Claudio Filippini Trio ::: Breathing In Unison

Claudio Filippini Trio ::: Breathing In Unison

Claudio Filippini

Breathing In Unison
Claudio Filippini Trio
Cam Jazz | Abril 8, 2014


1 Modern Times #evolutions 1:49
2 As Time Goes By 5:20
3 Poses 4:57
4 The Sleepwalker 5:22
5 Breathing In Unison 5:15
6 Night Flower 5:59
7 South Michigan Avenue 6:50
8 A Time For Love 3:34
9 Secret Love 5:20
10 At The Dark End Of The Street 4:19

Claudio Filippini ( Piano, Fender Rhodes, Keyboards )
Olavi Louhivuori ( Drums )
Palle Danielsson ( Double Bass )


El celebrado jóven pianista italiano ocupa un lugar de privilegio dentro de la escena europea y mundial, el seductor sonido de su piano, sus movilizadoras interpretaciones y composiciones condujeron la atención, los oidos y el alma hacia ellas, generando un tsunami de aprobaciones y admiración.

Habiendo logrado la consagración con su anterior disco Facing North (Cam Jazz | Enero 15, 2014), el pianista reafirma su condición de Estrella en Ascenso para consolidarse definitivamente con Breathing In Unison, el álbum que hoy compartimos. En él encontramos a Filippini respirando al unísono con sus dos colegas de banda, el contrabajista sueco Palle Danielsson, uno de los próceres del movimiento europeo y el bata finlandés Olavi Louhivuori que aporta una composición propia, Night Flower, el sexto corte, una muestra de su talento compositivo y de su sensibilidad.

Con temas propios del pianista más dos viejos standars, Secret Love, originalmente cantada por Doris Day y más recientemente por Mika, la estrella de origen libanés, y A Time For Love popularizada por Tony Bennett y Kurt Elling, antes en versiones instrumentales por Oscar Peterson y Milt Jackson, entre otros. El álbum cierra con At The Dark End Of The Street, una belleza, el broche de oro con esta revisión antes realizada por leyendas como Aretha Franklin y Bruce Springsteen.

CORTINA FINAL: Goa / Claudio Filippini Trio – Before The Wind (CamJazz | Oct 19, 2018)

Bill Evans ::: Agosto 16, 1929

Bill Evans ::: Agosto 16, 1929

¿Quién fué Bill Evans?

Bill Evans, una de las figuras más influyentes y trágicas del piano de jazz post-bop, era conocido por su toque muy matizado, la claridad de los sentimientos que contenía su música y su reforma del sistema de voz de los acordes utilizados por los pianistas. Grabó más de cincuenta álbumes como líder y recibió cinco premios Grammy.

Creó una escuela de pianistas de «estilo Bill Evans» o «inspirados por Evans», entre los que se encuentran algunos de los artistas más conocidos de nuestro tiempo, como Michel Petrucciani, Andy Laverne, Richard Beirach, Enrico Pieranunzi y Warren Bernhardt. Su ineludible influencia en el sonido del piano de jazz ha tocado prácticamente a todos los protagonistas del campo después de él (así como a la mayoría de sus contemporáneos), y sigue siendo un modelo monumental para los estudiantes de piano de jazz de todo el mundo, e incluso ha inspirado un boletín informativo dedicado exclusivamente a su música e influencia.

Sin embargo, Bill Evans era una persona que era dolorosamente autodestructiva, especialmente al principio de su carrera. Alto y guapo, instruido y muy elocuente sobre su arte, tenía un «problema de confianza» como él lo llamaba, mientras que al mismo tiempo se dedicaba fanáticamente a los pequeños detalles de su música. Creía que carecía de talento, así que tuvo que compensarlo con un trabajo intenso, pero para mantener a flote toda la agitada empresa, asumió una adicción a la heroína durante la mayor parte de su vida adulta. El resultado fueron condiciones de vida sórdidas, una carrera brillante, dos matrimonios fracasados (el primero terminó en un suicidio dramático) y una muerte prematura.

Orígenes

Bill Evans nació en Plainfield, Nueva Jersey, en 1929, de madre ortodoxa rusa devota y padre alcohólico de origen galés, que dirigía un campo de golf. La selección rusa de Evans explica el sentimiento especial que muchos de sus seguidores rusos sienten por él de que es uno de ellos. Bill recibió su primer entrenamiento musical en la iglesia de su madre; ambos padres eran muy musicales. También tuvo un apego de toda la vida al juego del golf.

Bill comenzó a estudiar piano a la edad de seis años, y como sus padres querían que él supiera más de un instrumento, tomó el violín al año siguiente y la flauta a la edad de 13 años. Llegó a ser muy hábil con la flauta, aunque apenas la tocó en sus últimos años. El dominio de estos instrumentos, en los que se pone gran énfasis en la expresividad tonal, podría haber animado a Evans a buscar las gradaciones similares de matiz en el piano. Lo hizo, por supuesto, ampliando así la gama expresiva del piano de jazz.

Harry, el hermano mayor de Evans, dos años mayor que él, fue su primera influencia. Harry fue el primero de la familia en tomar clases de piano, y Bill comenzó a imitarlo en el piano. Adoraba a su hermano mayor e intentaba seguirle el ritmo en los deportes, y fue devastado por su muerte en 1979 a la edad de 52 años.

A los 12 años estaba sustituyendo a su hermano mayor en la banda de Buddy Valentino, donde en un momento dado descubrió una frase de blues por sí mismo durante una presentación de un arreglo de acciones de «Tuxedo Junction». Era sólo una frase Db-D-F en la clave de Sib, pero le abrió una puerta, como dijo en una entrevista: «Fue tan emocionante. Sonaba bien y bien, y no estaba escrito, y yo lo había hecho. La idea de hacer algo en la música que alguien no había pensado me abrió un mundo nuevo». Esta idea se convirtió en el eje central de su carrera musical.

Además, a finales de los años 40, Evans se consideraba a sí mismo el mejor jugador de boogie-woogie del norte de Nueva Jersey, según una entrevista con Marian McPartland en el programa de radio Piano Jazz. Esa era la furia musical de la época; sin embargo, más tarde, Evans rara vez tocaba melodías de blues en sus actuaciones o en sus grabaciones.

Los hábitos de lectura de Evans

La madre de Evans era una pianista aficionada y había amontonado montones de partituras viejas, que el joven Bill leyó, ganando amplitud y sobre todo velocidad en la lectura a primera vista. Esto le permitió explorar ampliamente la literatura clásica, especialmente los compositores del siglo XX. Debussy, Stravinsky, en particular Petrouschka, y Darius Milhaud fueron particularmente influyentes. Le pareció mucho más interesante que la práctica de escalas y ejercicios, y finalmente le permitió experimentar una gran cantidad de música clásica. Como le dijo a Gene Lees, «Es sólo que he tocado una cantidad tan grande de piano. Tres horas al día en la infancia, unas seis horas al día en la universidad, y al menos seis horas ahora. Con eso, podría permitirme el lujo de desarrollarme lentamente. Todo lo que he aprendido, lo he aprendido sintiendo que soy la fuerza generadora». (Lees, Encuéntrame, p. 150). Y como le dijo más tarde a Len Lyons, tocar Bach le ayudó mucho a ganar control sobre el tono y a mejorar su contacto físico con el teclado (Great Jazz Pianists, 226).

Leer más: All About Jazz

Falleció Cecil Taylor pionero de la vanguardia, padrino del Free…

Falleció Cecil Taylor pionero de la vanguardia, padrino del Free…


Tenía 89 años, fué junto a Ornette Coleman motor de uno de los movimientos más expresivo, irreberente y contestatario que se haya conocido en el ambiente musical. En 2015 tocó el piano en la despedida de Ornette, su amigo y compinche. El adiós a un conquistador…


Cecil Taylor«Uno de mis deseos se ha cumplido. Encontré el amor. Fue difícil, pero lo encontré. Porque cuando Billy Holiday cantó, «No sabes lo que es el amor», grandes cantantes te dirán… es una sociedad. Es un compartir»…..

Cecil Taylor 10 de noviembre de 2010

«Practicar, ser estudioso con el instrumento, así como mirar un puente, o bailar, o escribir un poema, o leer, o intentar hacer su hogar más hermoso. Lo que entra en una improvisación es lo que entra en la preparación de uno, permitiendo entonces que los sentidos preparados ejecuten al más alto nivel desprovistos de interferencia psicológica o lógica. Te preguntas, sin lógica, ¿de dónde viene la forma? Parece que algo que puede ser olvidado es que a medida que comenzamos nuestro día y procedemos a través de él hay una forma en la existencia de la que creamos, que el día y la noche en sí es para. Y lo que elegimos variar en la rutina diaria proporciona en sí mismo los bloques de construcción frescos para construir una forma viva que se traduce fácilmente en un acto específico de hacer una composición musical». Cecil Taylor


Cecil Taylor ha sido una fuerza creativa inflexible que es un testimonio de su propia existencia y experiencia personal desde sus primeras grabaciones en los años 50. En los años 60, su música se convertiría en un exponente destacado, junto con la de John Coltrane y Ornette Coleman, del incipiente movimiento de «free-jazz». Este movimiento sacudió los mismos cimientos sobre los que descansaba con seguridad la música de jazz y marca un punto de inflexión en la historia de la música que desafió las estructuras de la forma y el sistema armónico tonal. Taylor ha dicho de su característico toque rítmico que intenta «imitar en el piano los saltos en el espacio que hace un bailarín» y su facilidad orquestal en el piano le ha permitido innovar nuevas texturas musicales en la interpretación de pequeños conjuntos. El toque de Taylor siempre ha sido técnicamente sofisticado, pero como dijo una vez, «la técnica es un arma para hacer lo que hay que hacer».† El personal de sus bandas durante sus casi cinco décadas en el jazz comprende una lista de talentos asombrosos incluyendo: Steve Lacy, Jimmy Lyons, Albert Ayler, Buell Neidlinger, Dennis Charles, Archie Shepp, William Parker, Max Roach, Tony Williams, Mark Helias, Mary Lou Williams, y Bill Dixon. Además, ha trabajado con varios bailarines y coreógrafos notables, incluyendo la composición de música para Diane McIntyre, Mikhail Barishnokov, y Heather Watts.

Aunque su música siempre ha sido polémica para el público en general, siempre ha sido totalmente fiel a su visión artística, y esto se ha extendido a todos los aspectos de su vida, incluyendo sus pasiones por la lectura, la danza, el teatro y la arquitectura. También es un poeta consumado, y ha incorporado este talento en muchas de sus actuaciones y grabaciones.

Nacido en Nueva York el 25 de marzo de 1929, Cecil Taylor comenzó a tocar el piano y a la edad de cinco años, alentado por su madre. De 1951 a 1955 asistió al New England Conservatory donde se concentró en piano y teoría musical. Su temprana carrera profesional comenzó trabajando con Hot Lips Page y Johnny Hodges (c. 1953). En 1955 formó un cuarteto con Steve Lacy y pronto lanzó su primer álbum importante, Jazz Avance (1956). Un compromiso poco después en el Five Spot ayudó a establecer el club Greenwich Village como un foro para el nuevo jazz de la Costa Este. Durante este período también hizo una aparición en el Festival de Jazz de Newport y en el Great South Bay Jazz Festival. En 1960, su cuarteto de «free-jazz» reemplazó temporalmente a una banda de «hard-bop» en la obra The Connection.

En 1962 fue galardonado con el premio «nueva estrella» de Downbeat para pianistas, mientras que irónicamente no pudo conseguir trabajo durante la mayor parte de los años 60. Afirma que se vio obligado a vivir de la asistencia social durante al menos cinco años durante este período. En 1964 participó en la Revolución de Octubre en el Jazz, una serie de Conciertos de la Ciudad de Nueva York patrocinados por el Gremio de Compositores de Jazz de Bill Dixon (compuesto en su mayoría por músicos de la variedad de vanguardia). En los años 70, enseñó brevemente en Antioch College, la Universidad de Wisconsin y Glassboro State College en Nueva Jersey.

Prácticamente toda la música grabada por Taylor entre 1967 y 1977 fue grabada y lanzada en Europa. A partir de 1973, su carrera comenzó a cobrar impulso y comenzó a hacer giras regularmente como pianista solista y dirigiendo sus propios grupos. También recibió una beca Guggenheim Fellowship y dirigió su propio sello discográfico llamado Unit Core. En 1975 fue elegido en el Down Beat Hall of Fame. En 1979 compuso música para la obra «Tetra Stomp: Eatn’ Rain in Space».


 

Hiromi | marzo 26, 1979

Hiromi | marzo 26, 1979


La pianista y compositora Hiromi (Marta) cautivó a la comunidad de jazz con su debut en Telarc en 2003, Another Mind. El rumor comenzó con su álbum debut que se extendió hasta su Japón natal, donde Another Mind envió oro (100.000 unidades) y ganó el premio «Álbum de Jazz del Año» de la Asociación de la Industria de la Grabación de Japón (RIAJ). El segundo lanzamiento de Hiromi, Brain, se produjo un año después. Brain recibió el «New Star Award» del Swing Journal, el «Álbum de Oro» de Jazz Life, el «Mejor Álbum de Jazz Japonés» de HMV Japón y el «Premio al Artista Japonés» del Japan Music Pen Club. Cuando el Swing Journal anunció los resultados de su Encuesta de Lectores 2005, Brain ganó el «Álbum del Año». Marta sube otro peldaño con su lanzamiento en enero de 2006, Spiral.

Nacida en Shizuoka, Japón, en 1979, Hiromi recibió sus primeras clases de piano a los seis años. Aprendió de su primer maestro a aprovechar los aspectos intuitivos y técnicos de la música.

«Su energía siempre fue tan alta, y ella fue tan emocional», dice Hiromi de su primer profesor de piano. «Cuando quería que tocara con cierto tipo de dinámica, no lo decía con términos técnicos. Si la pieza era algo apasionado, ella decía,‘toca rojo’. O si fuera algo suave, diría: «toca azul». Podría tocar desde mi corazón de esa manera, y no sólo desde mis oídos».

Hiromi llevó ese enfoque intuitivo un paso más allá cuando se matriculó en la Escuela de Música de Yamaha menos de un año después de sus primeras clases de piano. A los 12 años, ya actuaba en público, a veces con orquestas de muy alto perfil. «Cuando tenía 14 años, fui a Checoslovaquia y toqué con la Filarmónica Checa», dice. «Fue una gran experiencia tocar con una orquesta tan profesional».

Más adelante en su adolescencia, sus gustos se ampliaron para incluir el jazz, así como la música clásica. Un encuentro casual con Chick Corea cuando tenía 17 años la llevó a una actuación con el conocido pianista de jazz al día siguiente.

«Fue en Tokio», recuerda. «Él estaba haciendo algo en Yamaha, y yo estaba visitando Tokio en ese momento para tomar algunas lecciones. Hablé con algunos maestros y les dije que realmente quería verlo. Me senté con él y me dijo:’Toca algo’. Así que toqué algo y me dijo: «¿Puedes improvisar?» Le dije que podía, e hicimos improvisaciones con dos pianos. Luego me preguntó si estaba libre al día siguiente. Le dije que sí, y me dijo:’Bueno, tengo un concierto mañana. «¿Por qué no vienes?» Así que fui allí, y él dijo mi nombre al final del concierto, e hicimos algunas improvisaciones juntos».

Después de un par de años escribiendo jingles publicitarios para Nissan y otras compañías japonesas de alto perfil, Hiromi viajó a Estados Unidos en 1999 para estudiar en el Berklee College of Music de Boston. A pesar de que su sensibilidad musical ya había estado abierta cuando llegó a Estados Unidos, la experiencia de Berklee fue aún más allá.

«Se expandió tanto la forma en que veo la música», dice. «A algunos les gusta el jazz, a otros la música clásica, a otros el rock. Todo el mundo está tan preocupado por lo que le gusta. Siempre dicen,’Este tipo es el mejor’,’No, este tipo es el mejor’. Pero creo que todos son geniales. Realmente no tengo barreras para ningún tipo de música. Podía escuchar de todo, desde metal y música clásica hasta cualquier otra cosa».

Entre sus mentores en Berklee se encontraba el veterano bajista de jazz Richard Evans, que enseña arreglos y orquestación. Evans coprodujo Another Mind, su debut en Telarc, con su viejo amigo y colaborador Ahmad Jamal, quien también se ha interesado personalmente en el desarrollo artístico de Hiromi. «Ella es nada menos que asombrosa», dice Jamal. «Su música, junto con su abrumador encanto y espíritu, la hace volar a alturas musicales inimaginables.»

A sus 26 años, Hiromi se encuentra en el umbral de las posibilidades ilimitadas, inspirándose constantemente en prácticamente todo lo que la rodea. Su lista de influencias, al igual que su propia música, es ilimitada. «Amo a Bach, amo a Oscar Peterson, amo a Franz Liszt, amo a Ahmad Jamal», dice. «También me encanta la gente como Sly and the Family Stone, Dream Theatre y King Crimson. Además, me inspiran mucho los deportistas como Carl Lewis y Michael Jordan. Básicamente, me inspira cualquiera que tenga una gran, gran energía. Realmente vienen directamente a mi corazón.»

Pero, por principio, no pondrá etiquetas a su música. Ella continuará siguiendo cualquier cosa que la mueva, y dejará las definiciones a otros.

«No quiero ponerle nombre a mi música», dice. «Otra gente puede ponerle nombre a lo que hago. Es sólo la unión de lo que he estado escuchando y lo que he estado aprendiendo. Tiene algunos elementos de música clásica, tiene algo de rock, tiene algo de jazz, pero no quiero darle un nombre».

 

Muere a los 85 años Horace Silver

Fuente: latimes.com

Por: Jocelyn Y. Stewart (frag)

Horace SilverHorace Silver, el pianista de jazz y compositor prolífico que cofundó los legendarios Jazz Messengers, fue pionero en el género conocido como hard bop y decenas de músicos mentor, ha muerto. Tenía 85 años.

Silver murió el miércoles en su casa de New Rochelle, Nueva York, por causas naturales, según su hijo, Gregory.

A través de composiciones clásicas como “Song for My Father”, “Nica’s Dream” y «Señor Blues», Silver ha influenciado a generaciones de músicos con un estilo que abarcó el gospel, blues y ritmos latinos. Sus obras también mantuvieron lo mantuvieron vigente, un puente entre los grandes del jazz de su generación y músicos que ni siquiera habían nacido cuando comenzó a grabar.

«En cuanto a su manera de tocar, sus composiciónes, las agrupaciones que lidero, sus arreglos, Horace Silver tiene que ser uno de los músicos más influyentes de la historia del jazz», dijo el bajista Christian McBride. «No importa qué estilo de jazz  tienda a gravitar ahora, Horace Silver siempre te toca.»

«No sólo era prolífico, fue un compositor único», dijo Phil Pastras, editor del libro sobre Silver publicado en 2006, “Let’s Get to the Nitty Gritty: The Autobiography of Horace Silver”. «Incluso un simple blues de 12 compases en sus manos se convertia en algo mágico «.

Silver nació 02 de septiembre 1928, en Norwalk, su padre, John Tavares Silver, era un inmigrante de Cabo Verde, un grupo de islas frente a la costa occidental de África. De niño Silver escuchó la música tradicional de la tierra natal de su padre y el gospel negro de la iglesia de su madre. Pero escuchar a la banda de Jimmie Lunceford en un parque de atracciones local cuando tenía 11 años de edad pusoa Horace de lleno en el camino de la música.

«Cuando escuché a ésa banda tocar me dije, éso es para mí. Quiero ser un músico’ «, escribió en su autobiografía.

De vez en cuando él abandonó la escuela y se sube a un tren a Nueva York para disfrutar de la escena musical de la ciudad. Oyó el pianista Art Tatum tocar en el Downbeat Club y más tarde escribió que era «como ver y escuchar a un milagro en curso.»

Durante la década de 1950 y 60 de plata produjo un cuerpo de trabajo que años más tarde le gana el reconocimiento como uno de los fundadores del hard bop, generalmente descrito como la música que se basa en los principios rítmicos y armónicos de bebop, pero con fuertes influencias del gospel, blues y R & B .