Sarah Vaughan

Sarah Vaughan | marzo 27, 1924


En la década de 1940, cuando la mayoría de las cantantes femeninas adornaban a las grandes bandas como atracciones escénicas en lugar de ser miembros legítimos de conjuntos de jazz, Sarah Vaughan, junto con su predecesora Ella Fitzgerald, ayudaron a elevar el papel de la vocalista como igual al del instrumentista de jazz. Una mujer conocida por sus muchas vicisitudes, la personalidad abierta de Vaughan y su elocuencia artística le dieron los nombres de “Descarada” y “La Divina”. Una talentosa pianista, se unió a las filas del movimiento bebop de la década de 1940 y se convirtió, como miembro de las bandas Earl Hines y Billy Eckstine, en uno de sus vocalistas más famosos. Su dinámico rango vocal, su sofisticado sentido armónico y su fraseo en forma de trompeta le permitieron a Vaughan vender millones de números y tener una carrera en el escenario y en la grabación que abarcó media década.

Sarah Lois Vaughan nació hija de Asbury y Ada Vaughan el 27 de marzo de 1924 en Newark, Nueva Jersey. De joven, Vaughan tomó clases de piano y asistió a la Iglesia Bautista Mount Zion, donde sirvió como teclista de la iglesia. En casa, Vaughan tocaba el piano vertical de la familia y escuchaba las grabaciones de los artistas de jazz Count Basie y Erskine Hawkins. Después de descubrir los numerosos teatros y salas de cine de Newark, faltó a la escuela y salió de casa por la noche para ver bailes y espectáculos escénicos. A la edad de 15 años, tocaba en clubes locales, tocaba el piano y cantaba.

Poco después, Vaughan cruzó el río en tren hacia Harlem para frecuentar el Savoy Ballroom y el Apollo Theatre. Una noche, en 1943, participó en el espectáculo de aficionados Apolo, un concurso ferozmente competitivo que a menudo exponía a los talentos menores a las duras críticas del público del teatro. La conmovedora interpretación de Vaughan de “Body and Soul” no sólo atrajo los aplausos de la multitud, sino que también llamó la atención del cantante Billy Eckstine. Eckstine informó a su director de orquesta, Earl “Fatha” Hines, sobre la joven cantante. Hines entonces permitió que Vaughan asistiera al ensayo de la banda de la zona alta de la ciudad. En el ensayo, el canto de Vaughan ganó elogios inmediatos de Hines y sus músicos. Una de las grandes bandas modernas más destacadas de la época, el conjunto de Hines incluyó talentos como los trompetistas Dizzy Gillespie y Fats Navarro, el saxofonista Charlie Parker y el trombonista J. J. Johnson. Como la única integrante femenina de la banda, Vaughan compartió el centro de atención vocal con Eckstine y tocó el piano, a menudo a dúo con Hines. Vaughan debutó en el Apollo con la banda de Hines el 23 de abril de 1943.

Poco después, la mayoría de los secundarios modernistas de Hines, incluyendo a Gillespie, Parker y Eckstine, abandonaron gradualmente la banda. Vaughan permaneció brevemente con la banda de Hines hasta que aceptó una invitación para unirse a la recién formada big band de bebop de Eckstine en 1944. En diciembre de ese año, cortó su primer lado “I’ll Wait and Pray” (Esperaré y rezaré), apoyada por la banda Eckstine, que incluía a Dizzy Gillespie, los saxofonistas Dexter Gordon y Gene Ammons, y el pianista John Malachi.

Por intercesión del jazzista y pianista Leonard Feather, Vaughan grabó su primera cita como líder del pequeño sello Continental. Bajo la producción de Feather, Vaughan y sus All-Stars asistieron a su sesión en la víspera de Año Nuevo de 1944. Actuando como productor y pianista de la sesión, Feather reunió a sidemen tales como Dizzy Gillespie y al saxofonista Georgie Auld para cortar cuatro lados: “Signing Off”, de Feather, “No Smoke Blues”, “Interlude”, de Gillespie (una versión vocal de “Night in Tunisia”), y “East of the Sun”, en la que Gillespie sustituyó a Feather en el teclado.En una segunda sesión, Feather cedió las funciones de piano a Nat Jaffe, y reunió a Gillespie y Charlie Parker.

Después de una estancia de casi un año con Eckstine, Vaughan dejó la banda. Con la excepción de un trabajo con el sexteto del bajista y trombonista John Kirby en el invierno de 1945, actuó como solista. El 11 de mayo de 1945 grabó “Lover Man” con Dizzy Gillespie y Charlie Parker. En octubre de 1945 Vaughan firmó con el sello Musicraft y, en el mismo mes, grabó para el sello con el grupo del violinista de jazz Stuff Smith. Su grabación de Musicraft de 1946 de “If You Could See Me Now” de Tadd Dameron se considera un clásico moderno. También grabó con las bandas de Dickie Wells y Georgie Auld.

Aclamado por la revista Metronome como la “Influencia del Año” en 1948, Vaughan alcanzó el estrellato del jazz. Al año siguiente, firmó un contrato de cinco años con Columbia y grabó su clásico “Black Coffee” con la orquesta de Joe Lippman, un número que ascendió al número 13 en las listas de éxitos de Billboard. Para Columbia grabó en varios escenarios y asistió a dos sesiones que surgieron como los álbumes “Summertime”, con la banda de Jimmy Jones, y “Sarah Vaughan in Hi-Fi”, ambos con el trompetista Miles Davis. Vaughan se presentaba ahora como una cantante de pop que podía hacer baladas populares en un estilo directo, con el sonido suave y sensual de su voz desplegándose con efecto hipnótico, moviéndose con facilidad entre sus registros de soprano y contralto. Durante el año siguiente, Vaughan hizo su primer viaje a Europa. Durante su estancia en Inglaterra cantó ante un público entusiasta en el Royal Albert Hall.

En 1954, Vaughan firmó un contrato con el sello Mercury y grabó numerosos lados principalmente en escenarios orquestales. En diciembre de ese mismo año, su trío, el pianista Jimmy Jones, el bajista Joe Benjamin y el baterista Roy Haynes, se unieron al trompetista de 24 años Clifford Brown, al saxofonista Paul Quinichette y al flautista Herbie Mann para grabar el LP Sarah Vaughan con Clifford Brown. Rodeada de músicos de primera línea sensibles a su talento vocal, Vaughan produjo un álbum que, como escribió la autora de las notas originales del LP, “Es dudoso que alguien, incluyendo a la propia Sarah, sea capaz de encontrar una representación más completamente satisfactoria de su trabajo, o un escenario musical más apropiado que el que se ofrece en este LP. Estos lados están seguros de estar entre los logros más importantes de su década como artista discográfica”.

Durante una temporada en el club nocturno Mr. Kelly de Chicago en agosto de 1957, Vaughan grabó un álbum en vivo con su trío: el pianista Jimmy Jones, el bajista Richard Davis y el baterista Roy Haynes. Al año siguiente, ella y el pianista Ronnell Bright grabaron con la Count Basie Band y participaron en una sesión en París bajo la dirección del director de orquesta y director Quincy Jones, publicado como el Mercury LP, “Vaughan and Violins”.

En 1958, Vaughan ganaba un ingreso anual de 230.000 dólares. En julio del año siguiente, obtuvo su primer éxito de ventas, “Broken Hearted Melody”, con la Orquesta de Ray Ellis. Un éxito de público en blanco y negro, “Broken Hearted Melody”, nominado a un Grammy, alcanzó el número cinco en las listas de popularidad del R&B.

Cuando el contrato de Vaughan con Mercury terminó en el otoño de 1959, firmó con Roulette Records y se convirtió, en los años siguientes, en una de las mayores estrellas del sello. Sus sesiones de 1960 para la Ruleta incluyeron “The Divine One”, arreglada por Jimmy Jones y una sesión con Count Basie Band con talentos como los trompetistas Thad Jones y Joe Newman y los saxofonistas Frank Foster y Billy Mitchell. Destacado en números a dúo con el cantante Joe Williams, la sesión de la Banda Basie produjo los lados, “If I Were a Bell” y “Teach Me Tonight”.

Varios arreglos grabados con la Basie Band en enero de 1961, se cumplieron como el álbum “Sarah Vaughan y Count Basie”. Vaughan volvió a firmar con Mercury en 1963. Su trabajo grabado en los años sesenta incluyó los conjuntos de Benny Carter, Quincy Jones y Gerald Wilson. Su trío de acompañantes incluía a los pianistas Roland Hanna y Bob James. Vaughan debutó en el sello Mainstream con el LP de 1971 “A Time in Life”. En su grabación en vivo de 1977 en Ronnie Scott en la sección Soho de Londres, Vaughan produjo un clásico con su interpretación de “Send in the Clowns”.

En 1978, grabó un álbum respaldado por el pianista Oscar Peterson, el guitarrista Joe Pass, el bajista Ray Brown y el baterista Louie Bellson. Grabado con una alineación de estrellas, dedicó dos álbumes, en 1979, a la música de Duke Ellington, “Duke Ellington Songbook One” y “Duke Ellington Songbook Two”. Aunque había sido nominada varias veces a los premios Grammy, incluyendo una nominación por su esfuerzo de 1979 “I Love Brazil”, Vaughan no ganó su primer Grammy hasta 1982 por “Gershwin Live!”.

A lo largo de la década de 1980 Vaughan grabó en el sello Pablo, a menudo con los artistas Count Basie, Oscar Peterson y Dizzy Gillespie. Como dijo a Max Jones en Talking Jazz: “Ahora que he estado tanto tiempo, ya sabes, puedo trabajar con quien quiera. Ahora tengo más que decir sobre los trabajos que hago y cómo quiero hacerlos”. Durante un viaje a Brasil en 1987, grabó el álbum de CBS “Brazilian Romance”, y después apareció en un festival en Río de Janeiro. En su última grabación, el álbum de Quincy Jones de 1989 “Back on the Block”, cantó con Ella Fitzgerald en la introducción de “Birdland”. En febrero del mismo año, recibió un premio Grammy por los logros de toda una vida.

Un intérprete en vivo incansable que aún mantenía una buena voz, Vaughan mostró pocos signos de disminución artística. Fuera del escenario, sin embargo, los miembros de la banda comenzaron a notar el ritmo lento de su caminar y su falta de aliento. Diagnosticada con cáncer de pulmón, murió el 4 de abril de 1990.

Los artistas y críticos de jazz han descrito a Sarah Vaughan como una innovadora musical cuya voz alcanzó el nivel de los mejores instrumentistas de jazz. Betty Carter contó cómo “Sarah Vaughan tomó esas melodías e hizo algo con ellas. Abrió la puerta para hacer lo que quisieras con una melodía”. Desde sus primeras apariciones en la escena del jazz a principios de la década de 1940 hasta su muerte, la voz de Vaughan se convirtió en un modelo de excelencia y una inspiración para aquellos que se aventuraban a esforzarse más allá del papel de artista vocal popular y en el reino superior del arte musical.

Sarah Vaughan recibió a lo largo de su vida un Premio Emmy, por logros individuales, 1981; Premio Grammy al mejor vocalista de jazz, 1982; Estrella del Paseo de la Fama de Hollywood, 1985; Premio Grammy, por logros de toda una vida, 1989.

 

Deja un comentario