", explica la pianista, compositora y directora de orquesta Renee Rosnes sobre In Real Time, el segundo álbum de ARTEMIS. "Las fotografías y las obras de arte visual son tiempo congelado. La música es tiempo líquido en el aire".

Tres años después de la publicación del álbum de debut de ARTEMIS, aclamado por la crítica, el conjunto regresa con una brillante continuación que pone de relieve la fuerza improvisadora de sus miembros, así como sus respectivas dotes como compositores. El nuevo álbum presenta a Rosnes, la trompetista Ingrid Jensen, la bajista Noriko Ueda, la baterista Allison Miller y las recién llegadas, la saxofonista tenor Nicole Glover y la multirepetidora Alexa Tarantino.

"ARTEMIS ha sido para mí una experiencia poderosa y reafirmante", afirma Nicole Glover, la nueva saxofonistadel grupo. "Siento un apoyo empático total y la libertad de ser tan aventurera y creativa como pueda imaginar con esta banda".

"Hay una sorprendente yuxtaposición entre los enfoques estilísticos de los dos saxofonistas", afirma entusiasmada Rosnes. "Cada uno ilumina al otro". En los dos nuevos miembros, Rosnes percibe un fuerte sentido de la historia y la originalidad en sus respectivas formas de tocar. En Glover, detecta las influencias de iconos como John Coltrane, Joe Henderson, Eddie Lockjaw Davis y Charlie Rouse. "Nicole ha desarrollado su propio sonido distintivo. Es el tipo de improvisadora a la que le encanta tirarse a lo más hondo de la piscina", dice Rosnes al tiempo que añade que "Alexa tiene un tono rico y decidido en todos sus instrumentos, y un don especial para crear melodías líricas."

Por supuesto, al hablar de la fuerza creativa de la sección de vientos de ARTEMIS, no se puede dejar de lado la destreza de Jensen, que durante las últimas tres décadas ha demostrado ser una de las trompetistas más singulares del jazz. "Nadie suena como Ingrid. Ella sí que sabe polinizar la música con sus notas selectas", atestigua Rosnes. "Tocar con Nicole y Alexa es una pasada", añade Jensen. "El alto nivel de escucha y el toma y daca hacen que la experiencia en primera línea sea de lo más gozosa".

La sección rítmica de ARTEMIS, formada por Miller y Ueda, es igualmente intrépida. Rosnes dice: "Hay una gran flexibilidad entre los tres". Durante casi dos décadas, Miller se ha revelado como una consumada baterista, capaz de dirigir conjuntos de estilos e instrumentación variados. Ueda, nacida en Japón, es una bajista profundamente virtuosa cuya forma de tocar está orgánicamente conectada con todos los ambientes musicales. También ha demostrado ser una compositora y arreglista muy hábil.

Pero es Rosnes, que ejerce de director musical y pianista, quien aporta más experiencia a la banda. Rosnes debutó en Blue Note en 1990 y publicó una extraordinaria serie de álbumes en solitario en el sello a lo largo de la década. Antes de eso, fue miembro del conjunto de estrellas de Blue Note Out of the Blue, y ha tocado con una impresionante lista de titanes del jazz a lo largo de su carrera, como Wayne Shorter, Joe Henderson, Bobby Hutcherson, J.J. Johnson, James Moody y Ron Carter.

Antes de grabar In Real Time, ARTEMIS realizó una residencia de una semana en el club Birdland de Nueva York, en la que la banda presentó muchas de las composiciones del álbum. "De noche en noche, a medida que explorábamos las posibilidades, la música se transformaba y crecía", recuerda Rosnes.

In Real Time se abre con "Slink", una composición laberíntica escrita por el teclista Lyle Mays, conocido por su trabajo con el legendario guitarrista Pat Metheny. El arreglo de Rosnes contiene ricas capas de flauta, Rhodes, piano y voz.

El álbum continúa con la retumbante y modal "Bow and Arrow" de Miller, que remite a épocas anteriores de Blue Note Records gracias a su ritmo contagioso y su melodía con gancho. "Nuestra interpretación grabada de la pieza muestra la evolución de la banda y lo mucho que nos gusta tocar juntos", dice Miller.

Al explicar el proceso de composición de su apasionante balada "Balance of Time", Rosnes dice que confió en la célula melódica inicial y dejó que la inspiración de esa frase la guiara hacia el siguiente desarrollo. "Componer es improvisar, pero con el lujo del tiempo y una goma de borrar", añade. "Así que el proceso en sí es un equilibrio de tiempo".

Ser testigo de una lluvia de meteoritos en una pequeña y aislada isla del norte del estado de Nueva York inspiró la cabriola de Ueda, "Lights Away From Home". "Hice un boceto de la pieza a la mañana siguiente mientras estaba sentado en la misma roca donde vi las estrellas fugaces, recordando la emoción de la experiencia", recuerda Ueda. "Mi objetivo era escribir algo con una vibración positiva y optimista".

Jensen compuso la evocadora "Madera", que, según explica, es una composición de doble cara. El lado más luminoso transmite una relación directa con la tierra y la silvicultura, mientras que el lado más oscuro tiene que ver con el fuerte grito que los leñadores profieren después de talar árboles hasta la muerte en el bosque. "La escribí en la Costa Sunshine de la Columbia Británica, donde vive la familia de mi madre", dice Jensen. "Encima del piano en el que trabajaba había dos fotos de leñadores orgullosos en medio de un bosque yermo lleno de cedros y abetos recién talados".

En el proteico vals de Tarantino, "Whirlwind", optó por tocar la flauta: "La energía de la pieza pretende fluir y refluir como su título", dice Tarantino. "Me encanta cómo la sección rítmica fluye libremente bajo las trompas durante la sección de apertura, así como la mezcla que consiguen las trompas en la melodía con la flauta actuando como un eco".

In Real Time también incluye una nueva versión de la emocionante "Empress Afternoon" de Rosnes, una composición intrincada y de ritmo rápido que apareció por primera vez en su álbum de Blue Note de 2002 Life on Earth en una versión que contaba con el impresionante trabajo de tabla de Zakir Hussain. "Allison estudió tabla en la universidad y tiene una gran afinidad por la música india", dice Rosnes, "así que pensé en volver a tocar esta pieza y adaptarla a la banda. Por supuesto, ella le pone su propio sello".

El álbum concluye con una apasionada interpretación de la balada de Wayne Shorter, "Penelope", que apareció por primera vez en su grabación de 1965 para Blue Note, Etcetera. La versión de ARTEMIS, arreglada por Rosnes, sirve de escaparate para el dúo inicial de trompeta y piano silenciados que da paso a los vaporosos pasajes de saxo tenor de Glover. Rosnes explica: "Las melodías de Wayne suenan inevitables. Hay un peso emocional en cada elección melódica y armónicaTodos le.  miramos como una luz que nos guía y un creador valiente".

"El nuevo álbum es una auténtica representación de lo colectivo y lo individual", dice Miller. "Nuestro crecimiento como banda queda claro desde el principio. Hay una confianza que se ha solidificado desde nuestra primera grabación y la química es palpable. En pocas palabras, ¡sonamos como una banda!".

  

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